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l disappunto nei confronti delle stravaganze dell’arte contemporanea, spesso disancorate dall’abilità tecnica del fare, giocate sugli effetti spettacolari, ha già le radici negli anni ‘70. Uno dei suoi primi teorici, Georges Elgozy, conia un termine per definire gli scontenti della contemporaneità: “Nos mécontemporains” tradotto dal giornalista e critico Vincenzo Trione in “s-contemporanei”. L’insofferenza nei confronti dei fenomeni come Damien Hirst o Jeff Koons, Andres Serrano o Nan Goldin , Cindy Sherman o Jan Fabre, creatori di stupefazioni inedite, viene ripresa anche da Alain Finkielkraut che tenta di stabilire un discrimine tra “moderni” e “nostalgici”. Il disappunto per le molte eccentricità spesso sostenute da evidenti obiettivi economici che inquinano il panorama artistico contemporaneo ha continuato a crescere, riscuotendo consensi anche tra il pubblico: persone motivate che, visitando musei, biennali, triennali, quadriennali e fiere si trovano non di rado presi dal dubbio di “non capire” o, peggio, di essere “presi in giro”. Sintomi di un desiderio di comprensione dei motivi e della qualità dell’arte contemporanea. E’ recente l’affermazione di Umberto Eco: «La gente è stanca di cose semplici. Vuole essere sfidata a comprendere cose più complesse». E probabilmente non avremo scampo: la polisemia della globalizzazione, anche nelle sue forme culturali, va processata con applicazioni adatte. L’altro corno del problema, simmetricamente opposto, è rappresentato dal proliferare di mostre “facili”, realizzate con logiche da show e con particolare attenzione al box office e all’indotto, piuttosto che alla qualità culturale. Mirano a evitare sforzi mentali ai visitatori, incertezze finanziarie e “politiche” agli allestitori. Chi le progetta è spesso delegato da amministrazioni pubbliche prive di risorse economiche e anche di specifiche conoscenze. Chiamato ad occuparsi di aspetti collaterali finisce per entrare nel merito dei contenuti proponendo il “pacchetto”, quasi mai problematico o tematico. Sono galleristi, case d’asta, editori, curatori e critici a determinare le scelte, oltretutto con un notevole conflitto di ruoli e di competenze, dando la preferenza ad artisti o movimenti noti, spesso più volte rivisitati (e cioè “familiari” all’utenza). Così l’obiettivo culturale è disarmato a favore di quello, apparentemente più accattivante, dell’intrattenimento “tutto compreso”, sebbene non sia per nulla detto che la buona qualità di una mostra e il suo successo costituiscano termini antitetici. E dunque: sceglieremo di ragionare su quel che accade nel nostro presente, cercando di discernere tra le aberrazioni fuori da ogni logica estetica ed etica e le esperienze che, pur provocatorie, sono la forma di ciò che il mondo sta vivendo e di capire, con un sorvegliato e coraggioso equipaggiamento “relativista”, cosa conservare per l’adesso e (forse) anche per domani? O sceglieremo di rimanere spettatori inerti e s-contemporanei del presente, nostalgici del passato e in attesa di un futuro (forse) migliore? Giovanna Grossato

Editorial “The beauty of Contemporaneity”

Editoriale “Il bello della Contemporaneità”

I

T

he roots of the disillusionment with the extravagances of contemporary art, often unconnected to any technical production skill, but based on spectacular effects, could already be seen in the seventies. One of its first theoreticians, Georges Elgozy, coined a term for defining those who are discontent with contemporaneity: “Nos mécontemporains” translated by the journalist and critic, Vincenzo Trione into the Italian “s-contemporanei”. The intolerance towards such phenomena as Damien Hirst or Jeff Koons, Andres Serrano or Nan Goldin , Cindy Sherman or Jan Fabre, creators of original spectacles, is also taken up by Alain Finkielkraut who attempts to establish a distinction between “moderns” and “nostalgics”. The disillusionment with the many eccentricities often supported by evident economic objectives that pollute the contemporary artistic panorama continued to grow, also among the public: motivated people who, when visiting museums, biennali, triennali, quadriennali and fairs often find themselves assailed by the doubt that they “do not understand” or, worse, that they are “being made fun of”, symptoms of a desire to understand the reasons behind and the quality of contemporary art. Umberto Eco recently affirmed: “People are fed up with simple things. They want to be challenged to understand more complex things.” And probably we will have no escape: the polysemy of globalization, even in its cultural forms, must be processed using suitable applications. The other, symmetrically opposite, part of the problem is the proliferation of “easy” exhibitions, created using the logic of show business and with particular attention to the box office and to the economic fall-out, rather than the cultural quality. They aim to avoid mental effort for the visitors, financial uncertainty and “policies” for the curators. Those who plan them are often delegated by public administrators without economic resources and also with no specific knowledge. Called upon to look after the collateral aspects they end up by getting into the merits of the contents and offer a “package” that is almost never problematic or thematic. It is the gallery owners, auction houses, publishers, curators and critics who determine the choices, above all with a considerable conflict of roles and competences, giving the preference to known artists or movements, often seen again and again (and therefore “familiar” to the user). As a result, the cultural objective has been disarmed in favour of an apparently attractive one of “all-in” entertainment, though it is not said that the good quality of a show and its success constitute antithetical terms. And so: will we decide to reason on what happens in our own present, seeking to discern between aberrations outside every aesthetic and ethical logic and the experiences which, while provocative, constitute the form of what the world is experiencing, and to understand, with a supervised and courageous “relativist” machine what to keep for now and (perhaps) for tomorrow too? Or will we choose to remain inert and s-contemporanei spectators of the present, nostalgic for the past and waiting for a better (perhaps) future? Giovanna Grossato 3

SILVIA VENDRAMEL Il viaggio di Silvia Neri Foto di Antonio Cozza

“I

l viaggio non finisce mai. Solo i viaggiatori finiscono. E anche loro possono prolungarsi in memoria, in ricordo, in narrazione. Quando il viaggiatore si è seduto sulla sabbia della spiaggia e ha detto: Non c’è altro da vedere, sapeva che non era vero. Bisogna vedere quel che non si è visto, vedere di nuovo quel che si è già visto, vedere in primavera quel che si è visto in estate, vedere di giorno quel che si è visto di notte, con il sole dove la prima volta pioveva, vedere le messi verdi, il frutto maturo, la pietra che ha cambiato posto, l’ombra che non c’era. Bisogna ritornare sui passi già dati, per ripeterli, e per tracciarvi a fianco nuovi cammini. Bisogna ricominciare il viaggio. Sempre. Il viaggiatore ritorna subito”. È attraverso la metafora del viaggio di Josè Saramago che si può vedere Silvia Vendramel e la sua opera. La sua ricerca artistica si concentra su aspetti pragmatici, estetici e filosofici: il sentire dell’artista emerge nelle sculture in cui mette in atto la percezione empirica, emotiva e simbolica. Le componenti materiche sono il punto di partenza della composizione che, attraverso unioni e contrasti, descrivono spesso il maschile e il femminile, il loro confronto e il loro dialogo. L’artista trevigiana si lascia ispirare da Louise Bourgeois per l’inclinazione libera e sperimentale dei mezzi espressivi, da Tony Cragg per l’interpretazione e la consapevolezza dello stile e da Matthew Barney, per l’uso simbolico dei materiali, caratterizzati dal potere della metamorfosi, e per la complice intesa delle istanze maschili e femminili. Dopo il diploma artistico conseguito a Villa Aragon a Nizza, la Vendramel inizia il suo viaggio: prima l’Europa, poi il Canada ed infine nel 2007 è tra i vincitori del Premio New York, successo che le offre la possibilità di arrivare nella Grande Mela con una personale. L’esposizione newyorkese del 2008 è composta da diverse installazioni realizzate e articolate in più ambienti, un lavoro complesso che rivela la perfetta combinazione di perizia esecutiva e riflessione personale. “Here Exactly” presenta lo scheletro di una batteria in tessuto e velcro, simbolo della fusione degli opposti, è presente al centro della stanza e tutt’intorno sono distribuite ciotole di ceramica bianca riempite di colore, e cocci di stoviglie, ostacolo

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Con beneficio d’inventario 2007 Particolare | Detail

e allo stesso tempo protezione del cuore strumentale. Interessante “To Willendorf..a big project”, opera sulla riflessione della Venere di Willendorf, ex voto paleolitico: questa piccola statuetta di donna fu rinvenuta nel 1908 presso Willendorf, in Austria. Immagine votiva legata alla fertilità, era un oggetto da tenere in mano, un amuleto portafortuna. Silvia Vendramel lavora a questo progetto incentrandolo sulle medesime deformità della Venere di Willendrof esagerando quindi il seno e i glutei, simbolo della maternità, e trascurando altre parti, come le braccia e i piedi. L’artista focalizza sul materiale organico il ruolo del tempo: la materia man mano che il tempo passa si raggrinza e cambia forma, rivelando il sentimento angosciante della perdita. La materia diventa qui anche il simbolo di una tradizione in quanto l’origine organica richiama il legame con Matthew Barney: infatti come per l’artista statunitense, anche per la Vendramel è importante il rapporto con la materia in quanto è attraverso le caratteristiche dei materiali che l’artista può plasmare le sue idee ed ecco perché Matthew Barney sceglie il gel di petrolio, la vasellina, in quanto soddisfa la sua esigenza primordiale di realizzare opere umide che sembrano fuoriuscite da lui. La dinamica rituale di “To Willendorf...a big project” e “Here Exactly” si osserva nel tempo e attraverso i materiali che alludono ad azioni, come le stoviglie rotte o il colore versato nelle coppe di ceramica. I materiali, l’installazione, la riflessione dell’artista sono l’espressione della concezione dell’opera d’arte contemporanea il cui intento è, parafrasando Louise Bourgeois, provocare una reazione nell’osservatore attraverso il magico potere che da essa scaturisce. Nel 2011 Silvia Vendramel realizza “Preludio”, installazione che vede protagonista un tamburo di cartone e vetro: lo strumento silenzioso ritorna nell’opera dell’artista a dimostrazione che la ricerca artistica è un viaggio e talvolta si ritorna sui propri passi, riguardando il passato ed elaborando il futuro, perché per citare Andrej Tarkovskij “C’è un solo viaggio possibile: quello che facciamo nel nostro mondo interiore”.

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Con beneficio d’inventario 2007 Bronzo (reperti di fusione) e stoffa Bronze (casting finds) and cloth dimensioni variabili | variable dimensions nell’altra pagina | on the other page

Love me or leave me 2010 Ciniglia | Chenille cm. 28x25x20

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SILVIA VENDRAMEL Journey

by Silvia Neri Photos by Antonio Cozza

“T Criple crow 2010 Tessuto e pietra Cloth and stone cm. 27x18x13

My baby just care for me Pucca, stoffa e sughero Pucca, cloth and cork cm. 18x12x11

Joy Division 2010 Cotone | Cotton cm. 20x24x17

Suite 2010

Stoffa, acciaio, leggio, rivista Cloth, steel, bookstand, magazine dimensioni variabili variable dimensions

he journey never ends. Only the travellers stop. And even they can linger in memories, recollections, narratives. When the traveller sat on the sand of the beach and said: There is nothing more to see, he knew it was not true. It is necessary to see what has not been seen, see again what has already been seen, see in spring what was seen in summer, see during the day what was seen at night, in sunlight what was first in the rain, see the green harvests, the ripe fruit, the stone that has changed place, and the shadow that had not been there. It is necessary to return over steps already travelled to repeat them and to trace new paths alongside them. It is necessary to begin the trip again. Always. The traveller returns immediately.” It is through Josè Saramago’s metaphor of the journey that you can see Silvia Vendramel and her work. Her artistic research is concentrated on pragmatic, aesthetic and philosophical aspects: the artist’s feeling emerges in the sculptures in which she puts her empirical, emotive and symbolic perception into existence. The material components provide the point of departure of the composition which, through conjunctions and contracts, often describe male and female, their confrontation and their dialogue. The Treviso artist has allowed herself to be inspired by the free and experimental expressive means of Louise Bourgeois, by Tony Cragg for the interpretation and awareness of the style, by Matthew Barney for the symbolic use of the materials – characterized by the power of metamorphosis – and by the conspiratorial understanding between male and female needs. After the diploma in art obtained from Villa Aragon in Nice, Vendramel began her journey: first in Europe, then Canada and finally in 2007 where she was among the winners of the “New York Prize”, a success which allowed her to land in the Big Apple with a one-woman show. The New York show in 2008 was composed of different installations set up and articulated into several spaces, a complex work which reveals the perfect combination of executive skill and personal reflection. “Here Exactly” show the skeleton of a drum kit made of fabric and Velcro, symbol of the fusion of opposites while ceramic bowls filled with colour and shards of crockery are distributed around it, providing an obstacle and protection at the same time for the instrumental heart. Very interesting is “To Willendorf ...a big project”, a work on the reflection of the Venus of Willendorf, a small propitiatory sculpture associated with female fertility dating back to the Palaeolithic and found in 1908 at Willendorf in Austria. Silvia Vendramel works on her personal project by centring it on the same steatopygic deformity of the prehistoric statuette, exaggerating therefore the proportions of the breast and gluteus, symbols of maternity, and ignoring the other parts such as the arms and feet. The artist then focuses the role of time on the organic material: as time passes the material gradually wrinkles and changes form to reveal the anguishing sentiment of loss. And here it also becomes a symbol of a tradition as the organic origin recalls the link with Matthew Barney: this is because, as with the American artist, the relationship with the materials is important for Vendramel too, as it is precisely through their characteristics that the artist can shape her ideas; the same reason for which Matthew Barney chooses

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Bis-Franny 2010

Sedia e abito | Chair and suit cm. 50x50x180

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Con Beneficio di Inventario 2006Drybronzo (reperti di fusione) | Bronze (casting finds) cm. 500x250x180

Vaseline, petroleum jelly, as it fulfils his primordial need to create moist works that seem to have come out of his body. The ritual dynamic of “To Willendorf...a big project” and “Here Exactly” can therefore be seen in the chronological path and through the materials that allude to actions, such as broken crockery or the colour poured into the ceramic bowls. The materials, the installation and the artist’s reflection are the expression of the conception of contemporary art the intention of which, to paraphrase Louise Bourgeois, is to provoke a reaction in the observer through the magic power that springs from it. In 2011 Silvia Vendramel created “Preludio”, a work in which a fabric drum is the star: the silent instrument returns in the artist’s work, demonstrating that her research is a journey which sometimes brings her back over her steps, looking at the past and elaborating the future, because, to quote Andrej Tarkovskij “There is only one possible journey: the one we take in our interior world.” GALLERIA DE FAVERI

Lab 610 Loc. Servo, 167/B Sovramonte (BL) www.defaveriarte.it

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ANDREA BARUFFI America! di Giulia Querenghi

Catch it 2011

Olio e acrilico | Oil and acrylic cm. 150x150

È

Metà pomeriggio 2009

Drybrush su cartone Schoeller | Drybrush on Schoeller cardboard technique cm. 25,5x36,5

l’America la patria artistica di Andrea Baruffi. Originario della provincia bolognese, l’artista ha trascorso buona parte della sua vita negli Stati Uniti dove, per una trentina d’anni, ha lavorato come grafico illustratore per alcune delle testate più celebri al mondo come il New York Times e Time, oltre che per alcune tra le maggiori agenzie pubblicitarie nazionali. Si respirano le atmosfere degli anni ’40 e ’50 nelle tele di Baruffi, scene di genere in un’epoca emblematica degli Usa, un periodo carico di promesse e aspettative dopo le difficoltà della seconda guerra mondiale. Uno sguardo ottimista su di un mondo che, anche se non più disincantato, non è ancora stato infettato dal germe di quella che da lì a poco sarà chiamata Guerra Fredda. L’american way di Baruffi non rappresenta un ostinato aggrapparsi a una visione mitica della ruggente America ma ne fissa, come in scatti di polaroid, immagini che lungi da farle perdere il suo fascino la rendono più concreta, lasciando intravedere scorci di “vita vera” fatta anche di povertà e desolazione. Giochi in strada, il ritrovarsi la domenica mattina dopo la funzione e, in qualche angolo, un giovane che sta per rubare un tenero bacio dalle labbra di una lady. È l’immagine il cuore della ricerca dell’artista, che in prima persona confessa, dinanzi alla reiterata domanda su quale sia il suo libro preferito, risponde “I never read, I just look at pictures”. Anche se fa sorridere, l’assurdità di questa dichiarazione conferma il feeling che Baruffi ha con l’immagine pura, fine a se stessa. I lunghi anni trascorsi a lavorare nel campo della grafica gli hanno lasciato una naturale predisposizione a catturare gli elementi iconografici più significativi ed è per questo che un’opera di Baruffi è di immediata lettura. Le immagini di città come San Francisco, Las Vegas e soprattutto New York mettono l’osservatore nella condizione di riconoscerne immediatamente la connotazione, non solo perché si tratta di icone della modernità ma perché nei quadri dell’artista esse assumono sembianze familiari. L’oggettività estrema non è più mero gioco stilistico ma chiave di lettura di una realtà che appartiene un po’ a tutti e soprattutto all’artista. Scorci di vita lontani nel tempo ma vicini nella memoria. Baruffi narra di un’epoca dall’allure inconfondibile, la stessa dei film di Gene Cally o di Frank Capra. Sul sottile filo del confronto cinematografico si direbbe quasi che, come Welles denuncia in Quarto potere l’irrefrenabile ascesa dei media, Baruffi denunci sulle tele la forza del quinto potere: l’immagine. Il pittore diventa regista e gira scene, in bianco e nero o a colori, dove protagoniste sono le città, popolate da cartelloni che ritraggono i film nei botteghini. Luoghi noti in cui l’osservatore può immergersi. Anche l’ispirazione stilistica e coloristica è per Baruffi marchiata Usa perché è ad Edward Hopper, grande maestro dell’ iperrealismo americano, che dichiaratamente si ispira nella realizzazione dei suoi quadri. Anche i soggetti spesso sono gli stessi che furono cari al pittore antesignano di Baruffi: dai distributori di benzina ai ristoranti, sino alle stazioni e alle semplici scene di strada. Ma quella di Baruffi, lontana dall’essere mera emulazione è al contrario una vivida condivisione di un medesimo sentimento nei confronti dell’arte. Lo testimonia più di ogni cosa un noto aforisma hopperiano che recita “Se potessi esprimerlo con le parole non ci sarebbe alcuna ragione per dipingerlo”. In questo scabro aforisma c’è la sintesi poetica di una vita dedicata all’arte con la profonda convinzione che le immagini sappiano dire ogni cosa meglio delle parole stesse. 8

L’esistenza è lì proprio davanti i nostri occhi, un ragazzino ci sta lanciando una palla curva, forse metafora di un’occasione migliore e adesso sta a noi agguantarla, proprio come recita il titolo dell’opera “Catch it”! Le opere di Baruffi non sono scatti nostalgici ma inni alla vita, anche quando questa non ha in serbo ciò che si spera. L’acqua, sinonimo del fluire del tempo, ma anche della libertà incondizionata, legata a un’esistenza liquida, è un elemento che torna spesso nelle tele dell’artista. L’acqua è metafora di quanto esso sia contemporaneamente slegato da un vincolo oppressivo col passato eppure così indissolubilmente parte di esso. Andrea Baruffi è semplicemente innamorato degli anni Quaranta e Cinquanta e proprio questo gli permette di catapultare i suoi osservatori dentro a scene che sembrano tratti dal classico “Singin’in the rain” con immagini cui non si può più dire manchi la parola.

GALLERIA D’ARTE NINO SINDONI

Corso IV Novembre, 117 36012 Asiago (VI) www.ninosindoni.com Associazione Alberto Buffetti [email protected]

Pomeriggio di Natale 2007

Drybrush su cartone Schoeller | Drybrush on Schoeller cardboard technique cm. 36,5x51

sopra | upper

The conversation 2011

Olio e acrilico | Oil and acrylic cm. 200x120 a fianco | next

Coming home 2012

Olio e acrilico | Oil and acrylic cm. 160x80

ANDREA BARUFFI America!

by Giulia Querenghi

A

Gran central station 2012 Olio e acrilico | Oil and acrylic cm. 200x150

Sunday morning 2011

Olio e acrilico | Oil and acrylic cm. 150x200

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merica is the artistic homeland of Andrea Baruffi. Originally from the Bologna province, the artist passed much of his life in the United States where, for about thirty years, he worked as an illustrator for some of the world’s most famous publications such as the New York Times and Time, as well as for some of the country’s leading advertising agencies. It is possible to breathe atmospheres of the forties and fifties in Baruffi’s canvasses, genre scenes in an emblematic epoch in the USA, a period charged with promises and expectations after the difficulties of the Second World War. An optimistic gaze on a world which, even if no longer disenchanted, has still not been infected by the germ of what would soon be known as the Cold War. Baruffi’s American way does not constitute an obstinate clinging to a mythical vision of the roaring America but fixes it, as in Polaroid shots, in images that far from making them lose their charm, make them more concrete, making it possible to glimpse scenes of “real life”, also consisting of poverty and desolation: games in the street, meeting up on Sunday mornings after church and, in some corner, a youth trying to steal a tender kiss from the lips of a lady. It is the image that is at the heart of the search by the artist who, faced with the reiterated question about what his favourite book is, personally confesses “I never read, I just look at pictures”. Even if it makes us smile, the absurdity of this declaration confirms Baruffi’s feeling for the pure image, an end in itself. The many years passed working in the graphics field left him with a natural predisposition for capturing the most significant iconographic elements and that is why Baruffi’s work is immediately readable. The images of cities such as San Francisco, Las Vegas and especially New York put observers in a position where they can recognize the connotation immediately, not just because they constitute icons of modernity but because they assume a familiar appearance in the artist’s paintings. The extreme objectivity is not a mere stylistic game but also a key to reading a reality that belongs a little to all of us and especially to the artist. Slices of life that are far away in time but close in memory. Baruffi recounts an epoch with an unmistakable allure, that of the films of Gene Kelly or Frank Capra. To use a subtle comparison with the film world, it could be said that just as Welles denounces the unstoppable ascent of the media in Citizen Kane, Baruffi denounces the power of the fifth estate on his canvasses: the image. The painter becomes director and shoots scenes, in black or white or in colour, where the stars are the cities, populated by posters that portray the films in box offices, known places in which the observer can immerge. The stylistic and colouristic aspiration is also branded USA for Baruffi for it is by Edward Hopper, the great master of American hyperrealism, that he declaredly inspires himself in the creation of his paintings. His subjects are often the same as those that were dear to Baruffi’s forerunner: from petrol stations to restaurants, to railway stations and simple street scenes. But Baruffi’s work, far from being mere emulation is, on the contrary, a vivid sharing of the same feeling towards art. This is witnessed more than anything else by a famous Hopper aphorism that he quotes: “If you could say it in words there would be no reason to paint.” This rough aphorism

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T.square 2012

Olio e acrilico | oil and acrylic cm. 150x200 sotto | upper

Central park 2012

Olio e acrilico | oil and acrylic cm. 200x150

contains the poetic synthesis of a life dedicated to art with the profound conviction that the images are able to say everything better than the words themselves. Its existence is there in front of our eyes, a boy is throwing a ball to us, a metaphor perhaps of a better occasion and now it is up to us to “Catch it!” as the work’s title says. Baruffi’s works are not nostalgic snapshots but hymns to life, even if this does not reserve what we hope for. Water, a synonym of the flow of time, but also of unconditioned freedom, linked to a liquid existence, is an element that often returns in the artist’s canvasses. Water is a metaphor of how much it is both simultaneously unfastened from an oppressive constraint with the past while being indissolubly part of it. Andrea Baruffi is simply in love with the Forties and Fifties and this specifically allows him to catapult his observers into scenes that seem to have been drawn from the classic “Singin’ in the rain” with images in which we cannot say that the word is missing.

SPAZIO ANNA BREDA

Via San Francesco, 35 35121 Padova www.spazioannabreda.com [email protected]

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MICHAEL KENNA Silenzio d’autore

di Mauro Fiorese

S

olitamente si inizia a valutare il lavoro di un artista partendo dall’analisi dei contenuti e dalla valenza estetico-tecnica delle sue opere. Se, da una parte, fondamentale resta il “colpo di fulmine” come sintesi rivelatrice del magico rapporto che ognuno di noi instaura con un’opera d’arte, troppo spesso ci si dimentica che essa convive sempre anche con il suo titolo e che quest’ultimo va sempre menzionato. Se, infatti, osserviamo attentamente e in toto i lavori di Michael Kenna, scopriremo che tutti i titoli delle sue opere sono caratterizzati da una duplice dicitura: nella prima parte l’autore esprime evocazioni o semplici suggerimenti indiziali ma anche citazioni e omaggi, nella seconda parte del titolo, invece, troviamo l’esatta descrizione del luogo e dell’anno in cui il soggetto è stato fotografato. I titoli, quindi, sembrano prima suggerire e immediatamente dopo confutare ciò che l’occhio dell’artista ha saputo visivamente tradurre partendo da una circostanza realmente esistita ma successivamente trasfigurata dalla sua sensibilità. Sembrano concepiti in perfetto equilibrio tra l’idea di linguaggio funzionale e linguaggio creativo: la didascalia aggiunge informazioni probatorie sulla veridicità dell’evento vissuto e fotografato, convive con quelle semplici e apparentemente vaghe parole che, al contrario, tentano solo di aggiungere sensazioni e mistero ai momenti della quotidiana esistenza. Nato a Widnes, Inghilterra nel 1953, Michael Kenna inizia il suo percorso formativo al Upholland College nel Lancashire per poi frequentare successivamente la Banbury School of Art nell’Oxfordshire e il London College of Printing di Londra. Le sue misteriose fotografie si concentrano innanzitutto sull’interazione tra le effimere condizioni atmosferiche del paesaggio naturale e le costruzioni realizzate dall’uomo. È un fotografo diurno e notturno, affascinato da quei momenti del giorno in cui la luce si presenta nella sua massima versatilità. Spesso le sue fotografie registrano dettagli che l’occhio umano non riesce nemmeno a percepire. Michael Kenna è uno straordinario traduttore poliglotta capace di comprendere e immedesimarsi in luoghi e culture così lontani da apparirci spesso scontati anche a causa delle migliaia di immagini-clone che quotidianamente si impongono ai nostri occhi e inaridiscono l’immaginazione invece di stimolarla. Lontano da periodi e da orari dettati da automatismi, lontano dall’inquinamento visivo e acustico delle metropoli, Michael Kenna riscopre luoghi e rumori ormai dimenticati. Egli guarda a questi luoghi da inaspettati punti di vista fisici e mentali e lo fa muovendosi in certi momenti della giornata in cui la luce deve ancora manifestarsi per plasmare quei soggetti che sono solo dei concetti immateriali e praticamente invisibili. Il linguaggio di Michael Kenna è fuori dalle mode, non “fuori moda” solo perché, come alcuni asseriscono, romanticamente ancorato alla fotografia analogica e non ancora catapultato nel mondo del digitale. Egli sceglie la via della riflessione e dell’argento a quella dell’impetuosa cavalcata sull’onda dei pixel. Con il tempo si è forgiato uno stile inconfondibile, osservando il mondo con lo sguardo dello scultore che di fronte al blocco di marmo sa già dove vuole arrivare ma sa anche che quello che sta per intraprendere sarà un lungo e difficile percorso. Dalla penombra dei luoghi in cui si trova, Kenna parte per un viaggio che non si esaurisce mai dopo i suoi lunghi click ma continua anche più tardi in un luogo altrettanto buio, la camera

sopra | upper

Royal Balcony 1999 Gulf of Finland, Russia

Ratcliffe Power Station, Study 54 Nottinghamshire, England

nell’altra pagina | on the other page

Torii 2002

Takaishima, Honshu, Japan

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Mont St. Michel 1991 France

Quixote’s Giants, Study 10 1996 Consuegra, La Mancha, Spain

oscura, dove il fotografo si trasforma in stampatore per rivedere e ridonare nuova luce a ciò che aveva già osservato. O forse solo immaginato. Michael Kenna, che oggi risiede a Portland, Oregon negli Stati Uniti, è un fotografo conosciuto e stimato sia dal grande pubblico che dalla critica fotografica internazionale. Autore di più di trenta libri, i suoi lavori sono stati esposti in oltre trecento mostre personali e fanno parte di circa novanta collezioni selezionate tra Musei e Istituzioni d’Arte nel mondo. Ha vinto numerosi premi internazionali e nel 2000 è stato nominato Cavaliere dell’Ordine delle Arti e delle Lettere dal Ministero della Cultura francese. L’intimità delle immagini in bianco e nero di Kenna riflettono un forte senso di raffinatezza e rispetto per la storia. Il suo lavoro è stato esposto in gallerie pubbliche e private in Asia, Australia, Europa Stati Uniti ed è incluso nelle collezioni permanenti di note istituzioni, tra cui la National Gallery di Washington, il Patrimoine Photographique di Pargi, il Museum of Decorative Arts di Praga e il Victoria and Albert Museum di Londra.

MICHAEL KENNA Author’s silence by Mauro Fiorese

A

n artist’s output is normally assessed starting from an analysis of the contents and aesthetic-technical value of his works. If, on the one hand, the “lightning strike” remains as the revealing synthesis of the magical relationship which each of us establishes with a work of art, it is too often forgotten that it lives along with its title too and that the latter should always be mentioned. If, in fact, we attentively observe the works of Michael Kenna in their totality, we will discover that all the titles of his works feature wording: in the first part the author expresses evocations or simple evidential suggestions but also quotations and homages while in the second part of the title, on the other hand, we find the exact description of the place and year in which the subject was photographed. The titles, therefore, first of all seem to suggest and immediately afterwards rebut what the artist’s eye was able to translate visually starting from a circumstance that really existed but which was subsequently transfigured by his sensibility. They seem to have been conceived in perfect equilibrium between the idea of functional language and creative language: the caption adds probative information on the truthfulness of the event lived and photographed, and cohabits with those simple and apparently vague words which, on the contrary, attempt only to add sensations and mystery at moments of daily existence. Born in Widnes in England in 1953, Michael Kenna began his

formative path at Upholland College in Lancashire and then went on to attend the Banbury School of Art in Oxfordshire and the London College of Printing. His mysterious photographs are concentrated above all on the interaction between the ephemeral atmospheric conditions of the natural landscape and the constructions made by man. He is a photographer night and day, fascinated by those moments of the day in which the light appears with its maximum versatility. His photographs often register details that the human eye is not even able to perceive. Michael Kenna is an extraordinary polyglot translator who can understand and identify himself in places and cultures that are so distant that they often seem obvious also because of the thousands of images-clones that are imposed on our eyes every day and parch the imagination rather than stimulate it. Far from periods and hours dictated by automatisms, far from the visual and acoustic pollution, Michael Kenna rediscovers places and noises that have now been forgotten. He looks on these places from unexpected physical and mental points of view and does so by moving in certain moments of the day in which light must still manifest itself to shape those subjects which are only immaterial and practically invisible concepts. Michael Kenna’s language is outside fashions, not “out of fashion”, only because, as some assert, it is romantically anchored in analogue photography and not yet catapulted into the digital world. He chooses the route of reflection and of silver over the impetuous ride of the wave of pixels. With time he forged an unmistakeable style, observing the world with the eye of the sculptor who, faced with a block of marble, already knows where he wants to get to but also knows that the path he is about to take will be long and hard. From the penumbra of the places in which he finds himself, Kenna leaves on a voyage which is not over after his clicks but continues later in another similarly dark place, the dark room where the photographer transforms himself into a printer to review and give new light to what he had already observed. Or perhaps only imagined. Michael Kenna, who now lives in Portland, Oregon, in the United States, is a photographer who is known and esteemed both by the public at large and by international photography critics. The author of over thirty books, his works have been exhibited in over three hundred one-man shows and belong to about ninety collections selected by museums and art institutions all over the world. He has won countless international prizes and was appointed Chevalier of the Order of Arts and Letters of the French Ministry of Culture. The intimacy of Kenna’s black and white images reflects a powerful sense of refinement and respect for history. His work has been exhibited in public and private galleries in Asia, Australia, Europe and the United States and is included in the permanent collections of famous institutions including the National Gallery of Washington, the Patrimoine Photographique in Paris, the Museum of Decorative Arts in Prague and the Victoria and Albert Museum in London.

Eiffel Tower, Study 2 1987

Paris, France

St. Isaac’s Cathedral 1999

St. Petersburg, Russia

PH NEUTRO

Loggia Arvedi Via Mazzini, 50 37121 Verona www.ph-neutro.com [email protected]

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OH, PEGGY!...

P

eggy Guggenheim ha svolto un ruolo determinante nella storia dell’arte del Novecento. Era solita dire che fosse suo dovere proteggere l’arte del proprio tempo e a questa vocazione e alla creazione del suo museo dedicò buona parte della vita. Era nata a New York il 26 agosto del 1898, da Benjamin Guggenheim e Florette Seligman. Il padre, che nell’aprile del 1912 muore nell’affondamento del Titanic, contribuisce a creare, alla fine del XIX secolo, un impero finanziario fondato sullo sfruttamento minerario, in particolare del rame, mentre i Seligman sono un’importante famiglia di banchieri. Peggy cresce a New York e nel 1921 comincia a viaggiare in Europa. Grazie a Laurence Vail, suo primo marito e padre dei due figli Sindbad e Pegeen, futura pittrice, Peggy si ritrova ben presto nel cuore della vita bohémienne parigina, insieme a parte della società americana espatriata e molti degli artisti conosciuti allora, quali Constantin Brancusi e Marcel Duchamp, che sarebbero poi divenuti suoi amici. Nel 1938, consigliata dall’amica Peggy Waldman, Peggy apre una galleria d’arte a Londra che inaugura con una mostra di opere di Jean Cocteau, cui segue la prima personale di Vasilij Kandinskij in Inghilterra. Nel 1939, stanca della galleria, Peggy decide di “aprire un museo d’arte contemporanea a Londra” con l’amico Herbert Read come direttore. Il museo dovrebbe seguire un percorso storico e la collezione costituita da una lista di artisti stilata da Read e successivamente rivista da Duchamp e Nellie van Doesburg. Tra il 1939 e il 1940 Peggy è impegnata ad acquistare opere per il futuro museo, con il proposito di “comprare un quadro al giorno”. È allora che vengono acquistati alcuni dei capolavori della collezione, quali le opere di Francis Picabia, Georges Braque, Salvador Dalí e Piet Mondrian. Nel luglio del 1941 Peggy abbandona la Francia occupata dai nazisti e torna negli Stati Uniti insieme a Max Ernst che, pochi mesi più tardi, diventa il suo secondo marito. Mentre continua ad acquistare opere per la sua collezione, Peggy cerca un nuovo spazio per la collezione. Nell’ottobre del 1942 apre il museo-galleria Art of This Century sulla 57° strada, a New York. Progettata dall’architetto austriaco Frederick Kiesler, la galleria è costituita da sale espositive estremamente originali e ben presto diviene il centro d’arte contemporanea più interessante di New York. Ricordando la serata d’apertura Peggy scrive: “Indossai un orecchino di Tanguy e uno di Calder, per dimostrare la mia imparzialità tra Surrealismo e Astrattismo”. La galleria presenta la sua collezione d’arte cubista, astratta e surrealista, oggi esposta a Venezia. Organizza anche mostre temporanee dei più importanti artisti europei e di vari artisti americani, allora sconosciuti, quali Robert Motherwell, William Baziotes, Mark Rothko, Richard Pousette-Dart, e Jackson Pollock a cui è dedicata la prima personale nel 1943. Pollock e gli altri artisti sono gli iniziatori dell’Espressionismo astratto americano ed è 16

nell’altra pagina | on the other page Giuseppe Marchiori, Giovanni Comisso, Peggy Guggenheim, Emilio Vedova e Giuseppe Santomaso il giorno in cui fu conferita a Peggy la cittadinanza onoraria di Venezia, il 5 febbraio 1962. Il gruppo è seduto sulla scalinata del Municipio del Comune di Venezia. © Fondazione Solomon R. Guggenheim, foto Archivio CameraphotoEpoche, donazione Cassa di Risparmio di Venezia, 2005. Giuseppe Marchiori, Giovanni Comisso, Peggy Guggenheim, Emilio Vedova and Giuseppe Santomaso on the day on which Peggy was conferred with honorary citizenship of Venice, 5 February 1962. The group is sitting on the stairs of the Venice City Hall. © Fondazione Solomon R. Guggenheim, photo Archivio CameraphotoEpoche, donation of the Cassa di Risparmio di Venezia, 2005. a fianco | next © Collezione Peggy Guggenheim, Venezia. Corridoio occidentale. In primo piano: Francis Bacon, Studio per scimpanzé, 1957. Ph. Andrea Sarti/CAST1466cm. 160x80 © Peggy Guggenheim Collection, Venice. West corridor. In the foreground: Francis Bacon, Study for chimpanzee, 1957. Ph. Andrea Sarti/CAST1466 sotto | under © Collezione Peggy Guggenheim, Venezia. Collezione Gianni Mattioli. Ph. Andrea Sarti/CAST1466 © Peggy Guggenheim Collection, Venice. Gianni Mattioli collection. Ph. Andrea Sarti/CAST1466

proprio ad Art of This Century che essi entrano in contatto con il Surrealismo, loro principale fonte d’ispirazione. Nel 1947 Peggy ritorna in Europa e l’anno successivo la sua collezione viene esposta alla prima Biennale di Venezia del dopoguerra. Proprio a Venezia acquista Palazzo Venier dei Leoni, sul Canal Grande, dove si trasferisce e apre la sua collezione al pubblico, cominciando nel 1949 con una mostra di sculture esposte nel giardino. Nel 1950 organizza la prima personale di Pollock in Europa, nell’Ala Napoleonica di Museo Correr, a Venezia. La collezione viene, inoltre, esposta a Firenze e Milano, e in seguito ad Amsterdam, Bruxelles e Zurigo. Durante i trent’anni trascorsi a Venezia, Peggy continua a collezionare opere d’arte e ad appoggiare artisti come Edmondo Bacci e Tancredi Parmeggiani, conosciuto nel 1951. Nel 1962 viene nominata Cittadina Onoraria di Venezia. Nel 1969 il Museo Solomon R. Guggenheim di New York la invita ad esporre lì la propria collezione. È in questa occasione che Peggy decide di donare il palazzo e le opere d’arte alla Fondazione Solomon R. Guggenheim che, creata nel 1937 dallo zio Solomon per amministrare la propria collezione e il museo, dal 1959 ha sede nella celebre struttura a spirale progettata da Frank Lloyd Wright sulla Fifth Avenue. La donazione della collezione e del palazzo viene formalizzata nel 1976, a condizione che le opere rimangano a Venezia. Peggy muore il 23 dicembre del 1979, all’età di 81 anni. Le sue ceneri sono sepolte in un angolo del giardino di Palazzo Venier dei Leoni, accanto al luogo in cui era solita seppellire i suoi adorati cani. Alla morte di Peggy, la Fondazione Solomon R. Guggenheim diventa proprietaria del palazzo e, da allora, ha ampliato la sua casa, trasformandola in uno dei più affascinanti musei d’arte moderna del mondo.

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di Giovanna Grossato

OH, PEGGY!... P

eggy Guggenheim’s career belongs in the history of 20th century art. Peggy used to say that it was her duty to protect the art of her own time, and she dedicated half of her life to this mission, as well as to the creation of the museum that still carries her name. She was born in New York on August 26, 1898, the daughter of Benjamin Guggenheim and Florette Seligman. Her father created a family fortune in the late 19th century from the mining and smelting of metals, especially silver, copper and lead. The Seligmans were a leading banking family. In April 1912 Benjamin Guggenheim died heroically on the RMS Titanic. Peggy grew up in New York and in 1921 traveled to Europe. Thanks to Laurence Vail , her first husband, and father of her two children Sindbad and Pegeen, the painter, Peggy soon found herself at the heart of Parisian bohemia and American expatriate society. Many of her acquaintances of the time, such as Constantin Brancusi and Marcel Duchamp, became lifelong friends. In 1938, encouraged by her friend Peggy Waldman, Peggy opened an art gallery in London. The first show presented works by Jean Cocteau, while the second was the first one-man show of Vasily Kandinsky in England. In 1939, Peggy conceived “the idea of opening a modern museum in London,” with her friend Herbert Read as its director. From the start the museum was to be formed on historical principles, and a list of all the artists that should be represented, drawn up by Read and later revised by Duchamp and Nellie van Doesburg, was to become the basis of her collection. In 1939-40 Peggy busily acquired works for the future museum, with a resolve to “buy a picture a day.” Some of the masterpieces of her collection, such as works by Francis Picabia, Georges Braque, Salvador Dalí and Piet Mondrian, were bought at that time. In July 1941, Peggy fled Nazi-occupied France and returned to her native New York with Max Ernst, who was to become her second husband a few months later. Peggy began looking for a new location for her modern art museum, while she continued to acquire works for her collection. In October 1942, she opened her museum-gallery Art of This Century at 30 West 57th Street, New York. Designed by the Austrian architect Frederick Kiesler, the gallery was composed of innovative exhibition 18

Peggy Guggenheim davanti al padiglione greco, dove espone la sua collezione, alla XXIV Biennale d’Arte di Venezia; alle sue spalle Antoine Pevsner, Superficie sviluppabile, 1941; 1948. © Fondazione Solomon R. Guggenheim, foto Archivio CameraphotoEpoche, donazione Cassa di Risparmio di Venezia, 2005 Peggy Guggenheim in front of the Greek pavilion where her collection is on show at the XXIV Venice Biennale; behind her is Antoine Pevsner, Superficie sviluppabile, 1941; 1948. © Fondazione Solomon R. Guggenheim, photo Archivio CameraphotoEpoche, donation of the Cassa di Risparmio di Venezia, 2005.

© Collezione Peggy Guggenheim, Venezia. Ph. Andrea Sarti/CAST1466 © Peggy Guggenheim Collection, Venice. Ph. Andrea Sarti/CAST1466

rooms and soon became the most stimulating venue for contemporary art in New York. Of the opening night she wrote: “I wore one of my Tanguy earrings and one made by Calder in order to show my impartiality between Surrealist and Abstract Art.” Peggy exhibited there her collection of Cubist, abstract and Surrealist art, which was already substantially that which one sees today in Venice. She also held temporary exhibitions of leading European artists and of several then unknown Americans, such as Robert Motherwell, William Baziotes, Mark Rothko, Richard Pousette-Dart and Jackson Pollock who was given his first show late in 1943. Pollock and the others pioneered American Abstract Expressionism and encountered one of their principal sources, Surrealism, at Art of This Century. In 1947, Peggy returned to Europe where her collection was shown for the first time at the 1948 Venice Biennale. She bought Palazzo Venier dei Leoni, on the Grand Canal in Venice, where she came to live and where, beginning in 1949 with an exhibition of sculptures in the garden, she opened her collection to the public. In 1950 she organized the first exhibition of Pollock in Europe, in the Ala Napoleonica of the Museo Correr in Venice. Her collection was also exhibited in Florence and Milan, and later in Amsterdam, Brussels, and Zurich. During her 30-year Venetian life, Peggy Guggenheim continued to collect works of art and to support artists, such as Edmondo Bacci and Tancredi Parmeggiani, whom she met in 1951. In 1962 Peggy was nominated Honorary Citizen of Venice. In 1969 the Solomon R. Guggenheim Museum in New York invited Peggy Guggenheim to show her collection there. It was then that she resolved to donate her palace and works of art to the Solomon R. Guggenheim Foundation which was created in 1937 by Peggy’s uncle Solomon in order to operate his collection and museum. His museum had been housed since 1959 in Frank Lloyd Wright’s famous spiral structure on 5th Avenue. Peggy transferred ownership of her collection to the Solomon R. Guggenheim Foundation in 1976, with the stipulation that the works of art would remain in Venice. Peggy Guggenheim died aged 81 on December 23, 1979. Her ashes are placed in a corner of the garden of Palazzo Venier dei Leoni, next to the place where she customarily buried her beloved dogs. After Peggy’s death, the Solomon R. Guggenheim Foundation assumed ownership of the palazzo, converting and expanding the private house into one of the finest small museums of modern art in the world.

© Collezione Peggy Guggenheim, Venezia. Calder hall. Ph. Andrea Sarti/CAST1466 © Peggy Guggenheim Collection, Venice. Calder hall. Ph. Andrea Sarti/CAST1466

PEGGY GUGGENHEIM COLLECTION

Dorsoduro, 704/710 30123 Venezia www.guggenheim-venice.it

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A est del nord-est di Tommaso Zanini

N

egli ultimi dieci anni, il tradizionale divario tra i luoghi centrali della scena artistica europea e le sue periferie hanno conosciuto una curiosa riconfigurazione, in cui i profondi cambiamenti socio-politici ed i nuovi equilibri di potere che si sono generati hanno prodotto delle proficue contaminazioni. In questo senso, il Nord Est d’Italia è passato dalla sua posizione di solitaria “avanguardia economica”  a quella di partner dei paesi dell’ex Jugoslavia e dell’Europa Centrale,  diventando parte integrante di una geografia culturale più ampia, che ricalca le aree della vecchia mitteleuropa, punto di arrivo e di partenza per artisti, curatori e appassionati d’arte.  Presentandosi  come un luogo di incontro tra identità plurali,  l’apertura che si è così realizzata ha permesso la crescita e l’insediamento di alcune importanti realtà culturali, portando nuova linfa ad alcune delle più antiche e prestigiose istituzioni culturali contemporanee come ad esempio la Biennale di Venezia.  La A+A | Centro Espositivo Sloveno è uno spazio no-profit finanziato dal Ministero della Cultura Sloveno e rappresenta una delle prime realtà transnazionali dedicate alla promozione e sviluppo della cultura e identità slovena del XXI° secolo. Nato inizialmente come galleria itinerante che si muoveva in tutto il continente per partecipare alle maggiori rassegne culturali d’Europa, si stabilisce in maniera permanente a Venezia nel 1998. Dopo 14 anni di attività, la sua presenza è diventata parte integrante del tessuto culturale della città. Infatti il suo spazio di 150 mq situato vicino Palazzo Grassi ospita il padiglione nazionale della Slovenia alla Biennale di Venezia ed è l’unico padiglione nazionale aperto e attivo al di là del periodo dedicato all’esposizione d’arte internazionale più prestigiosa del mondo, garantendo quella continuità che gli stessi vertici della Biennale hanno da tempo auspicato. Ogni anno infatti A+A produce, promuove e realizza più di 30 eventi nell’ambito della ricerca artistica con20

temporanea, in collaborazione con le maggiori realtà nazionali e internazionali.  L‘attività espositiva varia dalla mostre istituzionali di autori sloveni storicizzati, come ad esempio Zoran Music, fino alle perfomance audio|video negli spazi urbani. Dal 2008, inoltre, la A+A,  invitata dal Comune di Verona e dalla Fiera Art Verona, realizza alla Galleria d’Arte Moderna di  Palazzo Forti una rassegna dedicata all’arte contemporanea negli ex-paesi dell’Est Europa, coinvolgendo i talenti più promettenti e le maggiori istituzioni culturali e imprenditoriali attive all’interno della regione italiana maggiormente proiettata verso la nuova frontiera comunitaria, in un’ottica di allargamento e inclusione delle molte espressioni artistiche e culturali che popolano l’Est europeo. Dal 2003 lo spazio è diretto da Aurora Fonda,  la cui precedente esperienza come curatrice indipendente tra l’Italia e la Slovenia ha permesso di allargare gli orizzonti ed i confini artistici dei linguaggi contemporanei, anticipando alcune delle maggiori tendenze recenti della scena contemporanea. L’impegno ed il lavoro nel contesto veneziano non si esauriscono con l’attività espositiva, in quanto questa è solo parte di una progettualità più ampia, in cui il carattere laboratoriale del centro trova espressione  attraverso l’interesse per la perfomance, i new-media, l’editoria e il web-design. In particolar modo,  A+A  è attiva nel campo della formazione post universitaria con un corso in pratiche curatoriali nell’arte contemporanea, uno dei corsi più longevi e qualificati del settore a livello nazionale, frequentato da studenti provenienti da tutte le maggiori università italiane. Ogni anno 15 di essi, per un periodo di 2 mesi, seguono delle intense sessioni di workshop ed incontri con i più importanti curatori e professionisti dell’arte contemporanea,  finalizzati a sviluppare in prima persona una proposta di curatela che il Centro stesso successivamente ospiterà; questa  attività, che unisce il campo della formazione teorica alla pratica ed alla concretezza del lavoro, è il vettore attraverso cui questa struttura è riuscita a costruire un network internazionale il cui sostegno alle attività dello spazio ha permesso alla A+A di diventare il principale riferimento a Venezia per le ricerche sperimentali e contemporanee.

Aleksander Velišc ˇek “Jbt with nasa” 2010

Dittico, olio su tela | Diptych, oil on canvas (Installazione parte della mostra A+A Hotel International) (Installation: part of the A+A Hotel International exhibition) cm. 147x142

East of northeast by Tommaso Zanini

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I

n the last ten years, the traditional gap between the central places of the European artistic scene and the peripheries has undergone a curious reconfiguration in which the profound sociopolitical changes and the new balances of power which have been generated have produced profitable cross-fertilizations. In this sense, Northeast Italy passed from its position as the solitary “economic avant-garde” to that of partner of former Yugoslavian and Central European countries, becoming an integral part of a more extensive cultural geography which corresponds to the area of the old mittleuropa, point of arrival and departure for artists, curators and art enthusiasts. Presenting itself as a meeting point between plural identities, the opening created in this way allowed the growth and establishment of various important cultural complexes, bringing new lymph to some of the oldest and most prestigious contemporary cultural institutions such as the Venice Biennale for example. The A+A | Slovenian Exhibition Centre is a no-profit space funded by the Slovenian Culture Ministry and constitutes one of the first transnational entities dedicated to the promotion and development of the Slovenian culture and identity of the XXI century. Established initially as an itinerant gallery which travelled throughout the continent in order to take part in the main cultural reviews in Europe, it settled in a permanent manner in Venice in 1998. After 14 years’ activity, its presence has become an integral part of the city’s cultural fabric. Its 150 sq.m space located near Palazzo Grassi hosts Slovenia’s national pavilion in the Venice Biennale and it is the only national pavilion that is open and active outside the period dedicated to the world’s most prestigious international art show and guarantees the continuity that the

Biennale executive has always hoped for. Every year A+A produces, promotes and stages more than 30 events in a context of contemporary artistic research in collaboration with the leading national and international structures. The exhibitive activity varies from institutional shows of established Slovenian artists such as Zoran Music, for example, to audio/video performances in urban spaces. Since 2008, moreover, A+A, invited by the Commune of Verona and by Fiera Art Verona, stages a show in the Palazzo Forti Modern Art Gallery dedicated to contemporary art in the former Eastern European countries. This showcases the most promising talents and leading cultural and business institutions working in the Italian region with the greatest projection towards the new Community frontiers, with a view to the enlargement and inclusion of the many artistic and cultural artistic expressions that populate Eastern Europe. Since 2003, the space is managed by Aurora Fonda whose previous experience as an independent curator in Italy and Slovenia has made it possible to broaden the horizons and artistic boundaries of contemporary languages and anticipate some of the main recent tendencies on the contemporary stage. The commitment and work in the Venetian context do not end with the exhibitive activity as this is only part of a broader context in which the laboratory character of the centre is also expressed through interest for performance art, the new media, publishing and web design. In particular, A+A is active in the field of post-university formation with a course on curatorial practices in contemporary art, one of the longest-standing and qualified in the sector at national level, attended by students from all the main Italian universities. Every year, 15 of them follow intense sessions of workshops and encounters with the most important contemporary art curators and professionals, for a period of 2 months, aimed at personally developing a curatorship proposal which will later be hosted by the Centre itself; this activity, which combines the field of theoretical training with the practice and concreteness of work, is the vehicle on which this structure has been able to build an international network whose support for the space’s activity has allowed A+A to become the main point of reference in Venice for experimental and contemporary research.

Niccolò Morgan Gandolfi “Los Angeles River, Glendale” March 2010

Inkjet color print | Inkjet colour print cm. 108x140

A+A SPAZIO ESPOSITIVO SLOVENO San Marco Calle Malipiero 3073 30124 Venezia www.aplusa.it

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GRAZIANO POMPILI

La vita dell’uomo è un vivere abitando di Alessandra Menegotto Foto di Dario Lasagni

I

titoli delle opere di Graziano Pompili alludono allo spazio. Non alla vuota misura, in senso astratto, come lo intendono ingegneri, pianificatori o speculatori, ma allo spazio–tempo, percepito solo in quanto abitato. Der Veldweg, sentiero tra i campi, Ort, che è insieme centro e luogo, spazio e sito, località e villaggio. Stele, che nell’antichità era una pietra commemorativa o celebrativa che delimitava un confine. Poeticamente abita l’uomo… l’uomo abita la terra e nel suo abitare fa che la terra sia terra. In questo celebre verso del grande poeta tedesco Hölderlin l’abitare storico dell’uomo esiste solo in quanto è in relazione con lo stare in un ambiente esistenzialmente vissuto, anzitutto attraverso il linguaggio, la lingua madre, la parola. Ma questo è vero anche per un altro grande poeta di recente scomparso: Andrea Zanzotto. Graziano Pompili conosce, vive, invece esistenzialmente attraverso il linguaggio–madre della forma. Compone misurate immagini che evocano una propensione all’abitare originaria e arcaica. Queste sculture prendono forza nell’esperienza che l’artista fa del passato, dell’archeologia –sua grande passione–, nella ricerca del profondo significato antropologico della più antica attitudine dell’uomo. Scansano il presente, non ci proiettano nel futuro, ci portano dritti all’essenza del senso racchiusa nelle nostre origini. C’è un abitare utilitaristico, produttivo, invadente, snaturato, che ha perduto ogni relazione con il Paesaggio, un abitare che prescinde dalla natura dei territori, dalla loro storia, e si sviluppa come un cancro in tutte le direzioni, senza misura, senza ordine, senza necessità. E c’è un “abitare la Terra”. Su questo ci portano a riflettere le sculture di Graziano Pompili. Le sue sono incorporazioni visibili dell’invisibile nell’aspetto di ciò che è familiare. Probabilmente noi abitiamo in modo completamente impoetico

Ort 2010

Marmo nero del Belgio | Black Belgian marble cm. 20x23x34

e potrebbe darsi che la nostra incapacità di prender misura, derivi da uno strano eccesso di furia misurante e calcolante. Il fatto che abitiamo in modo impoetico, e fino a che punto, lo possiamo però esperire in ogni caso soltanto se sappiamo il poetico – come può avvenire facendo esperienza di queste opere. Insieme alla terracotta, al ferro e allo smalto, il materiale preferibilmente utilizzato da Graziano Pompili è il marmo (ha tenuto per anni la cattedra di scultura in marmo all’Accademia di Bologna e a Brera). Materia nobile, tradizionalmente usata per la scultura, per il monumento, per il tempio, per ciò che deve durare: marmo statuario di Carrara, rosso di Persia, nero del Belgio, rosso Soraia, bianco di Paros, nero Marquina... materia scelta accuratamente e lavorata con sapiente manualità. Marmo tirato a lucido, lasciato grezzo, sbozzato, precisamente definito, fino a raggiungere l’essenza della Forma, fino a creare la massima tensione asimmetrica tra vuoto e pieno, finito e non finito, in un perfetto equilibrio dinamico. Le dimensioni non sono quasi mai monumentali, le opere sono presenze raffinate, discrete e tuttavia assolutamente intense, dotate di una potente energia che si propaga all’ambiente, ne ridefinisce le dimensioni. La forza delle opere di Pompili si è recentemente (16 aprile–6 novembre 2011) misurata con uno scenario eccezionale, quello del Castello di Pergine Valsugana. Qui l’artista ha realizzato opere di dimensioni monumentali, riuscendo a creare una potente simbiosi con il contesto, con gli spazi e le stagioni. Scrive nel testo in catalogo lo storico curatore della mostra, giunta alla sua 19°edizione, Franco Batacchi, purtroppo recentemente scomparso: << In questo ambiente le apparizioni delle sculture di Graziano Pompili corrispondono

ad altrettanti eventi. E quando a novembre si provvederà a smontare le installazioni, il piccolo dorato simulacro apotropaico, issato sul totem sorretto da anfore, svettante nel ventoso cielo trentino, lascerà un grande vuoto.>> L’incontro tra Franco Batacchi e Graziano Pompili risale ad almeno quindici anni fa. Si conobbero in Germania, in comuni esperienze di lavoro ed fu subito evidente la loro affinità: entrambi poco inclini alle celebrazioni del sistema dell’arte, propensi a lavorare in provincia, a considerare con rispetto il lavoro di ogni artista, a prescindere dal più o meno prestigioso curriculum. << ... Quando si ha la fortuna di conoscere un artista che assomma nella propria personalità tre fattori positivi: evidente talento, spessore culturale ed empatia, - scrive ancora Batacchi - allora la collaborazione si trasforma in unità d’intenti>>.

Stele 2009

Bianco di paros ossidi e ferro | White Paros marble, oxiden and iron cm. 67x25x23

GRAZIANO POMPILI

The life of a man is living inhabiting by Alessandra Menegotto Photos by Dario Lasagni

T

he titles of Graziano Pompili’s works allude to space. Not to empty measurement in the abstract sense as intended by engineers, planners or speculators, but to space-time perceived only in that it is inhabited. Der Veldweg, path between the fields, Ort, which at the same time is centre and place, space and site, locality and village. Stele, which in antiquity was a commemorative or celebrative stone that delimited a boundary. Man inhabits poetically ... man inhabits the earth and by inhabiting makes the earth the earth. In this renowned verse by the great German poet, Hölderlin, man’s historical inhabiting exists only to the extent that it is relation to being in an existentially livedin environment, especially through the mother tongue, the word. This is also true for another great poet, recently deceased: Andrea Zanzotto. Graziano Pompili knows and lives existentially, on the other hand, through the mother language of form. He composes measured images that evoke a propensity for original and archaic living. These sculptures get their power from the experience that the artist draws from the past, from archaeology – his great passion – in the investigation into the profound anthropological significance of man’s most ancient attitudes. They shun the present and are not projected into the future and take us straight to the essence of sense enclosed in our origins. There is a utilitarian, productive, invasive and distorted inhabiting which has lost every relationship with the landscape, an inhabiting that ignores the nature of the lands, of their history, and develops in every direction like a cancer, without measure, without order, without need. And there is an “inhabiting the Earth”. This is what

Ort 2010

Rosso soraia | Rosso soraya travertine cm. 35x34x15

Poeticamente... 2007

Marmo stat | Statue marble cm. 36x58x20

Graziano Pompili’s sculptures lead us to reflect on. His are visible embodiments of the invisible in the appearance of that which is familiar. We probably inhabit in a completely non-poetic manner and perhaps our inability to put things into proportion derives from a strange excess of measuring and calculating fury. The fact that we inhabit in a non-poetic manner, and up to what point, is only possible in any case if we know the poetic – how it can be found by experiencing these works. Along with terracotta, iron and enamel, the material that Graziano Pompili prefers to use is marble (for years he held the chair of marble sculpture in the Bologna Academy and Brera). A noble material, traditionally used for sculpture, for monuments, for temples and for what was made to last: statuary marble from Carraro, red from Persia, Belgian red, Soraia red, Paros white, Marquina black ... a material selected carefully and worked with skilful dexterity. Marble polished to a shine, left rough, roughhewn, or defined precisely until it acquires the essence of the Form, until it creates the maximum asymmetrical tension between empty and full, finished and unfinished, in a perfect dynamic equilibrium. The dimensions are almost never monumental, the works are refined and discreet presences but nevertheless absolutely intense, charged with a powerful energy which propagates in the environment and redefines its dimensions. The power of Pompili’s works (16 April – 6 November 2011) recently measured itself with an exceptional stage, that of the Castle of Pergine Valsugana. Here the artist created works on a monumental scale to establish a powerful symbiosis with the context, the spaces and the seasons. Franco Batacchi, the historical curator of the exhibition, now at its 19th edition, who sadly passed away recently, writes in the catalogue: “In this environment, the appearances Stele 2009

Nero marquina e ferro | nero marquina marble and iron cm. 78x35x25

Der Veldweg 2008

Marmo statuario (collezione Niccoli) Statue marble (Niccoli collection) cm. 18x33x62

Poeticamente... 2007

Marmo nero Belgio | Black Belgian marble cm. 50x27x19

of Graziano Pompili’s sculptures correspond to an identical number of events. And when the installation will be disassembled in November, the little gilded apotropaic simulacrum, raised on the totem supported by amphorae, standing out in the windy Trentino sky, will leave a great gap.” The encounter between Franco Batacchi and Graziano Pompili dates back at least fifteen years. They met in Germany, in common work experiences, and their affinity was immediately evident: both had little inclination for the celebrations of the art system, and their propensity was to work in the provinces and to consider the work of every artist with respect no matter how prestigious their curricular might be. “When you are fortunate enough to meet an artist who sums up three positive factors in his personality, evident talent, cultural depth and empathy,” Batacchi added, “then collaboration is transformed into a unity of intent.”

PERL’A ART GALLERY

San Marco Salizada San Samuele, 3216 30124 Venezia www.perlagalleryvenice.it [email protected]

FAUSTO DE NISCO

di Sandro Parmiggiani

F

austo De Nisco nasce nel 1951 a Sassuolo (Modena), dove vive e lavora. Precoce è la sua passione per il disegno e per la pittura: a dodici anni espone in mostre di gruppo con artisti già affermati. Nel 1964 si iscrive all’Istituto d’Arte Venturi di Modena, diplomandosi in Pittura, Scultura e Design professionale. Dal 1967 segue i corsi di scultura di Umberto Mastroianni all’Accademia di Belle Arti di Bologna; sente tuttavia il richiamo della pittura e si mette a copiare l’Estasi di Santa Cecilia di Raffaello alla Pinacoteca di Bologna. Tiene la mostra personale d’esordio nel 1985 alla Galleria La Minima di Reggio Emilia; espone, tra le altre, nelle Gallerie Rinaldo Rotta di Genova, Paolo Nanni di Bologna, PoliArt di Milano e Nino Sindoni di Asiago. Nel 2008 la Galleria Comunale d’Arte Moderna di Cesena gli dedica una mostra personale, Divenire visibile, con testi in catalogo di Leonardo Conti e Giovanni Granzotto; nel 2009 Palazzo Casotti di Reggio Emilia presenta una sua esposizione personale, La fluidità della visione, con testi in catalogo di Sandro Parmiggiani, Leonardo Conti e Maria Chiara Ferrari. Tra le mostre di gruppo, ricordiamo quelle dedicate al “Transmanierismo”, tenuto a battesimo da Giorgio Celli e Flavio Caroli (tra le altre, quella al Palazzo dei Diamanti di Ferrara nel 1987), La costruzione del senso e Dialogo sulla superficie a Modena nel 1987, Esperimento ininterrotto della pittura al Mercato del Sale di Milano nel 1989.

Fin dall’esordio, De Nisco va esplorando le “terre incognite” di una pittura che declina e fonde felicemente ogni possibilità del segno, della forma e del colore, rivisitando e fondendo molte suggestioni pittoriche, dal surrealismo all’esperienza di CoBrA, dall’informale europeo all’espressionismo astratto americano, fino alla tenace memoria lontana della visione romantica. I suoi dipinti paiono l’assemblaggio sapiente, apparentemente senza fine, di visioni che fluiscono dalla sua interiorità, dai mondi del sogno e della memoria, dal perenne retaggio della storia dell’arte, che lui combina, in un montaggio che alla fine congiunge e compenetra, in una sorta di ibridazione vitale, elementi della figura umana, forme vegetali, brani del paesaggio, evocazioni che vengono da suggestioni della storia dell’arte, della letteratura, della musica. Ciò che, a prima vista, può apparirci un mondo frantumato, sconvolto, deflagrato, senza un saldo centro di gravità, o l’esito di emozioni, di una follia e di un sogno senza regole, trova – attraverso questa continua, fluida metamorfosi che tutto ricompone e collega attraverso filamenti sottili, ponti di comunicazione, e una sorta di ibridazione di forme umane, vegetali, animali, e di tempi – una sua definizione. Senza dismettere l’idea di una realtà in perenne divenire, i suoi dipinti affascinano per le rime e i contrappunti dei segni, delle forme, dei colori, che scorrono su tutta la superficie del quadro, pervasa in ogni sua parte dall’intervento di un artista che certo sente l’horror vacui di una pittura che rinunci ai suoi strumenti e alla sua tradizione. Tutto, nelle opere di De Nisco, pare in preda a un transito senza fine, a una insopprimibile tensione verso l’altrove: ci sono infinite porte che aspettano di essere aperte e varcate.

sopra | upper

Otherland 2007

Olio su tela | Oil on canvas cm. 160x220 nell’altra pagina | on the other page

Fiori di carta 2011

Olio su tela | Oil on canvas cm. 110x130

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FAUSTO DE NISCO by Sandro Parmiggiani

F

austo De Nisco was born in 1951 at Sassuolo (Modena) where he lives and work. He had a precocious passion for drawing and painting: he exhibited in group shows with already established artists when he was only twelve. In 1964 he enrolled in the Venturi Art Institute in Modena where he graduated in Painting, Sculpture and Professional Drawing. In 1967 he took Umberto Mastroianni’s courses in sculpture in Bologna’s Fine Arts Academy. Nevertheless he felt the call of painting and started off copying Raphael’s Ecstasy of St. Cecilia in the Bologna painting gallery. He held his debut one-man show in the La Minima Gallery in Reggio Emilia and has exhibited in the galleries: Rinaldo Rotta in Genoa, Paolo Nanni in Bologna, PoliArt in Milan and Nino Sindoni in Asiago. In 2008, the Communal Gallery of Modern Art in Cesena dedicated a one-man show Divenire visibile (Becoming visible) to him, with catalogue texts by Leonardo Conti and Giovanni Granzotto. In 2009 Palazzo Casotti in Reggio Emilia presented a one-man show entitled La fluidità della visione (The fluidity of vision), with catalogue texts by Sandro Parmiggiani, Leonardo Conti and Maria Chiara Ferrari. The group shows in which he has participated include those dedicated to “Transmanierismo”, organized by Giorgio Celli and Flavio Caroli (including the one in Palazzo dei Diamanti in Ferrara in 1987), La costruzione del senso (The construction of sense) and Dialogo sulla superficie (Dialogue on the surface) in Modena in 1987, and Esperimento ininterrotto della pittura (Uninterrupted experiment

in painting) at the Mercato del Sale in Milan in 1989. Right from the beginning, De Nisco explored the “unknown lands” of a painting that declines and happily merges every possibility of the sign, form and colour, returning to and fusing many pictorial suggestions, from Surrealism to the CoBrA experience, from the European Informal school to American Abstract Expressionism, right back to the tenacious distant memory of Romantic vision. His paintings appear as skilful assemblies, apparently without end, of visions that flow from inside him, from the worlds of dream and memory, from the perennial legacy of the history of art which he combines, in a montage which in the end unites and conjoins, in a sort of vital hybridization, elements of the human figure, vegetable forms, pieces of landscape and evocations which come from suggestions from the history of art, literature and music. What can initially appear to us as a shattered, devastated and exploded world without a firm centre of gravity, or the outcome of emotions, of a madness and of a dream without rules, arrives at a definition of itself through this continuous fluid metamorphosis which recomposes and links everything through fine filaments, bridges of communication, and a sort of hybridization of human, vegetable, animal forms and times. Without dismissing the idea of a reality in perennial becoming, his paintings fascinate us with the rhymes and counterpoints of the signs, forms and colours that flow over the entire surface of the painting, pervaded throughout by the intervention of an artist who certainly feels the horror vacui of painting that rejects its instruments and its tradition. Everything in De Nisco’s works seems to be prey to an endless transit, to an irrepressible tension towards elsewhere: there are infinite doors waiting to be opened and crosses.

sopra | upper

Senza titolo 2009

Tecnica mista e collage su carta Mixed technique and collage on paper cm. 37x24 sotto | under

Senza titolo 2009

Tecnica mista e collage su carta Mixed technique and collage on paper cm. 38x27 nell’altra pagina sotto | on the other page under

Leggero che vola 2011 Olio su tela | Oil on canvas cm. 110x160

GALLERIA D’ARTE NINO SINDONI

Corso IV Novembre, 117 36012 Asiago (VI) www.ninosindoni.com Associazione Alberto Buffetti [email protected]

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Affioramenti. La forma del segno nella pittura di

GIORGIO CELIBERTI di Marcello Palminteri

Tutta l’opera di Giorgio Celiberti possiede una forza così netta e specifica, da vanificare immediatamente ogni sforzo di classificazione: ricondurre la sua pittura ai termini di realismo o astrazione risulta quanto mai inopportuno poiché si tratta - sempre - di una figurazione espressa per pensiero, per sentimento, svelata da modelli inconsci ma anche dall’innato virtuosismo di un solidissimo mestiere. L’artista procede per strutture e ritmi di rapida percezione, spargendo la superficie di tracce, parvenze, simboli, caricati di fisicità grazie al contrasto cromatico che le contraddistingue. Sembrerebbe che il suo obiettivo sia quello di operare sullo iato plurimo tra natura, idea del naturale e la visione, nelle sue complesse movenze psicologiche, come per isolarne gli impulsi immediati e selettivi, capaci di diventare rappresentazione. Per quanto apparentemente informale, il magma della pittura traccia uno statuto dell’immagine in virtù della presenza di un segno formante che si agita, facendosi persino graffiante: scava, aggredisce, cancella e scrive, sino a quando non si incanala in affioramenti rilassandosi in forme. Per questo l’opera appare solida, compatta, intrisa di fisicità, talvolta persino carnosa laddove maggiore è l’intervento della mano, di quella forza creatrice che plasma e asseconda consistenze e contorni. Così Celiberti cattura lo sguardo, lo invita ad abbandonare l’insieme per volgersi al particolare e a percorrere i sentieri della composizione e attivando nel riguardante l’ansia della decifrazione che impone una lettura, come per ristabilire un codice smarrito o per annunciarne uno nuovo, inedito. E’ sempre il segno ad essere protagonista di questo codice: un segno che è sempre “scrittura” e, come tale, si compone per frasi, successioni, rime, in cui lo scarto e la pausa, come in una composizione musicale, stabiliscono tempi e ritmi. Eppure non siamo mai di fronte ad una attitudine analitica; l’analisi stabilisce una marca ordinatrice ma non inemotiva: indica, semmai, uno spazio in cui porre un sistema di distanze e di rapporti possibili. In questo contesto il segno definisce una figurazione che è solo un grumo grafico, una traccia sostanziale fatta di emozioni, di misurati percorsi, schermi di presenze naturali o di passaggi, in cui importa la capacità di attivare una speciale presenza, come momento di una fluenza plastica da cogliere e da fissare. Allora l’attenzione si sposta verso una dimensione in cui immagine, forma, colore, diventano il tramite di una coscienza del reale; potremmo dire, anzi, che è una labile coordinata che forma una nuova realtà, fatta di suggestioni: evocazione più che dichiarazione, memoria del visto, del visibile e anticipatrice, sintesi di altre immagini (altre realtà …) non ancora definite, eppure possibili. Non racconti (la pittura di Celiberti non è mai didascalica), ma ipotesi (tracce …) che terminano solo quando l’energia del gesto si esaurisce: quando cioè, si aprono all’ambiguità della visione e dell’interpretazione. La pregnanza, la qualità, l’importanza dell’opera di Giorgio Celiberti, maturata in un cinquantennio carico di contraddizioni - com’è è stato d’al34

Particolari di opere in fusione di alluminio Details of cast aluminium works

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tra parte tutto il Novecento - , è quella di un artista friulano che ha saputo resistere al plagio, alla seduzione delle mode; il suo lavoro è pertanto il risultato di un modo di essere che annulla le apparenze per andare dritto al nocciolo delle cose, grazie ad una robusta sintesi intuitiva ed intellettuale. Il suo è un viaggio reale e della mente - alla scoperta del mondo e delle cose; come ha scritto Fabrizio D’Amico: «E’ andato per l’Europa: e ne ha ricondotto “cuori rossi e bianchi, cancellature, elenchi, farfalle, piccole foto, colonne di numeri …”. Poi ha guardato il suo Friuli, e vi ha scoperto la crescita osmotica di ‘natura e pietra, di fiumi e di storia’. E infine ha visto che l’una e l’altro stringevano in mano un identico tesoro: quello della vita - dell’uomo, della natura - cui lo scorrere del tempo toglie ferocia e iattanza, e dona in cambio verità. E’ per questo che, ha detto, “a me piacciono, da un gran pezzo in qua, le vecchie cose che affiorano, le scritte sui muri, i muri stessi nelle loro impensabili stratificazioni di tempi, le immagini graffite e rilevate, la presenza dell’uomo, del suo respiro”».

Codice segreto 1992

Tecnica mista | Mixed technique cm. 122x147

Intonaco di antiche stanze 1993 Affresco | Fresco cm. 180x150

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Emergings. The form of the sign in the painting of

GIORGIO CELIBERTI by Marcello Palminteri

T

he entire output of Giorgio Celiberti possesses a power that is so sharp and specific that it immediately frustrates every effort at classification: pigeon-holing his painting in terms of realism or abstraction is quite inappropriate as there is – always – figuration expressed by thought, by sentiment, revealed by unconscious models but also by the innate virtuosity of very solid craftsmanship. The artist proceeds with rapidly perceived structures and rhythms, scattering the surface with traces, appearances and symbols charged with physicality thanks to the chromatic contrasts that distinguish them. It would seem that his objective is to work on the multiple hiatus between nature itself, the idea of the natural, and vision in its complex psychological attitudes, as if to isolate their immediate and selective impulses, those capable of becoming representation. Though apparently informal, the magma of the painting traces a statute of the image in virtue of the presence of a formative sign that agitates and even becomes biting: he digs, attacks, cancels and writes until he channels into emergings that are released in forms. As a result, the work appears solid,

Finestra dell’anima 1990

Legno, affresco, vetro | Wood, fresco, glass cm. 210x90x60

Finestra 2001

Legno, vetro, affresco | Wood, glass and fresco cm. 71x188x56

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Gatti

Fusione bronzo | Bronze casting misure varie | various sizes

Esposizione di Buja 2010 Udine | Udine

compact, imbued with physicality, sometimes even fleshy there where there is the greatest intervention of his hand, that creative force which shapes and supports consistencies and contours. In this way Celiberti captures the eye, inviting it to abandon the whole and instead focus on the particular or follow the paths of the composition while triggering in the observer the anxiety of deciphering imposed by a reading, as if to re-establish a lost code or to announce a new unseen one. It is always the sign that is the start of this code: a sign that is always “writing” and, as such, is composed in phrases, successions and rhymes in which the reject and the pause establish times and rhythms as in a musical composition. And yet we are never in front of an analytical attitude; the analysis establishes a regulating mark and not an emotionless one: if anything, it indicates a space in which to arrange a system of distances and possible relationships. In this context, the sign defines a representation which is only a graphic clot, a substantial trace composed of emotions, measured paths, plans of natural presences or passages, in which it is important to activate a special presence, as a moment of plastic flow to grasp and fix. Then, attention is shifted towards a dimension in which image, form and colour become the intermediary of an awareness of the real; indeed we could say that it is a fleeting coordinate that forms a new reality composed of suggestions: evocation rather than declaration, memory of what has been seen, of the visible and of the anticipating, a synthesis of other images (other realities ...) not yet defined, yet possible. Not stories (Celiberti’s 38

Giorgio Celiberti

painting is never didactic) but hypotheses (traces ...) that end only when the energy of the action runs out: when, that is, they open to the ambiguity of the vision and interpretation. The significance, the quality and the importance of Giorgio Celiberti’s work, matured over half a century full of contradictions – just as the first half of the twentieth century was too – is that of a Friulian artist who has been able to resist plagiary, the seduction of fashion; his work is therefore the result of a way of being that cancels appearances in order to go straight to the core of things thanks to a robust intuitive and intellectual synthesis. His is a journey – real and in the mind – towards the discovery of the world and of things. As Fabrizio D’Amico has written: “He travelled around Europe: and he brought back ‘red and white hearts, deletions, lists, butterflies, little photographs, columns of numbers ...’. Then he looked at his own Friuli, and discovered the osmotic growth of ‘nature and stone, or rivers and history’. Finally, he saw that one and the other grasped an identical treasure in their hands: that of life – of man, of nature – from which the flow of time removes ferocity and swagger, and instead offers truth. And that is why he has said ‘for a long time now I like the old things that emerge, the writings on the walls, the walls themselves in their unthinkable stratifications of times, the scratched and relief images and the presence of man and his breath.’”

PRIMO PIANO ART GALLERY VENICE Progetti | Projects

www.primopianovenice.com [email protected]

Il cerchio aperto. La scultura grafica di Riccardo Cordero a Castel Pergine.

a fianco | next

Progetto meteorite 2 2006

Biro su carta | Biro on paper cm. 50x35 sotto | under

All’infinito 2 1992

Bronzo | Bronze cm. 230x80x80

nell’altra pagina | on the other page

Cordero

Bozza verso montagne Draft towards mountains

di Valentina Sperotto

C

om’è ormai tradizione, Castel Pergine apre a primavera le porte all’arte. Per anni, con grande passione e competenza, è stato Franco Batacchi, recentemente scomparso, a curare le esposizioni antologiche ospitate sia all’esterno che all’interno del prezioso spazio architettonico. A lui e al suo lavoro, in apertura della nuova stagione, vanno necessariamente il pensiero e il rimpianto di tutti. Per la nuova mostra di quest’anno, dedicata all’opera di Riccardo Cordero, non si può dire che sia il parco del castello a ospitare le sculture, quanto piuttosto che siano queste ultime ad appropriarsene. Lo scultore piemontese, infatti, con queste suoi lavori mira a creare una tensione e un felice rapporto dialettico con l’ambiente, così come lo induce tra lo spettatore e lo spazio, poiché la presenza di ogni sua opera determina un significativo mutamento ambientale immediatamente percepibile. Le sue sculture sono, infatti, forme che stabiliscono dei varchi, delle soglie anche psicologiche di attraversamento e per ottenere ciò Cordero sceglie di utilizzare materiali come il ferro e il bronzo, piuttosto che la pietra o il legno, più adatti allo “scavo” e al “togliere”; egli preferisce assemblare, unire per ottenere la somma di volumi, attraverso una pratica scultorea che dà come risultato finale uno scorrere, un senso dinamico della forma, un significato del fluire che mantiene, nell’oggetto finito, la memoria dello stato fuso del metallo. Ciò che l’artista sembra voler narrare è il processo tutto intero che conduce come atto finale all’addensamento del materiale, alla sua solidificazione in quelle linee nette, che si separano, si spezzano e s’intrecciano, ma in cui il movimento permane e determina un continuo, intenso ricongiungersi. Riccardo Cordero disegna e progetta la propria scultura, immagina la vibrazione e la 41

fantasia dello spettatore di completarla. La scultura astratta di Cordero, che ha guardato con attenzione all’Informale e a Lucio Fontana, è nello stesso tempo una riflessione originale sulle forme plastiche, sulla scelta dei materiali (anche industriali o insoliti) e sul rapporto dell’opera col paesaggio. Un bronzo come “Arcobaleno” (1989), ad esempio, pur offrendosi nella sua solidità, contemporaneamente invita lo sguardo a proseguire da solo: l’arco incompleto resta indeterminato e lascia all’immaginazione individuare dove e come toccherà di nuovo terra dopo la sua curva leggera e veloce. Grandi opere degli ultimi dieci anni come “Meteora”, del 2000, in acciaio inox, situata nello Sculpture Park di Shangai, la coeva “Punto vitale”, in acciaio corten, o “Cometa” (2006), sempre in in acciaio inox, situate nel Rose Garden Sculpture Park di Taiwan, ci dicono ancora qualcosa al riguardo: come la luce degli astri e l’energia che si sprigiona da un punto vitale, anche l’opera di Cordero è espansione energetica, luminosa, cinetica. Ogni scultura mostra l’origine del pensiero dell’artista; la sua la mano e l’occhio che continuamente indagano il mondo e creano, plasmano, disegnano forme che lo ricalcano e al contempo lo interpretano in modo sempre nuovo. E inducono chi le guarda a percorrere lo stesso cammino.

The open circle. The graphic sculpture of Riccardo Cordero at Castel Pergine. by Valentina Sperotto

sopra | upper

ET 2007

Acciaio inox | Stainless steel cm. 239x147x129 a fianco | next

Bozzetto per chakra 2005 Bronzo | Bronze cm. 27x48x32

forza che essa produrrà una volta realizzata. Dai cerchi aperti o interrotti si sviluppano linee spezzate e piani che li attraversano: la dimensione astratta del disegno diviene tangibile e preticabile. Si pensi alla “Fontana” presente nel Parco di Cenisia a Torino (opera in corten, realizzata nel 1994), con le sue forme geometriche disordinate che s’increspano alla base come onde guizzanti per poi sollevarsi, con un sussulto, in un arco che induce lo sguardo fino alla sommità, ancora una volta articolata e fratta in semicerchi e linee intersecate che ridiscendono a cascata insieme all’acqua. E se una quindicina d’anni fa Cordero sperimentava forme diverse e il richiamo al cerchio aperto non era ancora così ricorrente, già negli anni Settanta e Ottanta egli iniziava la sua riflessione che lega forma, spazio e spettatore. Ciò mediante sculture geometriche quali “Sui Quadrati” o “Due triangoli paralleli” o con la serie di finestre e soglie aperte, dalle cornici interrotte o non-finite. Strutture che si levano sottili e quasi a fatica da una base molto più corposa e informe. La scultura di Cordero non è comunque mai chiusa in se stessa: esistono sempre un angolo o un vuoto che la pongono in relazione a ciò che la circonda e che chiede alla 38

I

n what has become a tradition, Castel Pergine opens its doors to art in spring. For years it was the recently deceased Franco Batacchi who curated the anthological exhibitions hosted both outside and inside this precious architectural space. The thoughts and sorrows of all of us cannot fail to go to him and to his works as the new season opens. In the case of this year’s exhibition, dedicated to the work of Riccardo Cordero, it cannot be said that it is the castle’s park that hosts the sculptures but rather it is the latter that appropriate themselves of it. This is because the Piedmont sculptor

aims to create a tension and an engaging dialectical relationship with the environment in these works, in the way that it induces one between the spectator and the space, as the presence of each one of his works determines a significant, immediately perceptible environmental change. His sculptures are forms that establish openings and thresholds, including psychological ones, to be crossed and opened, and to do so Cordero chooses to use materials such as iron and bronze, rather than ones that are rather more suitable for “carving” and “removing” such as stone or wood. He prefers to assemble and combine to obtain the sum of volumes through a sculptural practice the end result of which is a flowing, a dynamic sense of form, a meaning of fluidity which retains the molten state of the metal in the finished object. What the artist seems to want to narrate is the entire process which leads as its last act to the thickening of the material, to the solidification in those sharp lines which separate from one another, break and interweave, but in which movement persists and gives rise to a continuous and intense reunification. Riccardo Cordero designs and plans his own sculpture and imagines the vibration and force which it will produce once physically completed. Broken lines and planes that cross through them develop from open or broken circles: the abstract dimension of the design becomes tangible and practicable. An example is the “Fontana” (“Fountain”) in Turin’s Parco di Cenisia (a Corten steel work created in 1994), with its disorderly geometrical forms that wrinkle at the bottom like wriggling waves that then rise, with a start, in an arc that draws the eye towards the summit, once again articulated and fractured into semicircles and intersecting lines that descend again in a cascade along with the water. And even if around fifteen years ago Cordero experimented with different forms and the attraction of the open circle was not yet so recurrent, already in the seventies and eighties he had begun with those reflections that link form, space and spectator. He does this by means of geometrical sculptures such as “Sui Quadrati” (“On the squares”) or “Due triangoli paralleli” (“Two parallel triangles”) or with the series of open windows or thresholds with their interrupted or unfinished frames. Structures that rise slenderly and almost with fatigue from a much more full-bodied and formless base. However Cordero’s sculpture is never closed in itself: there is always an angle or a gap which puts itself into a relationship with what surrounds it and which leaves its completion to the observer’s imagination. The abstract sculpture of Cordero, who has carefully studied Lucio Fontana’s Informale, is at the same time an original reflection on the plastic forms, on the choice of materials (including

industrial or unusual ones) and on the relationship of the work with the landscape. A bronze such as “Arcobaleno” (“Rainbow”), for example, while offering itself in its solidity, at the same time invites the eye to continue alone: the incomplete arc remains indeterminate and leaves it to the imagination to discover where and how it will touch the ground again after its light swift curve. Large works from the last ten years such as “Meteora” (“Meteor”) from 2000, in stainless steel, located in the Shanghai Sculpture Park, the “Punto vitale” (“Vital point”) in Corten steel from the same time, of “Comet” (2006), also in stainless steel, located in the Rose Garden Sculpture Park in Taiwan, still tell us something in this regard: with the light of the stars and the energy which is released from a vital point, Cordero’s work is energetic, luminous and kinetic expansion. Every sculpture reveals the origin of the artist’s thought; his are the hand and the eye that continuously investigate the world and create, model and design forms that trace it and interpret it in ways that are always new at the same time ... and induce the observer to follow the same path. sopra | upper

Super-nova 2007 Bronzo | Bronze cm. 49,5x34,5x36 a fianco | next

Meteorite 2007

Acciaio inox | Stainless steel cm. 155x200x177

CASTEL PERGINE

Via Al Castello, 10 38057 Pergine di Valsugana (TN) www.castelpergine.it [email protected]

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MICHELE DE LUCCHI Architetto di oggetti abitati di Anna Livia Friel Torri 107, 108 e 109 2007

Ciliegio, taglio con motosega e altre lavorazioni Cherry wood, cut with chain saw and other operations

L

o studio milanese di Michele De Lucchi è un “castello” che concentra in sé l’ecletticità rispecchiata nella produzione dell’architetto. Alla base sta il fare, l’officina-falegnameria dove vengono eseguiti i modelli, spesso veri e propri prototipi dei progetti dove la matericità, la tridimensionalità e la forma giocano un ruolo fondamentale: il fascino (e il profumo) del legno come materiale di sperimentazione e la motosega quasi come un oggetto zen, racconta De Lucchi. Ai piani superiori il laboratorio delle idee, dove ad ogni parete e appeso al soffitto c’è un disegno, un quadro, un modello, quasi per non dimenticare che è l’oggetto ad essere obbiettivo finale. Impossibile non respirare in questo spazio un continuo legame tra le cose pensate e quelle fatte, tra ideazione e sperimentazione, nel tentativo di non raggiungere mai un punto di staticità ma inseguendo un’evoluzione continua informata dalle riflessioni sulla società e parallela alle incalzanti e seducenti suggestioni della tecnologia, con l’intento però di “toglierle quella faccia così presuntuosa e aggressiva(…) e per farla diventare amabile, felice, semplice.” Michele de Lucchi nasce a Ferrara nel 1951 e si iscrive nel 1970 alla facoltà di Architettura di Firenze. Si cala fin dagli esordi in un contesto culturale e accademico particolarmente vivo che, nella capitale toscana di quegli anni, si pone rispetto alle questioni architettoniche problematiche di carattere sociale associate ad una radicalizzazione di intenti che velocemente si trasformeranno in provocazioni progettuali volte alla riflessione sul vivere ed abitare contemporaneo. A quel contesto, che tanto fortemente influenzerà la formazione teorica e pratica di De Lucchi, risalgono tra gli altri gli incontri con Adolfo Natalini, Andrea Branzi, Ettore Sottsass, Alessandro Mendini. Negli anni universitari egli fonda il gruppo Cavart con il quale

Casetta 150 2008

Noce, lavorazioni varie | Various operations

Villa con tettoie 2004

Tempera e matita su cartoncino (serie “Paintings”) Tempera and pencil on card (“Paintings” series)

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svilupperà una serie di sperimentazioni su temi dell’abitazione/occupazione dello spazio nel contesto-scena delle cave di trachite sui colli Euganei. Nel 1975, la sua tesi di laurea ha il titolo di Architetture verticali senza pavimenti: esse saranno le prime a svelare non solo l’interesse per l’ambiente vissuto, per la dimensione umana in tutte le sue scale, ma insinua anche le prime riflessioni sulla questione del prototipo e non nasconde la tentazione di un’architettura seriale in grado di declinarsi rispetto a differenti situazioni, dove non sia la forma a rendere un oggetto unico ma il modo in cui esso viene insediato e, in definitiva, abitato. Idea non lontana dalla funzione dell’oggetto industriale: in una conversazione con Mara Corradi, De Lucchi viene interrogato sulla fortuna di uno dei suoi più progetti più conosciuti, la lampada Tolomeo, ed egli stesso individua il potenziale di questo oggetto proprio nella sua “trasversalità”, contrariamente a quanto si potrebbe pensare, infatti, non è la possibilità di essere riprodotto infinite volte in quanto oggetto industriale a determinare il suo successo, ma al contrario è la flessibilità del suo impiego a renderla un oggetto ogni volta unico rispetto a funzioni, luoghi e persone diverse. Il design aderisce con grande onestà all’interesse di De Lucchi per gli spazi dell’abitare, proprio per la sua capacità di “allestire” l’ambiente quotidiano e di riflettere sul modo in cui l’uomo si sistema nel proprio habitat. Non a caso i suoi studi per Casette vanno alla ricerca dell’archetipo dell’abitazione attraverso l’assemblaggio di forme geometriche, volumi che oltre a suggerire un ordine formale lasciano intuire il procedimento che accosta elementi singoli, indipendenti e in grado di far emergere un’incredibile molteplicità di varianti. Modelli scolpiti in legno, le piccole case si muovono al limite tra potenziale prototipo e oggetto in sé con un significato indipendente, alla ricerca di un valore compositivo che ne delinei l’essenzialità della forma architettonica. Pur realizzate parallelamente ad alcuni interessanti dipinti a tempera, che al contrario non rappresentano pensieri architettonici, le Casette si soffermano sulla rappresentazione dell’architettura, quasi fossero la sintesi delle considerazioni teoriche degli ultimi anni, ed assumono la semplicità preziosa della sapiente operazione del togliere. Per il suo lavoro, sia come architetto che come designer, Michele De Lucchi ha ricevuto numerosi riconoscimenti in Italia e all’estero, tra cui il Dottorato Honoris Causa presso la prestigiosa Kingston University di Londra. Le sue opere sono esposte in alcuni tra i più importanti musei di design tra Europa, Stati Uniti e Giappone e nel 2003 il Centre George Pompidou di Parigi ne ha acquisito parte. Michele De Lucchi

Casetta 99 2007

Cedro, taglio con motosega | Cedar wood, cut with chain saw

vive e lavora a Milano www.micheledelucchi.com

Casetta 102 2007

Rovere, taglio con motosega e altre lavorazioni Oak, cut with chain saw and other operations

MICHELE DE LUCCHI

Architect of inhabited objects by Anna Livia Friel

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he Michele De Lucchi firm in Milan is a “castle” which concentrates within it the eclecticism reflected in the architect’s output. What is at the bottom is doing: the workshop-carpenter’s shop where the models are made, models that are often real prototypes in which the materiality, three-dimensionality and the form play a fundamental role, with the charm (and aroma) of wood as a material of experimentation and where the power saw is almost a Zen object, as De Lucchi tells us. The workshop of ideas is on the upper floors where a drawing, a picture or a model hangs from every wall and ceiling, as if to remind us not to forget that it is the object that is the final aim. In this space it is impossible not to be struck by the continuous link between the things imagined and those made, between conceiving and experimenting, in an attempt never to reach a point of immobility but following a continual evolution informed by reflections on society and parallel to the pressing and seductive suggestions of technology, with the intention however of “removing that presumptuous and aggressive face (...) and make it become lovable, happy and simple.” Michele de Lucchi was born in Ferrara in 1951 and enrolled in the Faculty of Architecture in Florence in 1970. Right from the beginning he immersed himself in a particularly lively cultural and academic milieu which in the context of architectural problems in the Tuscan capital at the time was questioning itself about problems of a social nature associated with a radicalization of intentions that would rapidly transform itself into provocation in the design field with a view to a reflection on contemporary living and inhabiting. Dating back to this context, which would so highly influence De Lucchi’s theoretical and practical formation, were encounters with Adolfo Natalini, Andrea Branzi, Ettore

Sottsass, and Alessandro Mendini among others. During his university years he founded the Cavart group with which he developed a series of experimentations on the theme of inhabiting/occupying space in the context/scenario of the trachyte quarries on the Euganei Hills. His 1975 degree dissertation was titled Architetture verticali senza pavimenti (Vertical architecture without floors). This was where he revealed for the first time not only his interest in the living environment, for the human dimension at every scale, but also insinuated his early reflections on the questions of the prototype, without hiding the temptation of a serial architecture capable of declining itself to adapt to different situations in which it is not the form that makes an object unique but the way in which it is installed and, in the end, lived in. This was an idea that was not far from the function of the industrial object: in a conversation with Mara Corradi, De Lucchi was questioned on the fortune of one of his best known projects, the Tolomeo lamp, and he himself identifies the potential of this object specifically in its “transversality”: contrary to what one might believe, in fact, it is not the possibility of being reproduced an infinity of times as an industrial object that determines an object’s success, but rather it is the flexibility of its use that makes it something that is unique every time on the basis of the various functions, places and persons. The design adheres with great honesty to De Lucchi’s interest in living spaces, specifically because of his capacity to “stage” the everyday environment and reflects on the way in which man arranges himself in his habitat. It is no coincidence that his studies for Casette (Little houses) seek the archetype of the home through the assembly of geometrical forms, volumes that not only suggest a formal order but provide an insight into the procedure that combines individual and independent elements capable of giving an incredible multiplicity of variants. Models carved in wood, the little houses move at the limit between the potential prototype and the object per se with an independent significance, seeking a compositional value which delineates the essential nature of the architectural form. Though realized in parallel with interesting tempera paintings, which for their part do not represent architectural thoughts, the Casette dwell on the representation of architecture, as if they were résumés of the theoretical considerations of recent years, and assume the precious simplicity of the skilful operation of removing. Michele De Lucchi has received countless awards for his work in both Italy and abroad, including an Honorary Doctorate from Kingston University, London. His works are on show in some the most important design museums in Europe, the United States and Japan and some of them were purchased in 2003 by the George Pompidou Centre in Paris. Michele De Lucchi

lives and works in Milan www.micheledelucchi.com

Casette 2008

China su carta | Ink on paper

Casetta C3M 2004

Betulla, taglio con motosega | Beech wood, cut with chain saw

Le forchette possibili di

GIOVANNI SCAFURO: variazioni sul tema di Alessandro Benetti

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n Zona Tortona, a Milano, dove ha installato il suo atelier da qualche anno, Giovanni Scafuro è conosciuto da molti come “quello della forchetta”. Nelle giornate frenetiche del Salone del Mobile, Scafuro è solito segnalare la presenza del suo laboratorio -situato nella corte interna di una vecchia casa di ringhiera all’angolo con Via Savona- collocando un ipertrofico forchettone proprio all’ingresso del cortile. Una rapida occhiata all’insieme degli oggetti finora concepiti da Giovanni è sufficiente per comprendere che la forchetta occupa a buon titolo un ruolo da protagonista nella sua produzione. “Utilizzata come limite per contenere e bussola per orientare la sua ricerca”, come afferma lui stesso, la posata in questione è l’oggetto di un’innocente ossessione che sembra volerla declinare in tutte le possibili varianti. Ossessione che non è estranea alla predilezione che Scafuro da sempre dimostra per la lavorazione del metallo e, in particolare, dell’acciaio. Dotato di grande duttilità, rappresenta il supporto materiale imprescindibile di una poetica tutta giocata sul tema della deformazione. Come nella collana “M’attorciglio”, dove il manico della forchetta sa avvolgersi morbidamente per sostenere il collier, mentre i rebbi si divaricano e si arricchiscono alle estremità di preziosi ghirigori. La ricerca di Giovanni Scafuro, d’altra parte, si spinge oltre ai molti gioielli (collane, anelli, bracciali), dove la riflessione sulle configurazioni potenziali della forchetta è volta soprattutto ad ottenere un risultato estetico piacevole, chic, “alla moda”. Le sculture delle serie “alberi” e “ricordi” evocano atmosfere inaspettatamente riflessive e finanche enigmatiche, giocate principalmente sul dialogo tra la

Altalena 1999

Scultura realizzata con una forchetta in alpacca e un mattone in terracotta Sculpture made from alpaca fork and terracotta brick

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posata di turno, la superficie su cui poggia e pochi altri elementi (come la piccola altalena che sembra far oscillare con sé il rebbio che la sostiene). La sensazione di straniamento che trasmettono queste composizioni deriva dal fatto che la percezione di una certa intensità espressiva è immediatamente affiancata dal riconoscimento dell’evidente carica ironica alla base dell’atto creativo di Scafuro. Proprio l’ironia si configura come la cifra caratteriale peculiare dell’artista, o artigiano, come preferisce definirsi. A suo parere, infatti, il secondo mestiere non ha nulla da invidiare al primo ma anzi lo sottende automaticamente, arricchendolo del “know-how” proprio di chi può vantare un’esperienza quotidiana di lavorazione manuale dei materiali più diversi. Da bravo artigiano, e malgrado la fedeltà giurata al suo oggetto prediletto, Scafuro si è concesso nel corso degli anni molte piacevoli divagazioni, che l’hanno portato a confrontarsi con altre posate, altre forme, altri materiali: anche un cucchiaio può diventare un bracciale e 90 anelli possono essere ottenuti dagli altrettanti numeri della tombola napoletana (ciascuno col suo significato partenopeo). La versatilità di Scafuro e la capacità di rinnovare continuamente il proprio repertorio, senza contraddirne i presupposti, si riconfermano ancora una volta nel più recente dei suoi progetti, dal nome emblematico: Forkeat, la cena. Dalla singola posata, alla sinfonia di un’argenteria tutta “sui generis”, dove i fori di un cucchiaio-colapasta lo rendono perfetto “per chi non ama il brodo”, un forchettone (rieccolo!) si allunga a dismisura per assecondare le fantasie dei palati cleptomani dei buffet e, infine, un cucchiaino da caffè si vuole anche pennino, per un appunto al volo o una dedica romantica.

in alto a sinistra | top left

Deserto 1998

Scultura realizzata con due posate in alpacca e una base in ardesia Sculpture made from two pieces of alpaca cutlery and slade base

sopra | upper

A chi non piace il brodo 2000

Scultura realizzata con una posata in alpacca Sculpture made from an alpaca cutlery piece a fianco | next

Margherita onde 1997

Collana realizzata con forchette in alpacca Necklace made fron alpaca forks

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All the possible forks of

GIOVANNI SCAFURO: variations on a theme by Alessandro Benetti

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Deserto serpentino 2002

Forchetta in alpacca argentata e base in serpentino Silver-plated alpaca fork and serpentine base

Slaccio 2000

Collana realizzata con una posata in alpacca e un laccio in cuoio Necklace made from alpaca cutlery and leather lace

Cucchiaio dell’ammalato 2010

Posata in alpacca e termometro in vetro Alpaca cutlery piece and glass thermometer

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n Zona Tortona in Milan where he installed his atelier a few years ago, Giovanni Scafuro is known by many as “the fork man”. During the frenetic days of the Salone del Mobile, the Furniture fair, Scafuro usually indicates the presence of his workshop – located in the internal courtyard of an old house at the corner with Via Savona – by placing a large hypertrophic fork at the courtyard entrance. A fast glance at the collection of objects conceived by Giovanni is enough to understand that the fork certainly plays a starring role in his output. “Used as a limit for containing and a compass for orienting his research,” as he himself says, the piece of cutlery in question is the subject of an innocent obsession that he seems to want to unfold in every possible variant. This obsession is not extraneous to Scafuro’s perennial preference for working metal, and steel in particular. Endowed with great ductility, it provides the indispensable support for a poetic entirely based on the theme of deformation, as in the “M’attorciglio” (“I twist”) necklace where the fork handle twists softly to support the collier while the prongs spread out and are enriched at the ends by precious doodles. Giovanni Scafuro’s research, on the other hand, goes beyond the many jewels (necklaces, earrings, bracelets) where the reflection on the potential configurations of the fork aims above all to obtain an attractive, chic and fashionable aesthetic result. The sculptures in the “alberi” (“trees”) and “ricordi” (“memories”) series evoke unexpectedly reflective and sometimes enigmatic atmospheres that play principally with the dialogue between the fork, the surface it rests on and a few other elements (such as the little swing that seems to

make the prong supporting it oscillate). The sensation of alienation that these compositions transmit derives from the fact that the perception of a certain expressive intensity is immediately joined by the recognition of the evident ironic change behind Scafuro’s creative act. It is specifically this irony that configures the peculiar character cipher of the artist, or artisan as he prefers to define himself. In his opinion, in fact, the latter trade is in no way inferior to the former but underlies it automatically, enriching it with the specific know-how of someone who can boast daily experience in manually working the most diverse materials. Like a great artisan, and despite his sworn loyalty to his preferred object, over the years Scafuro has allowed himself many pleasant digressions which have led him to tackle other cutlery items, other forms and other materials: even a spoon can become a bracelet and 90 rings can be obtained from Neapolitan tombolas (each with its own meaning in Naples). Scafuro’s versatility and ability to continually renew his repertoire without contradicting their assumptions are once again confirmed in the most recent of his projects, emblematically titled: Forkeat, la cena (Forkeat, the dinner). From a single piece of cutlery to a completely “sui generis” symphony of silverware, where the holes in pasta drainer-spoon “make it perfect for those who don’t like broth”, a big fork (again!) becomes disproportionally long so as to support the foody fantasies of buffet kleptomaniacs and, finally, a coffee spoon which is also a pen for making a fast note or a romantic dedication.

Pino 2000

Scultura realizzata con una posata in alpacca e un cristallo di gesso Sculpture made from alpaca cutlery and chalk christal

sotto | under

Rebboribelle 1998

Scultura realizzata con una posata in alpacca Sculpture made fron alpaca cutlery

AURUM GIOIELLI

Via San Bassiano, 6 36061 Bassano del Grappa (VI) www.aurumbassano.com [email protected]

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D

al 31 marzo al 10 giugno 2012 avrà luogo negli straordinari spazi delle Gallerie di Piedicastello-Fondazione Museo Storico del Trentino la prima edizione della Biennale Giovani - Trento 2012 dal titolo “À rebours. L’arte dei giovani ripensa la Storia“ in cui gli studenti degli istituti d’arte delle Tre Venezie sono invitati con le loro opere a riflettere sugli avvenimenti che hanno dato forma al Novecento. L’impresa è stata organizzata dalla nostra rivista “AreaArte” che, con la Fondazione Museo Storico del Trentino e la Provincia Autonoma di Trento e con il patrocinio della Regione Veneto, della Regione Autonoma Trentino Alto Adige e dalla Regione Friuli Venezia Giulia, ha avuto così modo di attingere al ricco bacino della creatività dei giovani, portando alla luce una spesso significativa qualità espressiva e offrendo nel contempo a questi ragazzi la possibilità di 52

confrontarsi con il pubblico e con i coetanei di altre scuole, in una mostra che percorrerà successivamente un itinerario attraverso le tredici provincie del Triveneto. Il progetto prevede un Concorso con cadenza biennale rivolto a studenti degli ultimi due anni di corso in ogni tipo di scuola d’arte. Ciascuno di loro può partecipare con un’opera la cui modalità di realizzazione è totalmente libera per quanto attiene la forma espressiva e la tecnica, con l’unico vincolo del formato che non deve superare le dimensioni 210 × 297 mm. Tutti i lavori pervenuti vengono esposti nell’allestimento che, per il 2012, si inaugura il 31 marzo negli spazi delle Gallerie di Piedicastello a Trento. Quest’anno sono stati 20 gli istituti e i licei che hanno aderito al bando con un totale di quasi 1.200 studenti che hanno partecipato ciascuno con un’opera. Due Commissioni, una formata dai docenti degli istituti e una dai rappresentanti dei musei patrocinatori dell’iniziativa, hanno poi selezionato tre opere per ciascun Istituto. Si tratta della Collezione Peggy Guggenheim e della Fondazione Bevilacqua La Masa di Venezia, della Galleria Civica di Trento, del Mart di Rovereto e del Kunst di Merano. La manifestazione è accompagnata da un catalogo che pubblica tutti i 180 lavori selezionati dalla doppia commissione (cioè i 9 lavori scelti per ciascuno dei 20 Istituti) e le liste per Istituto con i nomi di tutti egli studenti partecipanti che ne riceveranno ciascuno una copia in omaggio. Il ricavato dei cataloghi messi in vendita al book shop della mostra alla Galleria di Piedicastello verrà devoluto da “AreaArte” agli istituti scolastici in proporzione alla quantità dei loro studenti presentati al Concorso. Va inoltre segnalato che all’edizione 2012 della Biennale Giovani è stata concessa una speciale onorificenza da parte del Presidente della Repubblica che consiste in una medaglia in fusione di bronzo (80 mm di diametro con dedica nel verso). Tale riconoscimento, di cui è stato già avviato il procedimento di coniazione a cura della Zecca di Stato, è assegnato dal Capo dello Stato all’iniziativa e ai suoi organizzatori. Tutta una sezione dedicata “Biennale 2012 “ è on line nel sito della rivista “AreaArte” www.areaaret.it che viene continuamente aggiornato e dove si potranno dunque vedere video e foto di questa e delle successive edizioni del Concorso Il titolo del Concorso, “À rebours. L’arte dei giovani ripensa la Storia“, vuole evocare quello di un famoso romanzo di JorisKarl Huysmans, “À rebours”, in cui si narrano le vicende dei pittori Gustave Moreau e Odilon Redon. Quest’ultimo viene descritto come un intellettuale che rifiuta la mediocrità del suo tempo scegliendo un’esistenza che egli decide di vivere fuori dagli schemi, appunto, “controcorrente”. Questo letterariamente. Ma à rebours significa letteralmente anche “a ritroso”, nella direzione cioè che va – o guarda - all’indietro. Backwards. Una rilettura che il presente può e, anzi, deve costantemente rivolgere agli eventi passati, prossimi o remoti, cioè alla Storia, per trarne insegnamenti utili al proprio futuro. In questa duplice connotazione semantica è da leggere il suggerimento che la letteratura e la storia propongono (ed affidano) alla generazione che si affaccia al presente. In modo particolare agli artisti che, per loro sensibilità, sono i più attenti interpreti della realtà e spesso i più lucidi e intuitivi conoscitori delle problematiche umane presenti e passate. In quest’ottica gli studenti nell’ultimo biennio della loro formazione artistica sono chiamati a rappresentare, attraverso la propria personale creatività e le abilità espressive acquisite, eventi della Storia contemporanea. E quale migliore “contenitore” espositivo per la prima edizione di questo evento che le Gallerie di Piedicastello? Due tunnel stradali chiusi al traffico nel 2007 ed egregiamente riconvertiti in spazi espositivi dedicati alla Storia.

T

he first edition of the biennale dedicated to the young, Biennale Giovani - Trento 2012, will be held in the extraordinary spaces of the Piedicastello Galleries-History Museum Foundation from 31 March to 10 June 2012. Entitled “A rebours. L’arte dei giovani ripensa la Storia” (“A rebours. The art o the young rethinks history”), it invited the students of the art institutes in Northeast Italy to reflect with their works on the events that shaped the twentieth century. The event , organized by our review, “AreaArte”, along with the Fondazione Museo Storico of Trento and of the Autonomous Region of Trento and with the sponsorship of the Veneto Region, the Autonomous Trentino Alto Adige Region and the Friuli Venezia Giulia Region, was therefore able to draw from the rich basin that is the creativity of the young, and bring to light an often extraordinary quality while at the same time offering many young people the possibility to engage with the public and with their contemporaries from other schools in an exhibition that will later follow an itinerary through the thirteen provinces of the Triveneto. The project envisages a Competition at two-yearly intervals aimed at students attending the final two course years of every type of art school. Each student participates with a work which can be created in any way in terms of expressive form and technique, with the sole constraint of the format which must not exceed 24 x 32. All the works that arrive will be exhibited in the show which, for 2012, will be inaugurated on 31 March in the spaces of the Gallerie di Piedicastello in Trento. Twenty institutes and high schools participated this year with a total of over 1,200 students who contributed one work each. Two commissions, one composed of teachers from the institutes and one of representatives of the museums backing the initiative then selected three works for each institute. The museums were the Fondazione Bevilacqua La Masa, Venice, the Galleria Civica, Trento, the Peggy Guggenheim Collection in Venice, the Kunst, Merano and the Mart, Rovereto. The show is accompanied by a catalogue that publishes all the 180 works selected by the double commission (i.e. the 9 works selected for each of the 20 institutes) and the lists per institute with the names of all the participating students each of whom will receive a free copy. The proceeds from the catalogues put

Istituzioni

Il Presidente della Repubblica Giorgio Napolitano ha conferito alla Biennale Giovani Trento 2012 una propria medaglia di

Commissione Musei

on sale in the bookshop of the show in the Galleria di Piedicastello will be devolved by AreaArte to the scholastic institutes in proportion to the number of their students taking part in the Competition. It should also be noted that the 2012 edition of Biennale Giovani has been given a special award by the President of the Republic, consisting of a bronze medal (80 mm diameter with dedication on the rear). This recognition, which is already being struck by the State Mint, has been assigned by the Head of State to the initiative and to the organizers who have the power at their own discretion and under their own responsibility to attribute it to others in turn. An entire section dedicated to the “Biennale 2012” is online on the AreaArte site, www.areaarte.it and continually updated, and it will be possible therefore to see footage and photographs of this and subsequent editions of the Competition. The Competition’s title, “A rebours. L’arte dei giovani ripensa la Storia”, is intended to evoke that of a renowned novel by Joris-Karl Huysmans, “A rebours”, in which the vicissitudes of the painters, Gustave Moreau and Odilon Redon are recounted. The latter is described as an intellectual who rejects the mediocrity of his time and chooses an existence which he decides to live outside the norms or “against the grain”. Literally so. But à rebours also literally means Backwards, going or looking in a reverse direction, a rereading that the present can and indeed must constantly focus on past events, near at hand or remote, on History in other words, to acquire teachings of use for the future. It is in this double semantic connotation that it is possible to grasp the idea that literature and history propose (and entrust), particularly to the generation facing the present and especially to artists who, given their sensibility, are the most attentive interpreters of reality and often the most lucid and intuitive connoisseurs of present and past human problems. In this light the students of the last two years of their artistic training are called on to depict events from contemporary history through their own personal creativity and the expressive skills acquired. And what could provide a better “container” for the first outing of this event than the Gallerie di Piedicastello? Two road tunnels closed to traffic in 2007 and splendidly reconverted into exhibition spaces dedicated to History.

Sponsor

rappresentanza

Media partners

LE GALLERIE

38122 Piedicastello (TN) www.biennalegiovani.it

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Quando l’eccellenza è Donna di Stella Ferrara

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crive Oscar Wilde: “Date alle donne occasioni adeguate ed esse potranno fare tutto”...E in modo eccellente, possiamo aggiungere oggi, tempo in cui le donne sono protagoniste in molti settori e danno il loro importante contributo alla società e al suo sviluppo. Era quindi doveroso creare un evento che desse risalto a questa realtà, attraverso quelle donne che hanno raggiunto il successo, testimoniando così in modo concreto le potenzialità femminili. A questo ha pensato l’Associazione Albergatrici Terme Euganee, di cui è presidente Nadia Albertin, istituendo nel 2002 il “Premio Donne Eccellenti”. Da allora la manifestazione, che ha il merito di richiamare l’attenzione anche sulle risorse del territorio, ha acquisito sempre maggiore importanza, ottenendo perfino il riconoscimento del Presidente della Repubblica Giorgio Napolitano che ha conferito al Premio una medaglia. Nelle edizioni precedenti sono salite sul palco donne dai nomi famosi, appartenenti al mondo dello spettacolo, del teatro, dello sport, della cultura e dell’imprenditoria, ma anche nomi meno noti di grandi donne che non lavorano sotto i riflettori ma nei laboratori di ricerca. Così, accanto a Katia Ricciarelli, Barbara De Rossi, Anna Tatangelo, Valeria Marini, Cristina Parodi, tanto per citarne alcune, ci sono le ricercatrici Laura Perin, Antonella Viola, Maria Caterina Putti, pediatra oncologa premiata nel 2011, e altre.

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nell’altra pagina | on the other page

Lore Bert “Chinesisches Glückszeichen rot gold” 2007

Carta giapponese e foglia d’oro sul legno Relief-object with Japanese paper and gold leaf cm. 120x120 a fianco | next

Gabriella Benedini

Composizione di tre libri di cui uno aperto con visibile “Il cielo di Pitagora” Composition of three books one of which is open showing “Pythagora’s sky” cm. 31,5x42

Il “Premio Donne Eccellenti” è quindi giunto alla decima edizione, che possiamo definire “straordinaria” rispetto a quelle precedenti poiché quest’anno sono state invitate, assieme alle candidate al Premio, tutte quelle insignite negli anni scorsi. Un’occasione unica per vedere tante “stelle” brillare vicine e, come di consueto, il riconoscimento è costituito da un gioiello realizzato appositamente dall’artista orafo Giuseppe Callegari, una rosa stilizzata divenuta simbolo di questa manifestazione. Presenteranno la serata del 18 maggio al Teatro “P. D’Abano” di Abano Terme, Sabrina Salerno e Moreno Morello. Ad arricchire ulteriormente l’evento di quest’anno, una mostra collaterale al Premio, organizzata dalla rivista di arte e cultura “AreaArte”, che con questa iniziativa si propone di dare un contributo alla risonanza della manifestazione, iniziando una collaborazione destinata a durare nei prossimi anni. Oltre all’esposizione dei lavori di artiste di rilievo che operano nel territorio, sono previsti incontri su temi culturali. La mostra rimarrà aperta un mese e terminerà con la serata della premiazione. Quest’anno si inaugura con l’omaggio a cinque donne che spiccano nel panorama artistico contemporaneo: Mirta Carroli, Lore Bert, Silvia Vendramel, Antonella Zazzera e Gabriella Benedini. Ognuna di loro esprime in modo davvero originale la sua personalità. Lore Bert, artista internazionale che utilizza per le sue opere un mezzo “immateriale”, leggero, fragile, quasi effimero: la carta, che l’artista trasforma in materia poetica nelle sue fantasiose elaborazioni immerse in atmosfere fuori dal tempo. Così come fuori da una precisa classificazione rimane l’artista stessa, che trova la sua collocazione ideale nell’universo da lei creato. Gabriella Benedini è passata dalla pittura alla scultura attraverso un percorso che va dal figurativo all’informale all’astratto. Oggi ha raggiunto un momento magico in cui le esperienze acquisite trovano finalmente e felicemente, con i materiali a lei più congeniali come il legno, le tela e il metallo, il modo di creare opere fortemente suggestive quali le sue grandi “Arpe”. Antonella Zazzera ha come riferimento fondamentale per le sue sculture la natura, che ama e che circonda la casa dove abita. Nidi, cortecce, forme avvolte su sé stesse, ma soprattutto il segno come traccia e la curva come elemento dominante. Usa vari materiali che sperimenta, tratta, e sa “piegare” alle sue idee, come il rame lavorato a telaio. Mirta Carroli, artista di forte spessore culturale di cui parlano le sue opere. Sculture come segni grafico-plastici di un misterioso alfabeto che richiama inconsciamente archetipi dei quali si subisce il fascino. Predilige il ferro, materiale forte e duttile allo stesso tempo, perchè permette la realizzazione di opere di grandi dimensioni. Silvia Vendramel esprime il suo mondo interiore con opere che hanno il chiaro intento di provocare una reazione, un coinvolgimento emozionale. Per plasmare le sue idee usa materiali insoliti che si prestano ad essere trasformati e che comunicano tre loro anche quando sembrano antitetici: la stoffa con il legno o il metallo, oppure il velcro con il rame... quasi un gioco d’azzardo, ma sempre vincente.

When excellence is Woman by Stella Ferrara

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scar Wilde wrote that if you give women the right opportunities they are able to do anything. And we can add that they do so in an excellent manner today, now that women are stars in many sectors and make a major contribution to society and its development. It was therefore proper to create an event that would showcase this through those women who have achieved success, and provide concrete testimony of female potential. This has been done by the Associazione Albergatrici Terme Euganee, whose president is Nadia Albertin, with the establishment in 2002 of the “Premio Donne Eccellenti”, the “Excellent Women Prize”. Since then the event, which also has the merit of focussing attention on the resources of the land, has acquired greater and greater important and has even obtained the recognition of the President of the Republic, Giorgio Napolitano, who awarded a medal to the Prize. Many famous women have taken the stage during the previous editions, from the worlds of entertainment, of the theatre, of sport, of culture and of business, but also less well know names of great women who do not work under the spotlight but in research laboratories have also been featured. And so, along with Katia Ricciarelli, Barbara De Rossi, Anna Tatangelo, Valeria Marini, and Cristina Parodi, just to mention a few, there have also been, among other, the researchers, Laura Perin, Antonella Viola, and Maria Caterina Putti, a paediatric oncologist who won the 2011 prize. The “Premio Donne Eccellenti” has therefore reached its tenth edition which we can define as “extraordinary” compared to the previous ones as this year’s candidates will be joined by all the previous years’ prize-winners. This will provide a unique opportunity to see many “stars” shine at close hand and, as usual, the award consists of a jewel specially created by the artist-goldsmith, Giuseppe Callegari, a stylized rose that has become the symbol of the event. The evening will be presented on 18 May at the “P. D’Abano” Theatre in Abano Terme by Sabrina Salerno and Moreno Morello. The event will be further enriched this year by a parallel exhibition organized by the art and culture review, “Areaarte”, which with this initiative proposes making a contribution to the resonance of the event by initiating collaboration that is intended to continue in the coming years. As well as the exhibition of works by leading artists living in the area there will also be encounters on cultural themes. The show will remain open for a month and will end with the prizegiving evening. This year the inauguration will take place with the homage to five women who stand out on the contemporary art panorama: Mirta Carroli, Lore Bert, Silvia Vendramel, Antonella Zazzera and Gabriella Benedini. Each of these expresses her personality in a truly original manner. Lore Bert, an international artist who uses a light, fragile and almost ephemeral “immaterial” substance for her works: paper. The artist transforms this into a poetic material in her fanciful elaborations immersed in timeless atmospheres. In the same way the artist herself remains outside any precise classification and is ideally collocated in the universe she herself has created. Gabriella Benedini passed from painting to sculpture along a path which ranges from the figurative to the informal and the abstract. Today she has reached a magical moment in which the experiences acquired have finally and happily found the way to create highly evocative works such as the great “Arpe” (“Harps”), with the materials which are the most congenial to her such as wood, canvas and metal. 56

Mirta Carroli “Codici di Borso d’Este” 2011

Ferro patinato | Glazed iron cm. 40x80x14

nell’altra pagina | on the other page

Antonella Zazzera “Armonico LVII” 2007

Filo di rame | Copper wire cm. 236x63x25

Silvia Vendramel “Canone” 2010

Lamiera, adesivo e scarpe | Plate, adhesive and shoes cm. 110x20x40

The fundamental reference for Antonella Zazzera for her sculptures is nature which she loves and which surrounds the house she lives in. Nests, bark and forms wrapped around themselves, but especially the sign as a trace and the curve as a dominant element. She uses various materials which she experiments, treats and is able to “bend” to her ideas such as copper wrought on the loom. Mirta Carroli is an artist of a great cultural density of which her works speak. Sculptures as graphic-plastic signs of a mysterious alphabet that unconsciously recalls archetypes that charm us. She prefers iron, a strong material which is ductile at the same time because it allows large-scale works to be made. Silvia Vendramel expresses her interior world with works that have the clear intention of provoking a reaction, an emotional involvement. To shape her ideas she uses unusual materials that lend themselves to transformation and communicate with one another even when they seem to be antithetical: cloth with wood or metal, or Velcro with copper ... almost a poker game, but always a winner.

DONNE ECCELLENTI

Spazio espositivo Sorgente Montirone Via Pietro d’Abano, 20 35031 Abano Terme (PD) www.donneeccellenti.it

Castel Thun Vigo di Ton (TN)

Canova già in vita fu celebrato come il più grande interprete del Neoclassicismo e come il novello Fidia perché meglio di ogni altro aveva saputo riportare nel mondo la bellezza e la perfezione della scultura greca. «Le opere di Fidia sono una vera carne, cioè la bella natura...», aveva scritto all’amico Quatremère de Quincy, dopo aver visto a Londra i rilievi del Partenone, quasi a indicare quello che sarebbe stato il fine della sua arte: rendere nei suoi marmi così vivi, così palpitanti, lo splendore di seta di un corpo femminile, la gloria immortale di un giovane dio, i sogni e le passioni di tutti gli uomini, perché «sempre sono stati gli uomini composti di carne flessibile e non di bronzo». Ma la sfida più innovativa alla quale Canova non si sottrasse fu quella di misurarsi con il difficile motivo della figura in volo, di tradurre in marmo o in dipinto il dinamismo grazioso e leggero della danza. La poetica del ballo e del volo, la suggestiva leggiadria della danza, è il tema sviluppato dalla Mostra “Canova e la danza”, nel Museo di Possagno. L’esposizione mette a disposizione del crescente pubblico di appassionati canoviani oltre cinquanta opere di grafica e scultura, di disegno e pittura, alcune per la prima volta esposte.

Castel Thun, maniero trentino che domina la Valle di Non,  è un magnifico quanto raro esempio di dimora principesca a conservare ancora gli arredi originali, oltre ad una ricca pinacoteca e a preziose collezioni d’arte. Armonico risultato di varie fasi evolutive succedutesi nei secoli, Castel Thun è un esempio tra i più interessanti di architettura castellana oltre a rappresentare un luogo molto significativo  per la storia del principato vescovile. Il maniero unisce il bel palazzo signorile circondato da ampi giardini ad un complesso sistema di fortificazioni, costituito da torri, bastioni, fossati e muraglie. L’aspetto più affascinante di Castel Thun è che non ha mai smesso  di essere abitato, conservandosi nel tempo come dimora arredata, specchio del gusto della famiglia, ma anche del confort e delle esigenze degli esponenti di un ricco casato. Rinascimento, Settecento, Impero e Biedermaier convivono nelle sale: secretaires, cassettoni a ribalta, stipi, divani, comodini  stile impero,  stufe ad olle,  argenteria, porcellane, vetri da tavola, armi bianche, forzieri, carrozze, slitte, oltre a dipinti della scuola dei Bassano, ritratti di Giambattista Lampi, Crespi,  Molteni, Garavaglia, Procaccini, Bergler, sculture dell’Insom  fanno di questa dimora un gioiello da scoprire.

Da vedere | To see

Museo Canova Possagno (TV) Canova e la danza 03|03|2012 - 30|09|2012

While he was still alive, Canova was already being celebrated as the greatest interpreter of Neoclassicism and as a new Phidias because, more than anyone else, he was able to restore the beauty and perfection of Greek sculpture to the world. «The works of Phidias are real flesh, beautiful nature ...», he wrote to his friend, Quatremère de Quincy, after seeing the Parthenon reliefs in London. He was almost indicating what the end of his art would be: render the silken splendour of a female body, the immortal glory of a young god, the dreams and passions of all men so alive, so palpitating in their passions, because «men have always been composed of flexible flesh and not of bronze». But the most innovative challenge from which Canova did not shrink was to measure himself against the difficult motif of the figure in flight, to translate into marble or paint the gracious and weightless dynamism of dance. The poetics of dancing and flight, the evocative gracefulness of dance, is the theme developed by the exhibition “Canova and the dance” in the Possagno Museum. The exhibition makes over fifty graphic and sculptural works, drawings and paintings available to the growing public of Canova enthusiasts, some displayed for the first time.

Museo Canova - Fondazione Canova Onlus Via Canova, 74 31054 Possagno (TV) Tel. +39 0423 544323 www.museocanova.it

Castel Thun, the Trento manor that dominates Valle di Non, is a magnificent and rare example of a princely home that still conserves its original furnishings, as well as a rich painting gallery and precious art collections. The harmonious result of various evolutionary stages that followed one another over the centuries, Castel Thun is one of the most interesting examples of castle architecture and also constitutes a highly significant location for the Episcopal principality. The manor unites the beautiful aristocratic palazzo surrounded by extensive gardens with a complex system of fortifications, consisting of towers, bastions, moats and walls. The most fascinating aspect of Castel Thun is that it has been inhabited without a break and maintained itself over the years as a furnished residence, a mirror of a family’s tastes but also of the comforts and needs of the members of a rich household. The Renaissance, the eighteenth century and the Empire and Biedermaier styles cohabit in the rooms: secretaires, chests, cabinets, couches, Empire style bedside tables, earthenware stoves,  silverware, porcelain, glass tableware, sidearms, safes, carriages, and sledges, as well as paintings from the Bassano school, portraits by Giambattista Lampi, Crespi,  Molteni, Garavaglia, Procaccini and Bergler, and sculptures by Insom, make this home a jewel to be discovered.

Castel Thun

Vigo di Ton - Valle di Non (TN) Tel. +39 0461 492829 www.buonconsiglio.it

Museo di Castelvecchio, Sala Boggian Verona Arrigo Rudi. L’architetto in opera. 30|03|2012 - 24|06|2012

Centro culturale Altinate San Gaetano Padova colorAZIONE - L’azione-Colore in A. Tamburro e G. Pesce

La mostra illustra l’opera di Arrigo Rudi – uno dei più importanti allievi di Carlo Scarpa, con il quale ha collaborato a diversi lavori tra cui gli edifici per il Banco Popolare di Verona – e i suoi principali progetti di architettura, restauro ed allestimento. La mostra, promossa dall’Università Iuav di Venezia - Archivio Progetti - in collaborazioVerona, Museo Lapidario Maffeiano, ne con l’Assessorato Sala greca (allestimento di Arrigo Rudi, alla Cultura del Comuultimato nel 1982) ne di Verona, Direzione Musei Monumenti, illustra la carriera dell’architetto e le sue opere con circa un centinaio tra disegni, riproduzioni fotografiche, video, modelli e opere di artisti con i quali ha collaborato, realizzati a partire dagli anni Sessanta fino al 2007. Molti sono i generi di progettazione trattati, dalle abitazioni private agli edifici di uso pubblico, ai restauri di complessi monumentali, accanto ad allestimenti museali e per esposizioni temporanee. In particolare, la mostra pone l’accento sulla progettazione di percorsi, spazi e allestimenti di collezioni in alcuni musei ed esposizioni, a partire dal Museo Lapidario Maffeiano di Verona (19791982) per proseguire con gli allestimenti di opere d’arte alla Gran Guardia e al Museo di Castelvecchio e con i progetti di caselaboratorio per artisti a cui è legata la sua notorietà.

Il Comune di Padova in collaborazione con Spazio Anna Breda e Meritalia, ha inaugurato il 2012 con la mostra “colorAZIONE L’Azione-Colore in Antonio Tamburro e Gaetano Pesce”. La doppia personale, allestita nella splendida cornice dell’agorà del centro culturale Altinate San Gaetano di Padova dal 26 gennaio al 26 febbraio, ha presentato una rosa di opere inedite del maestro Antonio Tamburro e una selezione di elementi d’arredo progettati dal designer di fama internazionale Gaetano Pesce. La mostra dedicata ai due creativi, per la prima volta a confronto, ha saputo raccontare l’importanza del colore, attraverso l’unicità dell’opera d’arte e la ripetibilità diversificata dell’oggetto d’uso comune. Color-azione perché il colore e la luce, di cui esso si nutre, sono gli strumenti fondamentali per creare effetti dinamici e gestuali. Ad unire, e allo stesso tempo differenziare, le opere è la sensibilità verso un’estetica, quella del colore, solitamente di connotazione femminile, reinterpretata magistralmente dai due creativi. Gaetano Pesce trasforma il colore in un conduttore di emozioni positive, grazie alla scelta di tonalità luminose e vivaci, mentre Antonio Tamburro lo rende, con un segno materico e vibrante, forma e azione su tela.

This show illustrates the work of Arrigo Rudi – one of the most important students of Carlo Scarpa with whom he collaborated in various works including the buildings for the Banco Popolare di Verona – and his principal architectural, restoration and organization projects. The show, sponsored by Venice’s IUAV University – Projects Archive – in collaboration with the Department of Culture of the Commune of Verona, Museums and Monuments Office, illustrates the career of the architect and his work with around one hundred exhibits including drawings, photographic representations, video clips, models and works by artists with whom he collaborated, produced starting from the Sixties up to 2007. Many types of projects are dealt with, from private homes to public offices and to the restoration of monumental complexes, alongside layouts for museums and temporary exhibitions. In particular, the show focuses on the design of the paths, spaces and layouts for collections in a variety of museums and exhibitions starting from the Museo Lapidario Maffeiano in Verona (19791982) and continuing with the staging of artworks at the Gran Guardia and at the Museo di Castelvecchio along with designs for workshop-homes for artists with which his fame is associated.

Padua City Council, in collaboration with Spazio Anna Breda and Meritalia, inaugurated 2012 with the exhibition “colorAZIONE – Action-Colour in Antonio Tamburro and Gaetano Pesce”. The twoman show, staged in the splendid framework of the agorà of the Altinate San Gaetano Cultural Centre in Padua from 26 January to 26 February, presented a series or original works by Antonio Tamburro and a selection of furnishing elements designed by the internationally renowned Gaetano Pesce. The exhibition dedicated to the two creators, put face to face for the same time, evocatively recounted the importance of colour through the uniqueness of the work of art and the diversified repeatability of commonly used objects. Colour-action because colour and light, which it nourishes itself with, are fundamental tools for creating dynamic and gestural dynamics. Bringing the works together and differentiating themselves at the same time is the sensibility for an aesthetic, that of colour, usually with a female connotation, magisterially reinterpreted by the two artists. Gaetano Pesce transforms colour in a conductor of positive emotions, thanks to the choice of luminous and lively tonalities, while Antonio Tamburro turns it into form and action on the canvas by means of a material and vibrant sign.

Museo di Castelvecchio

Centro culturale Altinate San Gaetano

Corso Castelvecchio, 2 37122 - Verona Tel. +39 045 8062611 [email protected] www.comune.verona.it/castelvecchio/cvsito

Via altinate, 71 35121 - Padova Tel. +39 049 8204715 [email protected] www.padovanet.it

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Fondazione Galleria Civica Trento

Museo Casa Giorgione Castelfranco Veneto (TV)

L’arte contemporanea come strumento di indagine interdisciplinare caratterizza la primavera 2012 della Fondazione Galleria Civica – Centro di Ricerca sulla contemporaneità di Trento e l’offerta formativa che si svilupperà all’interno di spazi espositivi trasformati in luoghi dell’intersezione e dello scambio. Due nuovi workshop d’artista e la realizzazione di un prodotto editoriale correlato sono in programma per il mese di marzo: Tim Rollins e Gerard Byrne, dopo The Otolith Group, Tris Vonna Michell, Cesare Pietroiusti, Alberto Garutti e Dora Garcia, porteranno sul territorio pratiche e saperi dell’arte contemporanea internazionale lavorando personalmente con i giovani trentini. Con l’obiettivo di sostenere lo sviluppo dell’identità collettiva e individuale, e stimolare la ricezione e l’elaborazione della cultura visiva contemporanea, saranno attivati a partire dal mese di febbraio dodici nuovi percorsi didattici dedicati alle scuole di ogni ordine e grado, si svilupperanno incontri e approfondimenti tematici per il pubblico e prenderà il via Incroci di Pagine, progetto in collaborazione con il Museo di Scienze Naturali di Trento che prevede una serie di appuntamenti in cui il rapporto tra arte, scienza e letteratura viene indagato in maniera leggera e giocosa.

Il museo, allestito nel quattrocentesco edificio che fu dei nobili Barbarella, è dedicato alle due opere dell’artista che ancora si conservano in città, nella collocazione originaria: la Pala di Castelfranco, custodita nel duomo cittadino e il Fregio delle Arti liberali e meccaniche, che decora una delle sale del Museo. Il periodo invernale ha visto il museo prendere vita grazie alla realizzazione di una lunga serie di attività rivolte alle diverse fasce di pubblico, dalla mostra “Castelfranco verso l’Unità”, conclusa il 15 gennaio, a spettacoli ed iniziative come “Vacanze al Museo 2011”, evento organizzato in occasione delle festività natalizie e concretizzatosi in una serie di appuntamenti che hanno visto come protagonisti grandi e piccoli alla straordinaria scoperta del mondo dell’arte. Prossimo appuntamento della ricca stagione primaverile ed estiva saranno le attività previste per le festività pasquali, che avranno come scopo quello di coinvolgere i partecipanti in visite guidate animate e laboratori didattici. Continua inoltre il progetto Isola dei Musei, un itinerario di grande interesse culturale che mette in rete ben cinque realtà museali quali il Museo Casa Giorgione, Villa Emo di Fanzolo, Villa Barbaro di Maser, la Gipsoteca di Possagno e il Museo Civico di Asolo: acquistando il biglietto intero presso uno di questi siti è possibile visitare gli altri a ingresso ridotto.

Contemporary art as a tool for interdisciplinary investigation characterizes Spring 2012 at the Fondazione Galleria Civica – Research Centre on the contemporary in Trento and the formative supply that will be developed in the exhibition spaces transformed into places of intersection and exchange. Two new artist workshops and the creation of a related editorial product are planned for the month of March: Tim Rollins and Gerard Byrne, after The Otolith Group, Tris Vonna Michell, Cesare Pietroiusti, Alberto Garutti and Dora Garcia, will bring practices and skills of international contemporary art to the area, working personally with local young people. Starting from the month of February, twelve new teaching paths will be activated with the aim of sustaining the development of collective and individual identity, and stimulating the reception and elaboration of contemporary visual culture. These will be dedicated to schools at every level and will develop encounters and thematic studies for the public. Also to be launched is Incroci di Pagine (“Page crossings”), a project in collaboration with the Trento Natural History Museum which envisages a series of appointments in which the relationship between art, science and literature is investigated in a light and playful manner.

Fondazione Galleria Civica Via Cavour, 19 38122 - Trento Tel. +39 461 985511 [email protected] www.fondazionegalleriacivica.tn.it

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The museum, housed in the fifteenth-century building that formerly belonged to the noble Barbarella family, is dedicated to the two works by the artist that are still kept in the town, in their original locations: the Castelfranco Altarpiece in the town’s cathedral and the Frieze of the liberal and mechanical arts, which decorates one of the Museum’s rooms. The museum came to life during the winter thanks to the organization of a long series of activities aimed at different brackets of the public, from the exhibition “Castelfranco verso l’Unità/Castelfranco towards Unity” which ended on 15 January, to shows and initiatives such as “Vacanze al Museo 2011/ Holidays in the Museum 2011”, an event organized on the occasion of the Christmas holidays and which took the form of a series of appointments in which large and small were the stars of an extraordinary discovery of the art world. The next appointment in the rich spring and summer season will consist of the activities for the Easter holidays which are intended to involve the participants in guided tours and teaching workshops. The Isola dei Musei/Island of Museums project is also continuing: this is an itinerary which links five museums and monuments, Casa Giorgione, Villa Emo at Fanzolo, Villa Barbaro at Maser, the Gipsoteca at Possagno and the Civic Museum in Asolo. When you buy a full-price ticket at one of these you can visit the others for a reduced price.

Museo Casa Giorgione

Piazza S. Liberale 31033 Castelfranco Veneto (TV) Tel. +39 0423 735626 [email protected] www.museocasagiorgione.it

Museo Archeologico Eno Bellis Oderzo (TV)

Museo di Palazzo Grimani Venezia Canaletto “Il quaderno veneziano” 01|04|2012 - 01|07|2012

Il Museo Archeologico Eno Bellis di Oderzo, aperto al pubblico sin dal 1881, ha sede dal 1999 nella Barchessa di Palazzo Foscolo: al nucleo originario della collezione, costituito dalle donazioni di numerose famiglie opitergine, si sono aggiunti i materiali di proprietà statale provenienti dagli scavi archeologici che negli ultimi trent’anni hanno interessato la città. Il Museo raccoglie le testimonianze più significative dell’antica Opitergium, importante centro economico ed amministrativo durante l’età veneta antica e romana, il cui impianto urbano si sviluppa già alla fine del X secolo a.C. e perdura fino al VII secolo d.C. Il percorso espositivo procede attraverso un itinerario di visita in continua evoluzione: i due piani della struttura ospitano reperti di età preromana e romana, con collezioni eterogenee di materiale bronzeo e lapideo, di monete, elementi ornamentali, ceramiche ed anfore, sino ai più noti mosaici di età tardo antica. Il Museo Archeologico Eno Bellis appartiene al polo culturale della città di Oderzo, gestito dalla Fondazione Oderzo Cultura onlus. Prossimi eventi: Maggio Archeologico 2012 “Lacune. Spazi di archeologia ed arte contemporanea” (per aggiornamenti consultare il sito internet del Museo).

La cornice straordinaria delle sale di Palazzo Grimani ospita la mostra “Canaletto. Il Quaderno veneziano”, dedicata al celebre Quaderno di schizzi del pittore veneziano: un unicum nella storia dell’arte del Settecento. Il volume, esposto l’ultima volta oltre dieci anni fa, viene affiancato da ventiquattro disegni di antica provenienza veneziana, per la prima volta visibili insieme, e da importanti dipinti di collezioni pubbliche e private, che documentano la realizzazione pittorica degli studi grafici. Il progetto espositivo è a cura del Direttore del Gabinetto dei Disegni delle Gallerie dell’Accademia, Annalisa Perissa Torrini, promosso dalla Soprintendenza Speciale per il Patrimonio storico, artistico ed etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Venezia e dei comuni della Gronda lagunare e prodotto da Venezia Accademia. La mostra indaga il modus operandi dell’artista, definendone il percorso creativo e la concreta operatività nella fase di costruzione grafica e il ruolo svolto dalla camera ottica nell’ideazione delle vedute di Venezia. In occasione della mostra verrà pubblicato un fac-simile del Quaderno, edito da Marsilio Editori.

The Eno Bellis Archeological Museum in Oderzo houses the most significant remains of ancient Opitergium, an important economic and administrative centre during the ancient Veneto and Roman period, whose urban structure was already developing at the end of the X century B.C. and would last until the VII century A.C. The Museum, open to the public since 1881, has been housed in the Barchessa of Palazzo Foscolo since 1999: the original nucleus of the collection, composed of donations of countless families from the town, has been enriched by material belonging to the state, revealed by the archaeological excavations in the area in the last thirty years. The exhibition path follows a continuously evolving itinerary: the two floors of the structure host pre-Roman and Roman finds with heterogeneous collections of bronze and stone material, coins, ornamental elements, ceramics and amphorae, as well as the better known mosaics from late antiquity. The Eno Bellis Archaeological Museum belongs to the cultural pole of the City of Oderzo, managed by the Oderzo Cultura non-profit foundation. Coming events: Archaeological May 2012, Lacune. Spazi di archeologia ed arte contemporanea (“Gaps. Spaces of archaeology and contemporary art”) (consult the Museum’s internet site for updates).

The extraordinary setting of the rooms of Palazzo Grimani hosts the exhibition, “Canaletto. Il Quaderno veneziano”, dedicated to the renowned drawing book of sketches by the Venetian painter: an unicum in the history of eighteencentury art. The Antonio Canal detto Canaletto, volume, which has Pagina del Quaderno. not been exhibited Venezia, Gallerie dell’Accademia for over ten years, is flanked by twenty-four drawings of old Venetian provenance that can be viewed together for the first time, and by important paintings from public and private collections that document the pictorial realization of the graphic studies. The exhibitive project is curated by the Director of the Drawings Gallery of the Accademia Galleries, Annalisa Perissa Torrini, and is supported by the Special Office for the Historical, Artistic and Ethno-anthropological Heritage and for the Museum Pole of the City of Venice, and by the communes of Venetian Lagoon Rim, and has been produced by Venezia Accademia. The exhibition investigates the artist’s modus operandi, and defines his creative path, his concrete approach during the graphic construction stage and the role carried out by the camera obscura in conceiving his views of Venice. A facsimile of the Quaderno, published by Marsilio Editori, will be published on the occasion of the show.

Museo Archeologico Eno Bellis Piano Primo, sala dei drenaggi di anfore (foto F. Galifi)

Museo Archeologico Eno Bellis Via Garibaldi, 63 31046 Oderzo (TV) Tel. e Fax +39 0422 713333 www.oderzocultura.it

Museo di Palazzo Grimani Ramo Grimani, 4858 30122 Venezia www.palazzogrimani.org

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Centro Internazionale di Fotografia Scavi Scaligeri Verona Robert Capa “Retrospettiva” 25|03|2012 - 16|09|20122

Teatro Olimpico Vicenza

Il Centro Internazionale di Fotografia Scavi Scaligeri ospita, dal 25 marzo al 16 settembre 2012, la mostra “ROBERT CAPA. Retrospettiva”, realizzata da Magnum Photos per rendere omaggio ad uno dei più importanti e influenti fotografi del XX secolo. Il percorso espositivo, costituito da 110 fotografie in bianco e nero, si apre Robert Capa © International Center of con il primo reportage Photography/Magnum Photos. realizzato nel 1932 a Troina. Sicilia. 4-5 Agosto 1943. Copenhagen durante Un contadino siciliano indica la direzione una conferenza di Leon presa dalle truppe tedesche in ritirata. Trotsky, durante la quale il fuoriuscito russo mise a nudo, per la prima volta, la violenza dello stalinismo. Si ripercorrono poi, attraverso le dense immagini di Capa, gli anni del Fronte Popolare a Parigi, la guerra di Spagna, l’invasione giapponese della Cina, per arrivare allo scoppio della Seconda guerra mondiale, che il fotografo seguì sui diversi fronti di battaglia fino allo sbarco in Normandia e alla liberazione di Parigi. Seguono i suoi reportage in Unione Sovietica nel 1947 e in Israele 1948, dove documenta la nascita dello stato ebraico, e quello in Indocina, dove perderà la vita saltando su una mina antiuomo il 25 maggio 1954. Chiudono la mostra una serie di ritratti degli amici di Capa, famosi artisti come Ernest Hemingway, William Faulkner, Henri Matisse e Pablo Picasso.

Dopo la positiva sperimentazione di dicembre e gennaio, i due nuovi spettacoli di “Suoni e luci” in Teatro Olimpico verranno inseriti all’interno del normale orario di apertura del Teatro, in aggiunta a quello classico su musiche di Andrea Gabrieli. Pensato per un pubblico giovane, “Olimpico - Another face” è costruito su brani musicali tratti dal repertorio degli intramontabili Pink Floyd; ai bambini in età scolare è invece destinato “Olimpico & Fantasy”,  che riprende La danza delle ore e L’apprendista stregone, entrambi tratti da “Fantasia”,  classico del 1940 dell’animazione disneyana. I due spettacoli (circa 7 minuti ciascuno) vogliono trasmettere agli spettatori - piccoli e più cresciuti - il fascino di musiche visionarie, coinvolgendoli in giochi di luce di grande suggestione: un modo nuovo per avvicinare visitatori di differenti età al Teatro. Le due nuove proposte sono state realizzate da “Idee in luce” di Claudio Cervelli, responsabile dei servizi tecnici del Teatro. I due spettacoli, insieme con il classico, saranno fruibili con il biglietto di ingresso al Teatro Olimpico e proposti in due programmazioni per ogni tipo di spettacolo.

The Scavi Scaligeri International Photography Centre is hosting the show “ROBERT CAPA. Retrospective”, created by Magnum Photos to pay homage to one of the most important and influential photographers of the XX century. The exhibition, consisting of 110 black and white photographs, opens with his first reportage shot in Copenhagen in 1,932 during a conference by Leon Trotsky at which the Russian exile exposed the violence of Stalinism for the first time. Capa’s dense images then illustrate the years of the Popular Front in Paris, the Spanish Civil War and the Japanese invasion of China, before moving on to the explosion of the Second World War which the photographer followed on various battlefronts up to the Normandy landings and the liberation of Paris. These are followed by his reportages from the Soviet Union in 1947, Israel in 1948 where he documented the birth of the Jewish state, and the war in Indochina where he was killed by a landmine on 25 May 1954. The exhibition is completed by a series of portraits of Capa’s friends, famous artists such as Ernest Hemingway, William Faulkner, Henri Matisse and Pablo Picasso.

Centro Internazionale di Fotografia Scavi Scaligeri Cortile del Tribunale 37121 Verona Tel. +39 045 8007490 www.comune.verona.it/scaviscaligeri

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After the successful outings in December and January, two new “Son et lumière” shows will be staged in the Teatro Olimpico during the Theatre’s normal opening hours, in addition to the classical one with music by Andrea Gabrieli. “Olimpico - Another face” for a young public will be made up of musical tracks drawn from the repertoire of the timeless Pink Floyd. “Olimpico & Fantasy” on the other hand is for schoolchildren and is based on the dance of the hours and The sorcerer’s apprentice, both from Walt Disney’s classic 1940 cartoon, “Fantasia”. The two shows (about 7 minutes each) are intended to give spectators – big and small – the magic of visionary music, involving them in highly evocative plays of light: a new way of drawing visitors of different ages to the Theatre. The two new proposals have been created by “Idee in luce” headed by Claudio Cervelli, the man in charge of the Theatre’s technical services. Entry to the two shows, along with the classical one, is included with the admission ticket for the Teatro Olimpico and offered in two schedules for each type of show.

Teatro Olimpico

Piazzale Giusti, 23 36100 Vicenza [email protected] www.olimpico.vicenza.it

FALSAREA Falsi, falsari, equivoci e travisamenti nell’arte

Galleria Flaviostocco Castelfranco Veneto (TV) 17|03|2012 - 06|04|2012

Ph Neutro Verona Michael Kenna 12|05|2012 - 21|07|2012

Ci sono molti modi di “copiare”: saccheggiando l’opera altrui o “rivisitando”. Il primo caso è quello di Richard Prince, uno dei più quotati artisti postmoderni, condannato dal tribunale di New York (ma è ricorso in appello) per aver utilizzato in una sua mostra le foto del francese Patrick Cariou. Prince, teorizza la liceità dell’appropriazione delle immagini della società contemporanea ritenute significative e per mezzo delle quali è diventato celebre e ricchissimo. Famoso l’ingrandimento di una fotografia a colori 50x70 del fotografo Jim Krant, con un cow-boy che la “Marlboro” usa sui propri prodotti, che l’artista fece nel 1989, intitolandolo Untitled (Cowboy). Antecedenti di Prince sono i “ready-made” di Andy Warhol e Marcel Duchamp che utilizzavano pure loro di immagini altrui: i barattoli Campbell’s, la celebre Monna Lisa con i baffi (1919) o l’orinatoio Fontana (1917). Forse non è difficile prendere le parti del derubato, sapendo i prezzi ai quali le opere di Prince vengono battute: 1,2 milioni di dollari, nel 2005 e, recentemente, la bella cifra di 8,4 milioni. Sicuramente diverse le citazioni di artisti come Francis Bacon o Picasso che, da Velàzquez, interpretarono rispettivamente il Ritratto di Innocenzo X (1953) e Las Meninas (1957) o anche il cinese Yoe Minjun che mima con una serie di autoritratti ridenti i personaggi del Massacro di Scio di Eugène Delacroix, venduto in novembre ad un’asta di Christie’s per oltre 3 ml di euro. Lo chiamano “realismo cinico”…..

La Galleria Flaviostocco di Castelfranco Veneto, Domenica 17 Marzo alle 18.00, presenta l’artista Paolo Valle,pittore e scultore. Nasce a Venezia nel 1948, città nella quale si diploma in Arti Grafiche. Durante gli anni della sua formazione ha modo di seguire un corso tenuto dal grande artista Oskar Kokoschka, il quale si rivelerà essere un incontro fondamentale per gli sviluppi del suo percorso artistico, influenzandone il linguaggio espressivo. Un’altra importantissima fonte di ispirazione saranno per l’artista anche i suoi numerosi viaggi in Oriente. Durante la sua carriera artistica si è anche occupato dell’insegnamento della litografia, della calcografia e della serigrafia a Roma e a Venezia. Le sue tele sono rigorosamente scandite dal caratteristico segno nero, il quale appare come una sorta di gesto potente che contiene e controlla tutta l’energia creativa. Oggi l’artista vive ed opera vicino ad Udine, rifugiandosi saltuariamente nel silenzio delle isole della Dalmazia.

Il progetto PH Neutro nasce nel 2010 da un’idea di Annamaria Schiavon Zanetti, appassionata di fotografia con esperienza ventennale nella produzione della stampa fotografica e Mauro Fiorese, autore e docente di fotografia, da sempre attivo a livello internazionale. La posizione di “neutralità” della Galleria, con sedi a Verona e Forte dei Marmi, sta nel voler affiancare ad autentici capolavori dei grandi maestri della scena internazionale, il lavoro di talenti nuovi ed emergenti con l’intento di divulgare il valore della Fotografia nell’arte e nel collezionismo contemporaneo attraverso competenze altamente specialistiche.

FALSAREA Fakes, counterfeiters, equivocations and misrepresentations in art There are many ways of copying: sacking other people’s works or “revisiting”. The first is the case of Richard Prince, one of the most prominent postmodern artists, condemned by a New York court (though he is appealing) for using photographs by the Frenchman, Patrick Cariou, in one of his shows. Prince theorizes the lawfulness of the appropriation of images of contemporary society that he deems to be significant and by means of which he became famous and extremely rich. Renowned is his enlargement of a colour photograph measuring 50x70 by the photographer, Jim Krant, with the “Marlboro” cowboy, produced in 1989 and titled Untitled (Cowboy). Precedents for Prince’s works are the ready-mades of Andy Warhol and Marcel Duchamp that also used images produced by others: Campbell’s soup cans, the renowned Monna Lisa with a moustache (1919) or the urinal Fountain (1917). Perhaps it is not difficult to take the side of the victim, knowing the prices Prince’s works are sold for: €1.2 million in 2005 and, more recently over €8.4 million. Unquestionably different are the quotations by such artists as Francis bacon or Picasso who interpreted respectively the Portrait of Innocence X (1953) and Las Meninas (1957), both by Velasquez, or even the Chinese artist, Yoe Minjun, who mimics the characters of the Massacre at Chios, in a series of self-portraits, sold at an auction at Christie’s in November for over €3 million. They call it “Chinese realism”...

The Galleria Flaviostocco in Castelfranco Veneto will be presenting the painter and sculptor, Paolo Valle, on Sunday 17 March at 18.00. He was born in Venice in 1948, and graduated in Graphic Arts in that city. During the years of his formation, he following a course held by the great Oskar Kokoschka, which revealed itself to be a fundamental encounter for the developments of his artistic itinerary and influenced his expressive language. Another extremely important source of inspiration for the artist would also be his countless trips to the East. He was also engaged in the teaching of lithography, chalcography and screen-printing in Rome and Venice during his artistic career. His canvasses rigorously feature the characteristic black sign which appears like a sort of powerful gesture that contains and controls all the creative energy. Today the artist lives and works near Udine, withdrawing occasionally to the silence of the islands of Dalmatia.

Galleria Flaviostocco

Borgo Pieve, 21 31033 Castelfranco Veneto (TV) Tel. e Fax +39 0423 49566 [email protected] www.flaviostocco.it

The PH Neutro project came into being in 2010 from an idea of Annamaria Schiavon Zanetti, a photography enthusiast with twenty years’ experience in the production of photographic printing, and Mauro Fiorese, author and lecturer in photography, active forever at international level. The Gallery’s position of “neutrality”, with branches in Verona and Forte dei Marmi, can be found in its desire to flank the work of new and emerging talents with authentic masters of the international scene with a view to promoting the value of Photography in art and in contemporary collectionism through highly specialist competencies.

PH Neutro

Via Mazzini, 50 37121 Verona Tel. +39 045 8007195 [email protected] www.ph-neutro.com

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Arte Boccanera Trento

Dopo la vittoria ottenuta ad Artefiera Art First Bologna, l’intensa e sperimentale attività della galleria Arte Boccanera e’ proseguita a ritmo serrato. A febbraio Arte Boccanera ha collaborato con VisualContainer per una giornata dedicata alla presentazione delle ultime tendenze della videoarte nazionale ed internazionale, intitolata “On Videos for hours and hours”. A marzo la galleria ha organizzato una serata d’autore coinvolgendo gli artisti Emilio Isgrò e Valentina Miorandi e il professore Luigi Meneghelli.Ad aprile presenterà la personale di Chiara Tagliazucchi con dipinti e disegni inediti. A maggio 2012 la galleria Boccanera inaugurera` la mostra tematica incentrata sull’arte del disegno, a cura del critico Daniele Capra e con le opere dei seguenti artisti: Juan Carlos Ceci, Nebojša  Despotović, Matteo Fato e Michele Lombardelli. La mostra chiudera` a fine giugno. After the victory at Artefiera Art First Bologna, the intense and experimental activities of the Arte Boccanera Gallery continued feverishly. In February, Arte Boccanera collaborated with VisualContainer for a day dedicated to presentation of the latest trends in national and international videoart, entitled “On Videos for hours and hours”. In March, the gallery organized an authors’ evening involving the artists Emilio Isgrò and Valentina Miorandi and Prof. Luigi Meneghelli. A personal show by Chiara Tagliazucchi will be presented in April with new paintings and drawings. In May 2012 the Boccanera gallery will inaugurate the thematic show centred on the art of drawing, curated by the critic, Daniele Capra, with works by Juan Carlos Ceci, Nebojša  Despotović, Matteo Fato and Michele Lombardelli. This show will close at the end of June.

Arte Boccanera

Via Milano, 128/130 38122 Trento Tel. e Fax +39 0461 984206 Cell. +39 340 5747013 [email protected] www.arteboccanera.com

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Bugno Art Gallery Venezia

Spazio Paraggi Treviso

Fluida Culture Contemporanee Art Gallery - Venezia

Dal 10 Marzo al 10 Aprile presso il Museo di Santa Caterina a Treviso sarà ospitata una mostra monografica omaggio all’opera di Giancarlo Franco Tramontin, organizzata in collaborazione con la Bugno Art Gallery. L’esposizione curata da Saverio Simi de Burgis e Valentina Lunardelli presenterà una selezione di sculture e disegni del noto scultore veneziano allievo di Alberto Viani e docente di tecniche scultoree all’Accademia di Venezia per circa quarant’anni. Dieci sculture in bronzo e undici in marmo di Carrara, accompagnate da una serie di disegni preparatori e alcuni papier découpé offriranno una esaustiva panoramica sulla produzione artistica degli ultimi dieci anni di Tramontin.

Prosegue l’attività della galleria presso Spazio Paraggi (Treviso) con la bipersonale di Silvia Vendramel e Serena Piccinini e presentazione del catalogo sabato 24 marzo alla presenza della curatrice Angela Madesani. Il 14 Aprile, per il Premio ArteLaguna 2011, “Natured Landscapes” la personale di Sonia Stanyard, fino al 13 maggio. Saremo a MiaFair a Milano, fiera dedicata alla fotografia, dal 3 al 6 maggio con la personale di Stefano Scheda. A giugno, personale di Ulrich Egger a cura di Valerio Dehò. L’attività continua a Sovramonte, al Lab 610 XL, per la consueta mostra pubblica estiva, quest’anno titolo e tema “De Rerum Natura” curata da Daniele Capra.

Nella Società Tecno-Liquida l’Arte è divenuta cornice. Siamo forse oggi molto più inclini di una volta alla sua fruizione ma ne possiamo assorbire tanta e di tanti generi diversi senza che nessuno di essi riesca a toccarci profondamente. In equilibrio fra le contraddizioni e le ambiguità del suo ambiente sociale l’uomo ha addomesticato l’Arte fino a renderla innocua per votarsi, senza riserve, alla religione dell’autocompiacimento. Ma le società sane hanno bisogno dell’Arte, di quella che mette in discussione la società stessa, le sue regole, i suoi valori. Abbiamo immaginato un luogo per favorire il dialogo e stimolare l’incontro, la produzione e lo scambio di idee, immagini, forme e rappresentazioni del nostro tempo, uno spazio espositivo-laboratorio per realtà diverse promotrici di creatività alternative, per dare vita insieme a scenari non convenzionali.

Spazio Anna Breda is presenting “COLORAZIONE”, an exhibition showcasing two great masters: the designer, Gaetano Pesce, and the artist, Antonio Tamburro, who interpret and use colour as a form of expression and emotion in various fields. The venue for the event is the prestigious Agorà of the San Gaetano cultural centre in Padua. The exhibition’s goal is to highlight the research into aesthetics and colour that has been going on for forty years by now and render it accessible to the public at large through the artistic brilliance of two creators who use colour in an instinctive and gestural manner. The exhibition will be open to the public from Thursday 26 January to Sunday 26 February 2012 in the Agorà of the San Gaetano cultural centre, Via Altinate 71, Padua. With the patronage of Padua City Council.

Bugno Art Gallery San Marco, 1996/d 30124 Venezia Tel. +39 041 5231305 Fax +39 041 5230360 [email protected] www.bugnoartgallery.it

con Gunter Brus a Vienna gennaio 2012

The gallery’s activities continue at the Spazio Paraggi (Treviso) with the double show by Silvia Vendramel and Serena Piccinini and the presentation of the catalogue on 24 March in the presence of the curator, Angela Madesani. This will be followed on 14 April by “Natured Landscapes”, the one-woman show by Sonia Stanyard for the ArteLaguna Prize 2011 which will end on 13 May. We will be in Milan at MiaFair from 3 to 6 May with a one-man show by Stefano Scheda. June will see a one-man show by Ulrich Egger curated by Valerio Dehò. The activities will continue at Sovramonte, at the Lab 610 XL, for the customary public summer show, whose title and theme this year is “De Rerum Natura”, curated by Daniele Capra.

Spazio Paraggi

Via Pescatori, 23 31100 Treviso De Faveri Arte Contemporanea LAB 610XL Cell. +39 335 8035597 [email protected] www.defaveriarte.it

In Techno-Liquid Society Art has become a frame. More prone than once to its fruition we can absorb it so much without anything manages to touch us deeply. These days, fairs and biennals surprise us with an unexpected audience participation. A renewed interest driven by collectors and curators of worldwide reputation. In the balance between the contradictions and ambiguities of our social environment, we have domesticated Art to devote ourself totally to the self-satisfaction religion. But we need Good Art, which can changing Society itself, its rules, its values, its beliefs. Fluida is the space that we imagined to set up a dialogue to encourage the meeting of different creativity, new ideas, the production of images, forms and representations of our times.  Our aim  is to promote them in an unconventional scenery.

Fluida Art Gallery San Polo 2865 Campo San Tomà 30125 Venezia [email protected] www.fluida-art.it

La Galleria Venezia 04|06|2012 - 10|05|2012

Nel giugno 2001, La Galleria di Dorothea van der Koelen presentava la sua prima esposizione con una videoscultura dell’artista Fabrizio Plessi intitolata „Omaggio a Venezia“. Oggi, in occasione del suo decimo anniversario, La Galleria ospita la mostra „Arte in movimento“, dedicata ad artisti internazionali che lavorano a stretto contatto con la città di Venezia e hanno partecipato alla Biennale Arte, nei padiglioni o agli eventi collaterali. La mostra presenta opere in situ di Daniel Buren e Lawrence Weiner, sculture di Bernar Venet, lavori su carta di Lore Bert e Eduardo Chillida e, tra le altre, opere di Joseph Kosuth, François Morellet, Fabrizio Plessi, Patrick Mimran e Arne Quinze. In June 2001, ›La Galleria‹, the Venetian offshoot of the Dorothea van der Koelen Gallery in Mainz (Germany), opened its first show with a video sculpture of the famous Venetian artist Fabrizio Plessi called “Homage to Venice”. 10 years later, gallery owner Dr. Dorothea van der Koelen is celebrating the anniversary with the exhibition “Art in Movement”. In this show she will concentrate on artists who have close relations with Venice and have participated in the Art Biennale, in pavilions or in Collateral Events. The exhibition presents works in situ of Daniel Buren and Lawrence Weiner, sculptures of Bernar Venet, paper works of Lore Bert and Eduardo Chillida and international artists such as Joseph Kosuth, François Morellet, Fabrizio Plessi, Patrick Mimran and Arne Quinze.

Il Melone Arte Contemporanea Rovigo Simone Del Pizzol, giovane artista che rivolge la sua ricerca principalmente alla pittura e all’incisione, è promosso dalla galleria Il Melone sin dalla sua apertura. I suoi lavori, appartenenti al ciclo Comesuccedeallaterraconilsole, sono di ispirazione surreale. Con l’uso sapiente del blu, del bianco e del grigio, l’artista crea un mondo cristallino e pulito, come se lo si vedesse dall’alto, dove la realtà si annulla e si celano illusioni antropomorfe. Corpi, metafore del legame indissolubile fra terra e sole, fra due realtà così diverse e distanti, ma al tempo stesso indivisibili, come possono essere l’uomo e la donna. La maestosità di questi paesaggi altomontani si avvicina alla sublimazione romantica, trasmettendo a chi li guarda serenità e rassicurazione. Ma al tempo stesso vi si cela una critica all’uomo odierno, che, non ponendosi scrupoli riguardo all’ambiente, sta pian piano logorando l’essenza pura della natura. Simone Del Pizzol, a young artist who focuses his research mainly on painting and engraving, has been promoted by the Il Melone gallery right from its opening. His works, belonging to the Comesuccedeallaterraconilsole cycle, are inspired by the surreal. With the skilful use of blue, white and grey, the artist creates a clean crystalline world, as if it were seen from above where reality is voided and anthropomorphic illusions are concealed. Bodies, metaphors of the indissoluble link between earth and sun, between two diverse and distant realities that are indivisible at the same time, just as man and woman can be. The majesty of these high-mountain landscapes approaches romantic sublimation, transmitting serenity and reassurance to those who observe them. Concealed there at the same time is a criticism of contemporary man who, having no scruples with regard to the environment, is slowly wearing down the pure essence of nature.

Etiquette Vicenza 15|05|2012 - 15|06|2012

Artista che si distingue per la straordinaria versatilità, alla continua ricerca della materia più adatta, Bruna Lanza inizia la sua attività come pittrice. Dopo un lungo soggiorno in Gran Bretagna, negli anni Ottanta, la sua indagine sull’astrazione riprende anche in scultura, specie con il raku, l’antica tecnica ceramica orientale utilizzata per realizzare oggetti semplici e poveri. Lo spirito di tale uso viene assunto dall’artista nelle sculture come nelle preziose schegge ceramiche con cui interpreta il cuore zen di questo alto artigianato, capace di esaltare la bellezza e l’armonia anche nelle piccole forme che divengono “gioielli”. “raku pendentif” dal 15/ 5 al 15/6 presso la boutique “Etiquette”, Corso Palladio 54 a VICENZA

Hotel Aquila d’Oro Trento Le stanze dell’Hotel Aquila d’Oro non sono solo camere ma luogo in cui arte, relax e raffinatezza si uniscono per dare all’ospite un rifugio speciale. Il relax è garantito: ogni stanza dispone di un angolo wellness con doccia multifunzione e sauna romana. Ogni camera e ogni suite hanno un nome particolare per dare a chi avrà il piacere di sostare al Garni Aquila d’Oro un’esperienza d’altri tempi. Ogni stanza un nome… L’Hotel Aquila d’Oro presta particolare attenzione al mondo dell’arte. Periodicamente, infatti, in collaborazione con varie gallerie, l’hotel ospita nei suoi spazi mostre d’arte contemporanea la cui visita è aperta a tutti.

An artist who distinguishes herself with her extraordinary versatility, in the continuous search for the most suitable material, Bruna Lanza began her extraordinary activity as a painter. After a long stay in Great Britain in the eighties her investigation into abstraction also resumed with sculpture, especially with raku, an ancient oriental ceramic technique used for creating and simple objects using poor materials. The spirit of this use is assumed by the artist in her sculptures as in the case of precious ceramic shards in which she interprets the Zen heart of this refined craft, while she is also capable of exalting the beauty and harmony in small forms that become “jewels”. “raku pendentif” from 15/ 5 to 15/6 at the “Etiquette” boutique, Corso Palladio 54, VICENZA.

The rooms of the Hotel Aquila d’Oro are not just rooms but venues in which art, relaxation and refinement combine to provide the guest with a special refuge. Relaxation is guaranteed: every corner has a wellness corner with a multifunction shower and Roman sauna. All the rooms and suites have their own special name so that those who have the pleasure of staying in the Garni Aquila d’Oro will have an experience of other times. A name for every room ... The Hotel Aquila d’Oro devotes particular attention to the art world. In collaboration with various galleries, the hotel periodically hosts contemporary art exhibitions in its spaces which are open to all.

Etiquette

Hotel Aquila d’Oro

Comesuccedeallaterraconilsole49 cm. 120x100 - olio su tela - 2008

La Galleria di dorothea van der Koelen

San Marco 2566 (Calle Calegheri) 30124 Venezia Tel. +39 041 5207415 [email protected] www.galerie.vanderkoelen.de

Galleria Il Melone Arte Contemporanea Via Oberdan, 25/31 45100 Rovigo Tel. +39 0425 30811 [email protected] www.galleriailmelone.com

Corso Andrea Palladio, 54 36100 Vicenza Tel. +39 0444 322374

Via Belenzani, 76 38100 Trento Tel. +39 0461 986282 Fax +39 0461 98629 [email protected] www.aquiladoro.it

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AREAARTE nr 9 PRIMAVERA | SPRING 2012

Sommario Contents

Direttore responsabile | Editor Giovanna Grossato



“Il bello della Contemporaneità” “The beauty of Contemporaneity” di | by Giovanna Grossato

3

Redazione | Editorial staff Alessandro Benetti Stella Ferrara Anna Livia Friel Giovanna Grossato Silvia Neri Valentina Sperotto Alessandra Menegotto

Silvia Vendramel:

Il viaggio di Silvia Vendramel Silvia Vendramel’s journey di | by Silvia Neri

4

Andrea Baruffi:

America! America! di | by Giulia Querenghi

8

Michael Kenna:

Silenzio d’autore Author’s silence di | by Mauro Fiorese

Testi | Texts by Giovanna Grossato Valentina Sperotto Silvia Neri Anna Livia Friel Alessandra Menegotto Alessandro Benetti Marcello Palminteri Giulia Querenghi Mauro Fiorese Sandro Parmiggiani Tommaso Zanini Fotografie | Photos Antonio Cozza (per Silvia Vendramel) Dario Lasagni (per Graziano Pompili) Traduzioni | Translations Michael Friel Public relation Paola Ferretti Progetto grafico | Graphic layout Carlo Martini Web designer VG7 Stampa | Printing Grafiche Antiga Spa Via delle Industrie, 1 31035 Crocetta del Montello (TV) Tel +39 04236388 - Fax +39 0423638900 www.graficheantiga.it [email protected]

Editore | Editor Martini Edizioni Villa Ca’ Beregane, 3 - 36016 Thiene (VI) www.martiniedizioni.net - [email protected] Anno 3. Numero 9. Registrazione: Tribunale di Vicenza n. 1214 del 19 gennaio 2010 © 2010 Martini Edizioni, Thiene (VI)

12

Peggy Guggenheim Collection: Oh, Peggy!... Oh, Peggy!...

16

A+A Spazio Espositivo Sloveno: A Est del Nord Est East of northeast di | by Tommaso Zanini

20

Graziano Pompili:

La vita dell’uomo è un vivere abitando The life of man is living inhabiting di | by Alessandra Menegotto

24

Fausto De Nisco:

di | by Sandro Parmiggiani

30

Giorgio Celiberti:

Affioramenti. La forma del segno nella pittura di Giorgio Celiberti Emergings. The form of the sign in the paintings of Giorgio Celiberti di | by Marcello Palminteri

34

Riccardo Cordero:

Il cerchio aperto. La scultura grafica di Riccardo Cordera Castel Pergine The open circle. The graphic sculpture of Riccardo Cordero at Castel Pergine di | by Valentina Sperotto

40

Michele De Lucchi:

Architetto di oggetti abitati Architect of inhabited objects di | by Anna Livia friel

44

Le forchette possibili di Giovanni Scafuro: variazioni sul tema All the possible forks of Giovanni Scafuro: variations on a theme di | by Alessandro Benetti

48

Quando l’eccellenza è Donna When excellence is Woman di | by Stella Ferrara

52

Biennale Giovani - Trento 2012 Biennale Giovani - Trento 2012

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Da vedere To see

58



In galleria In the galleries



63

Amici di AreaArte AreaArte’s friends

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