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a crisi economica sarà per l’arte un’opportunità o una sciagura? E’ l’interrogativo che si pongono, in questa congiuntura economico-finanziaria e politica gli operatori del settore e, naturalmente, anche gli artisti. Come capire, ad esempio, se ci sarà una ricaduta sul mercato collezionistico? Quel che di certo s’è potuto già vedere è solo relativo alla drastica contrazione della spesa pubblica destinata alla cura e alla tutela del patrimonio artistico. Tuttavia per avere una minima visione in prospettiva sul presente e sul futuro del mercato dell’arte, la storia recente qualcosa suggerisce: la crisi del 2008 che colpì duramente tutti i settori di vendita artistica, fu poi quella che si ristabilì più velocemente di altri, specialmente per opere di alto livello. Viene allora da chiedersi se ciò sia accaduto e possa ancora accadere perché certa arte è un bene di lusso e, come tale, ha una tenuta maggiore di altri beni “voluttuari” anche se per un numero limitato di persone, oppure perché in tempi incerti costituisce un bene-rifugio? Un’analisi più aggiornata, che in questo caso non è però strettamente collegata al mercato ma può comunque contribuire ad una lettura dei comportamenti odierni nei confronti dell’arte, ci viene fornita dal Centro Studi Tci su dati del Mibac ed è relativa al numero di visitatori ai siti statali d’interesse artistico: essi sono cresciuti dal 1999 al 2010 in modo significativo; il che indica un maggiore e diffuso desiderio di cultura. Musei, monumenti, mostre, aree archeologiche hanno raggiunto il massimo storico nel 2010 con 37,4 milioni di visitatori, prevalentemente italiani e specialmente giovani. Il + 15,4 % rispetto il 2009. L’introito dalla vendita dei biglietti è stato nel 2010 di 104,5 milioni di euro (contro i 97,1 dell’anno precedente. Cioè il 7,7% in più). E ciò nonostante tutti i progressivi tagli di risorse pubbliche. Sono notizie confortanti e contraddicono l’affermazione divenuta celebre attribuita (e mai smentita) all’ex ministro Tremonti secondo cui “con la cultura non si mangia”. Essa ha suscitato, giustamente, una serie di indignate proteste da parte di molti, intellettuali e non (scarse quelle dal mondo della politica), tra cui Umberto Eco. Lo studioso, infatti, dalle pagine della rivista “alfabeta2” obietta che - anche a non voler prendere in considerazione l’arte (e la cultura in generale) come un valore immateriale che serve a nutrire e a coltivare lo spirito e a formare i cittadini di un paese – esiste la concreta possibilità che con la cultura senz’altro si possa mangiare. Fanno testo in tal senso gli esempi del Louvre, del Metropolitan Museum of Art, della Harvard University (e tra poco quella di Pechino). “In termini economici – scrive Eco- sono imprese che fanno un sacco di soldi. Credo che, bene amministrati come sono, facciano un sacco di soldi anche i Musei vaticani. Un sacco di soldi potrebbero fare anche gli Uffizi o Pompei, e sempre mi domando come mai l’Italia, di cui si dice che abbia circa il 50% delle opere d’arte esistenti al mondo (per non dire del paesaggio, che non è male), abbia meno indotto turistico della Francia o della Spagna, e naturalmente di New York”. Fiduciosamente (e non solo per soldi) noi continuiamo a credere e ad investire nell’arte. Giovanna Grossato

Editorial “Hunger for art and culture”

Editoriale “Fame d’arte e di cultura”

L

W

ill the economic crisis be an opportunity or a disaster for art? This is the question being posed by operators in the sector and, of course, also by artists during this economic-financial recession. How is it possible, for example, to understand if there will be any fallout for the collectors’ market? What we have already seen to be certain only regards the drastic contraction of public expenditure on the care and protection of the artistic heritage. However recent history provides some ideas for sketching a minimum picture of the present and future prospects of the art market: when the crisis in 2008 heavily hit all sales sectors it was the art one that stabilized more quickly than others, especially as regards high-level works. It is then natural to ask ourselves if this happened and can happen again because certain kinds of art are considered to be luxury goods and, as such, resist better than other “unnecessary” products even if only for a limited number of people, or because in uncertain times they constitute shelter goods. A more up-to-date analysis, which in this case is not strictly linked to the market but can in any case contribute to an up-todate reading of contemporary behaviour as regards art, is provided by the TCI Study Centre using MIBAC figures and regards the number of visitors to state sites of artistic interest: these rose significantly between 1999 to 2010 and this indicates a greater and widespread desire for culture. Museums, monuments, exhibitions and archaeological areas reached a historical maximum in 2010 with 37.4 million visitors, prevalently Italian and especially young. This is 15.4% up on 2009. The income from the sale of tickets in 2010 was €104.5 million (compared with €97.1 the previous year. i.e. 7.7% higher). And this is notwithstanding all the progressive cuts to public resources. This is comforting news and contradicts the famous (and never refuted) affirmation by the finance ex-minister, Mr. Tremonti, that “nobody eats with culture”. This rightly triggered a series of indignant protects by many people, intellectuals and others (though few from the political world) including Umberto Eco. Eco actually objected, in the magazine “alfabeta2” that even if we do not want to consider art (and culture in general) as an intangible value that helps to nourish and cultivate the spirit and form the citizens of a country, it is nevertheless concretely possible to eat with culture. Examples of this come from the Louvre, the Metropolitan Museum of Art, Harvard University (and soon from the University of Beijing). “In economic terms,” writes Eco, “these are businesses that make lots of money. I firmly believe that given how well they are managed, the Vatican Museums also make lots of money. It would also be possible to make lots of money in the Uffizi or Pompeii, and I continually ask myself why Italy, which is said to have about 50% of the works of art in the world (not to mention the landscape which is pretty good too), has a lower induced tourist economy than France or Spain and, of course, New York”. Confidently (and not just for money) we continue to believe and invest in art. Giovanna Grossato

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OTTORINO DE LUCCHI Il ritratto delle cose di Alberto Buffetti

Vedere un Mondo in un granello di sabbia, E un Cielo in un fiore selvatico, Tenere l’Infinito nel cavo della mano E l’Eternità in un’ora. William Blake - Auguries of Innocence

Mattino d’autunno 2003

Drybrush su cartone Schoeller | Drybrush on Schoeller cardboard technique cm. 36,5x51

sopra | upper

Domenica d’estate 2005

Drybrush su cartone Schoeller | Drybrush on Schoeller cardboard technique cm. 36,5x51

È

un grande piacere scrivere qualcosa per un artista come Ottorino De Lucchi, ma ci sarebbe una buona dose di impudenza nel pretendere di dire qualcosa di nuovo su di lui e sulle cose che sono oggetto delle sue opere. Scrivo quindi queste righe con la piena coscienza di non avere alcuna informazione da offrire; mi sento in parte giustificato solo perché amo i suoi quadri. Laureato in Chimica e in Farmacia, nelle scarne annotazioni della sua biografia spicca innanzi tutto il prestigioso profilo di docente universitario e di ricercatore. Non c’è conflitto tra il lavoro e la sua arte: la storia della scienza è un continuo sottolineare il senso di stupore e meraviglia degli studiosi e ogni nuova scoperta scientifica porta con sé alla luce una profonda bellezza; la creatività è dote indispensabile nell’arte come nella scienza. Dalla sua esperienza di chimico proviene non solo la capacità di osservare la natura con serenità e tranquillità, ma anche il modo di avvicinarsi ad essa. Lo stesso metodo scientifico, con la necessità di estrarre da una grande quantità di dati solo quelli pertinenti, trascurando tutti gli altri, viene applicato da Ottorino nelle sue opere. I suoi cesti con frutti, gli insoliti vasi con fiori delicati, i ritratti e i tenui paesaggi, appaiono isolati dall’ambiente circostante e come emergenti da uno sfondo quasi sempre uniforme, nero o molto scuro, mentre la luce traspare attraverso di essi e ne disegna il profilo con un contorno molto brillante. La composizione è lineare, fatta di pochi elementi, espressione di una modernità ben lontana dalla complessa opulenza del barocco; rappresenta una scelta precisa, come preciso è l’intento: un solo, singolo oggetto richiama la nostra attenzione, e la sua immediata riconoscibilità ne fa di esso un ritratto perfetto, per mettere in luce, in ciascuno di essi, l’intima bellezza. Questo risultato non viene senza fatica: la perfezione che traspare è frutto di un grande talento e di molti anni di appassionato lavoro; e come i migliori cuochi giapponesi, diventati maestri nell’arte del pesce crudo dopo un lungo apprendistato, ricavano talvolta solo un boccone minuscolo da un enorme salmone, così per De Lucchi la prolissità non significa nulla, perché conta solo la perfezione. Ogni quadro ha una sua toccante semplicità, di meditazione sussurrata. Le cose ritratte, nella loro quotidianità, assurgono a monumento; la loro silenziosa dignità e la loro umiltà ci trasportano in una atmosfera da cattedrale. Nell’arte di De Lucchi possiamo trovare alcune parole chiave, fondamentali, che fanno parte del suo modo di dipingere: la semplicità; la precisione; la concisione; la coerenza. Certamente non sono casuali, poiché le riconosciamo nel modo di essere di Ottorino stesso. Ci vengono in mente parole simili, provenienti da una diversa arte: quelle di Italo Calvino, nelle sue “Lezioni Americane”. Certo Calvino parlava di letteratura, ma anche di valori da salvare, che possono applicarsi ad altri campi delle arti e persino dell’esistenza. 5

Nella biografia di De Lucchi appare un’altra indicazione importante: durante la sua permanenza negli Stati Uniti, ha potuto conoscere le opere di Andrew Wyeth e appassionarsi alla sua tecnica del drybrush. Lo spirito scientifico ha spinto Ottorino a compiere, a partire da una semplice intuizione, una lunga serie di sperimentazioni, fino a sviluppare una tecnica simile nell’idea di partenza, ma del tutto originale nell’esecuzione. De Lucchi, come Wyeth, ritrae la vita quotidiana, ma i soggetti e il modo di rappresentarli sono del tutto diversi. I loro quadri presentano un soggetto, lo portano in primo piano, ma evitano ogni ulteriore richiamo di altri scenari dalla memoria, rifiutano ogni sorta di epifania premeditata. E se l’arte è più grande in misura della sua capacità di richiamare alla mente più scenari in una singola opera in modo unitario, forse l’opera di Wyeth e di De Lucchi, è da ritenersi un’arte minore. L’arte di De Lucchi ci spiazza, ma non ad effetto, perché non è eclatante. Irrompe alla nostra attenzione con una semplicità che ci sorprende e ci seduce in maniera inaspettata. Una sera a casa di George Sand, uno Chopin particolarmente ispirato suonò quella che il pittore Delacroix definì la nota blu: un suono che in un’esecuzione musicale è, allo stesso tempo, atteso e totalmente imprevisto. Alla stessa maniera succede a noi, fermi sull’orlo dei suoi quadri, di chiederci cosa c’è di tanto strano, insolito ma anche di così familiare; abbiamo una sensazione destabilizzante, perché vediamo insieme la normalità e l’immortalità degli oggetti ritratti nei quadri. Una bellissima poesia haiku del poeta giapponese Matsuo Basho, vissuto nel XVII secolo dice: “Sono stremato di forze, è ora di rientrare a casa; ma ecco un glicine in fiore”. Forse Ottorino non ha mai dipinto un glicine, ma le sue opere ci fanno sentire a casa; e del silenzio dei suoi quadri nutriamo lo spirito, per i nostri giorni a venire.

OTTORINO DE LUCCHI The portrait of things by Alberto Buffetti

To see a world in a grain of sand, And a heaven in a wild flower, Hold infinity in the palm of your hand, And eternity in an hour. William Blake - Auguries of Innocence

I

t is a great pleasure to write for an artist like Ottorino De Lucchi, but it would be rather impudent to think that one might say something new about him and the things that are objects of his works. And so I write these lines, perfectly conscious that I have no information to offer, and feeling in some way justified only because I love his paintings. With a degree in Chemistry and Pharmacy, his prestigious career as a university professor and researcher stands out above all in the brief notes of his biography. There is no conflict between his work and his art: the history of science is continually underlining the scientists’ sense of amazement and marvel, and every new scientific discovery brings intense beauty to light; creativity is an essential gift in art just as it is in science. His experience as a chemist produces not only his ability to observe nature with serenity and tranquillity, but his way of approaching it. The scientific method, which requires extraction of the pertinent information from a great mass of data, leaving out all the rest, is applied by Ottorino to his painting too. His baskets of fruit, his unusual vases with their delicate flowers, his portraits and gentle landscapes appear to be isolated from the world around them, standing out against a uniform background which is almost always black or very dark, while light flows through them and draws their profile with a very bright outline. His composition is linear, made up of a very few elements, an expression of modernity far from the complicated opulence of the Baro6

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Quasi Natale 2005

Drybrush su cartone Schoeller Drybrush on Schoeller cardboard technique cm. 51x36,5 a fianco | next

Tra inverno e primavera 2009

Drybrush su cartone Schoeller Drybrush on Schoeller cardboard technique cm. 51x51 sotto | under

Luce di Novembre 2010

Drybrush su cartone Schoeller Drybrush on Schoeller cardboard technique cm. 30,5x40,5

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que; this is a specific choice, just as his intent is precise: a single object attracts our attention, and its immediate recognisability makes it a perfect portrait, revealing his intimate beauty. This result cannot be achieved without hard work: the perfection that is apparent in Ottorino’s paintings comes from the talent and many years of dedicated work. The best Japanese cooks undergo a long apprenticeship to master the art of serving raw fish; in the same way, just as they obtain a tiny mouthful from a huge salmon, prolixity means nothing to De Lucchi, perfection is the only thing that counts. Every painting has its own touching simplicity and whispered meditation. The things he portrays rise to the status of monuments in their ordinariness; their silent dignity and humility take us into the atmosphere of a cathedral. We can identify a number of keywords in De Lucchi’s art that are an essential part of his way of painting: simplicity; precision; conciseness; consistency. These are no matter of chance, for they reflect Ottorino’s very way of living. Words come to mind from a very different art: Italo Calvino spoke of this in his “American Lectures”. Calvino was of course talking about literature, but also about values worth saving, that can be applied to other fields of art and even of life. Another important item of information emerges from De Lucchi’s biography: he came to know the works of Andrew Wyeth and love his drybrush technique when he was in the US. His scientific spirit drove Ottorino to conduct a long series of experiments based on a simple intuition, coming up with a technique which is based on a similar underlying idea but entirely original in terms of how it is executed. And while De Lucchi portrays day-to-day life like Wyeth, his subjects and the way he represents them are very different. 8

Metà pomeriggio 2009

Drybrush su cartone Schoeller | Drybrush on Schoeller cardboard technique cm. 25,5x36,5

De Lucchi’s paintings, like Wyeth’s, present a subject, show it close up, but avoid any further references to other scenes in our memories, rejecting all forms of premeditated epiphany. But if the greatness of art depends on its ability to bring to mind more than one scene in a single work, Wyeth and De Lucchi’s work might be considered among the minor arts. De Lucchi’s art unintentionally catches us off guard, because it is not meant to be provocative; It focus our attention with its simplicity that unexpectedly surprises and seduces. One evening at George Sand’s house, a particularly inspired Chopin played what the painter Delacroix called the blue note: a sound that is both expected and totally unexpected at the same time in a musical performance. The same thing happens to us, as we teeter on the brink of his paintings, asking ourselves what is so strange, so unusual and yet so familiar about them; we have a destabilising sensation, because we see at the same time the normality and the immortality of the objects shown in his paintings. A beautiful haiku by the seventeenth-century Japanese poet Matsuo Basho says: “Exhausted I sought a country inn, but found wisteria in bloom”. Ottorino may never have painted wisteria, but his works make us feel at home; and the silence of his paintings nourishes the spirit, for days to come. GALLERIA D’ARTE NINO SINDONI

Pomeriggio di Natale 2007

Drybrush su cartone Schoeller | Drybrush on Schoeller cardboard technique cm. 36,5x51

Corso IV Novembre, 117 36012 Asiago (VI) www.ninosindoni.com Associazione Alberto Buffetti [email protected]

SARAH SEIDMANN

CORPO EX-POSTO - L’ARTE CHE ALLENA ALLA VITA Tra Assoluto e Quotidiano di Alessandra Menegotto

I

l percorso artistico di Sarah Seidmann si presenta come una riflessione consapevole del valore del sapere del corpo, un corpo che si muove nello spazio, nella memoria, nei gesti legati agli oggetti e ai paesaggi. Ogni opera è frutto di movimenti che rimangono impressi nella materia di volta in volta prescelta, e che invita a rifletterli in una forma di empatia fisica che si traduce rapidamente in emozione. L’opera è dunque traccia visibile dei gesti che si offre empaticamente all’osservatore attivo. Non si tratta quindi di prendere in considerazione il “tema” della rappresentazione, quanto piuttosto le intenzioni, le azioni, gli oggetti, le emozioni e le sensazioni che hanno preso forma tra le mani dell’artista. L’immagine è la traccia del corpo, è ex-posto. Anche per noi ripercorrere empaticamente quella traccia può diventare un allenamento alla vita come lo è stato per l’artista. Nel 1976 alla prima personale, i pensieri che avrebbero fondato le sue ricerche erano già formati. “Tutti gli oggetti che da tempo 10

raccoglievo e ai quali ero molto legata, erano riposti in scatoloni per il trasloco. Pensavo che sarebbe stato efficace portare gli scatoloni in mostra in galleria... Il bisogno però di capire quale relazione avessi con tutte queste cose, se si trattasse di un salvagente affettivo o di un promemoria di concetti , o solo di un archivio di esperienze, mi fecero capire che dovevo rivisitarli prima di dar loro una nuova collocazione o escluderli definitivamente… Riaprii così gli scatoloni e disegnai ogni cosa come in un dialogo profondo.” La Memoria ha un grande ruolo nel suo agire, e in particolare quella delle sue origini ebraiche e delle sue radici Mitteleuropee. In My mother’s passport (1995) e in Piccola lettera d’oro piegata (2005) la scrittura in corsivo si sovrappone, è cancellata, ostacolando la lettura, nascondendo segreti messaggi, in una comunicazione-texture che è traccia di un impedimento emotivo sulla tela di fondo che fa da foglio. Si tratta di “lettere” ben piegate, citando le gestualità’ di rito delle donne di casa, o come un prezioso foglietto pro-memoria che si tiene in tasca. My mother’s passport, esposto per la prima volta alla Triennale di Lodz, in Polonia, paese natale della madre, “È un telo simile a una carta copiativa, dipinto appunto di blu e sul quale le stratificazioni della scrittura sono diventate un tutt’uno con la superficie lasciando però leggibili alcuni frammenti dai quali si capisce che si tratta del documento di mia mamma, con date, numeri, luoghi della sua fuga in Italia, e poi il campo... Volevo però dare un senso di vita che continua alla installazione ponendo davanti un Nido di rami d’albero con sopra un Uovo Blu... È un uovo blu, come il Cielo, come lo Spazio, come la Vita, in un archetipo universale”. “Piccola lettera d’oro piegata” è invece una lettera scritta e riscritta, per la madre “un tikkun, atto di riparazione volitiva di un mondo perduto, ciò che resta del dolore stesso, come la fuga da Vienna, il “pellegrinaggio” nella sua vita... La sua sofferenza, la sofferenza subita è una condizione che diviene universale”. A partire dagli anni ‘90 Sarah introduce con i “Materassi” una nuova concezione: il luogo antropologico del “Terreno” quotidiano, in relazione al silenzio del “Sacro” assoluto, un oggetto metaforico-simbolico sul quale torna a più riprese. Blù e oro, come Oriente e Occidente, come luoghi del rito, colori della concentrazione che si dilatano all’infinito. “Il letto - dove si nasce, si ama, si muore è il testimone muto di tutte le storie e delle storie di tutti”, come scriveva Nico Stringa nel 2003, e può anche trasformarsi in un giardino, o in una visione notturna, in cui la percezione avviene al buio attraverso una fitta e faticosa, come la visione, stratificazione di tracce di biro blù. Con un simile processo di stratificazione, lentamente, ma con sensualità prendono forma anche i bellissimi “Paesaggi del corpo”, piccoli dettagli di anatomia femminile. Feltro bianco annegato nella cera e lavorato a con-tatto. Rilievi morbidi e caldi che solo in apparenza sono di marmo. La Seidmann induce a conoscere l’ambiente nel quale ci muoviamo, a prestare attenzione agli “spazi, agli oggetti, ai gesti che non ricordiamo quasi mai ma che stanno a noi come noi stiamo alla vita e al suo senso”; a fare esperienza della difficile relazione dove “le emozioni assolute, quelle forti, quelle finali, si sublimano, diventano il Mistico”.

sopra | upper

Lettera d’oro 2005

Cera e tecnica personale su tela | Wax and personal technique on canvas cm. 54x44

Sarah Seidmann

vive e lavora a Treviso

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Oriente occidente... about me 2000

Installazione | Installation

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SARAH SEIDMANN BODY EX-POSED ART TRAINING LIFE Between the Absolute and the Everyday by Alessandra Menegotto

S

arah Seidmann’s artistic path presents itself as a conscious reflection on the value of knowing the body, a body that moves in space, in memory and in gestures linked with objects and landscapes. Each work is the fruit of movements that remain impressed in the material chosen case by case and which invite us to reflect them in a form of physical empathy which is rapidly translated into emotion. The work is therefore a visible trace of gestures that offer themselves empathetically to the active observer. It is not therefore a question of taking the “theme” of representation into consideration, but rather the intentions, actions, objects, emotions and sensations that have taken form between the artist’s hands. The image is the trace of the body, it is ex/posed. Retracing this path empathetically can become a form of training for us too just as it has been for the artist. At her first one-woman show in 1976 the thoughts that would provide the foundations for her research had already formed. “All the objects I had been collecting for some time and that I was very attached to were put into boxes for moving. I thought it would have been effective to bring the boxes and put them on show in a gallery ... However the need to understand what kind of relationship I had with these things – if they consisted of an affective lifebelt or of a kind of memo of concepts, or simply an a fianco | next

My mother’s passport 1992 Tempera all’uovo su tela Egg tempera on canvas cm. 280x240

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Interno delle rose 2009

Tecnica personale | Personal technique cm. 97x90

Materasso 2004

Penna biro su tela | biro pen on canvas cm. 35x35

Paesaggio del corpo 2009 Cera e tecnica personale Wax and personal technique cm. 45x45

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archive of experiences – made me understand that I had to look at them again to give them a new collocation or eliminate them definitively ... That’s why I reopened the boxes and drew every single thing as in a profound dialogue.” Memory plays a significant role in her approach, and in particular as regards her Jewish origins and Central European roots. In My mother’s passport (1995) and in Little folded gold letter (2005) the italic writing overlaps, and is deleted, hindering reading and hiding secret messages in a communication-texture that is a thread of emotional impediment on the underlying canvas that acts as the sheet. These are well-folded “letters” that quote the ritual gestures of the housewife, or are like a precious reminder note kept in the pocket. My mother’s passport, exhibited for the first time at the Lodz Triennale in Poland, her mother’s birthplace, “is a canvas similar to a Gestetner stencil, painted blue and with stratifications of writing which have all become one with the surface while letting a few fragments become legible so that it can be understood that the document regards my mother, with dates, numbers, the places of her flight in Italy and then the camp ... However I wanted to give a sense of life that continues to the installation by placing a Nest of tree branches with a Blue Egg in front ... It is a blue egg like the Sky, like Space, like Life, in a universal archetype.” “Little folder gold letter”, on the other hand, is a letter written and rewritten, for her mother “a tikken, an act of deliberate reparation for a lost world, what remains of the pain itself, such as the flight from Vienna, the “pilgrimage” in her life ... Her suffering, the suffering sustained is a condition that becomes universal.” Starting from the nineties, Sarah introduced a new concept with the “mattresses”: the anthropological locus or the everyday “Earthly”, in relation to the absolute “Sacred”, a metaphoricalsymbolical object to which she returns on several occasions. Blue and gold, like East and West, as places of ritual, colours of concentration that dilate towards infinity. “The bed,” where we are born, love and die, is the mute witness of every story and of the stories of everyone,” as Nico Stringa wrote in 2003, “and can also transform itself into a garden, or a nocturnal vision, in which perception takes place in the dark through a dense and fatiguing stratification of traces of blue biro like a vision.” The extraordinary “Landscapes of the body”, little details of female anatomy, also take form with a similar process of stratification, slowly but with sensuality. White felt sunk in wax and worked by touch: soft warm reliefs which only appear to be of marble. Seidmann induces us to get to know the environment we move in, to pay attention to the “spaces, objects and gestures which we hardly ever remember but which are to us as we are to life and its sense”; to make experience of the difficult relationship where “the absolute emotions, the powerful ones, the final ones, are sublimated, become the Mystic”.

Sarah Seidmann

lives and works in Treviso

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Walter Davanzo Ci si incontra nel ricordo di Silvia Neri

K

ahlil Gibran diceva che il ricordo è un modo d’incontrarsi. Davanzo nella sua pittura assorbe questa citazione dell’autore libanese e sembra intensamente assaporare il passato: sotto forma di immagini e momenti vissuti, i ricordi vengono trasformarti in tableaux e, come in una sorta di revisionismo nostalgico, essi rinascono in una nuova luce. L’aura che permea la linea poetica dell’artista è equiparabile all’intenzione di raccontare e creare un grande progetto di vita. Davanzo cioè descrive molte tematiche differenti tra loro ma sempre circoscritte intorno al fulcro della sua indagine: l’uomo. L’artista racconta quindi la vita, persone e paesi, stazioni ferroviarie, aerei e animali. Svela il passato e futuro. Il passato si dischiude allo spettatore attraverso la famiglia e i giochi dei bambini: visi, situazioni e ritratti d’insieme raccontano un periodo sicuramente fondamentale per l’artista, l’infanzia. Ancora, la scuola è presentata e colta in un momento speciale, il primo giorno di scuola, per rappresentare l’unicità del ricordo. I bambini, puri simboli dell’infanzia, raccontano emozioni attraverso lo scatto fotografico di ritagli di vita comune. Uomini e donne, investigati nei ritratti, sono resi eterni dalla rappresentazione di un istante, di un momento. Ma l’artista trevigiano non racconta solo persone, allo stesso modo Davanzo racconta paesi e culture. Ecco quindi archetipi architettonici che descrivono, nella loro natura di clichè, un paradigma altrimenti troppo difficile da spiegare: le moderne architetture di Postdamer Platz a Berlino, gli affascinanti mulini a vento in Olanda, e i palazzi pieni di luci nelle notti di Madrid. Il mito dell’aereo e del volo è, come per Prampolini e Sant’Elia, un modo di guardare la realtà: attraverso la distanza si realizza la presa di coscienza del bambino che osserva, con incanto disilluso, un aeroplano nel cielo. Il bambino vuole essere aereo per poter guardare giù e cambiare così radicalmente il suo punto di vista e di percezione della realtà. Il volo offre la possibilità di contemplare dall’alto il mondo e cambiare così prospettiva di senso. Il volo, la famiglia, i giochi dei bambini sono i mezzi attraverso cui l’artista trevigiano imposta il suo percorso creativo: egli è un artista che indaga il passato, personificato dal bambino, e il futuro, ossia l’uomo, analizzando il prima e il dopo, il seme e la pianta, i sogni e i progetti. Tutto questo al fine di ottenere una conciliazione tra passato e futuro, attuata nel presente, senza revisionismi correttivi, ma solo consapevoli. Anche per ciò che concerne la realizzazione tecnica dell’opera d’arte, Davanzo sceglie 14

spesso di partire da qualcosa di preesistente, di “trascorso”: la base creativa e punto di partenza è quindi la carta geografica o lo spartito musicale, oggetti con una loro identità specifica che viene rielaborata dall’artista. Memore degli studi sull’Espressionismo, Davanzo crea un segno che appare pervaso dalla componente giocosa della sperimentazione resa tale da tratto unico e deciso che sembra far emergere la componente ingenua dell’artista attraverso un approccio nuovo, fresco e al tempo stesso maturo. La ricerca dello stile, attraverso una composizione articolata e al contempo la precisione per il dettaglio, rendono assolutamente personale il lavoro di Davanzo come si può notare anche dalla scelta dei colori intensi dalla stesura pastosa, forti ed energici che richiamano i fauves. Guardare i suoi lavori è come assistere a mute conversazioni dove sguardi e parole, sentimenti e ricordi si intrecciano in questi rendez vous nel limbo tra passato e presente. L’osservatore spesso viene coinvolto emotivamente: nell’opera uno sprecher di richiamo manierista cattura l’attenzione e coinvolge lo spettatore nell’emozione d’insieme. La collettività, lo stare insieme, l’infanzia, il senso del tempo vissuto a più voci, questo coro che parla di sentimenti e di ragione, tutte queste tematiche presenti nelle opere di Walter Davanzo ci portano verso una riflessione sul tema del tempo che ci dimostra, sempre secondo Kahlil Gibran, come l’eterno che è in noi sa che la vita è senza tempo e sa che l’oggi non è che il ricordo di ieri, e il domani il sogno di oggi. Esiste quindi una liaison, un’unione, un legame, simile ad un abbraccio, che collega presente e passato con il ricordo, e il futuro con l’attesa. nell’altra pagina | on the other page

Colonia Croce Rossa Refettorio 2011 Tecnica mista su tela | Mixed technique on canvas cm. 150x100 in questa pagina | on this page

La stanza delle lavatrici 2011

Tecnica mista su tela | Mixed technique on canvas cm. 52x25

La macchina (A-B-C) 2011

Tecnica mista su tela | Mixed technique on canvas cm. 30x30

Walter Davanzo

vive e lavora a Treviso, Berlino, Madrid, Londra www.walterdavanzo.it

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Walter Ci si incontra nelDavanzo ricordo by Silvia Neri

K

ahlil Gibran said that memory is a way of meeting. Davanzo absorbs this quotation from the Lebanese writer in his painting and seems to savour the past intensely: memories are transformed into tableaux in the form of images and moments lived and are reborn in a new light in a sort of nostalgic revisionism. The aura that permeates the artist’s poetic line can be compared with the intention to recount and create a great life project: Walter Davanzo describes many themes that differ from one another but are always circumscribed around the fulcrum of his investigation: man. The artist therefore recounts life, people and places, railway stations, aircrafts and animals. He reveals the past and future. The past reveals itself to the observer through the family and children’s games: faces, situations and group portraits tell of a period that was unquestionably fundamental for the artist, infancy. And then school is presented and grasped in a special moment, the first day at school, symbolizing the uniqueness of the memory. Children, pure symbols of infancy, recount emotions through the photographic shots of scraps of common life. Men and women, investigated in the portraits, are rendered eternal by the representation of an instant, or a moment. But the Treviso artist does not limit himself to people but also explores places and cultures. And then there are architectural symbols that, in their guise as clichès, describe a paradigm that is otherwise too difficult to explain: the modern architectures of Postdamer Platz in Berlin, the fascinating windmills in Holland and the light-filled buildings of Madrid nights. The myth of the airplane and flight is a way of looking at reality for Prampolini and Sant’Elia: through distance it is possible to recreate the acquisition of awareness of the child, with the disillusioned magic, an airplane in the sky. The child wishes to be a plane so that he can look down and there16

fore radically change his point of view and perception of reality. Flight makes it possible to contemplate the world from above and change the perspective of sense. Flight, the family and children’s games are the means through which the Treviso artist sets out his creative path. He is an artist who investigates the past, symbolized by the child, and the future, the adult, analyzing the before and the after, the seed and the plant, dreams and projects: all this in order to obtain a reconciliation between past and present, actuated in the present without corrective revisionisms but only conscious ones. Also as regards the technical creation of the work of art, Davanzo often chooses to start from something pre-existing, of the “past”: the creative base and starting point is therefore the geographical map or the musical score, objects with their specific identity that is reworked by the artist. Mindful of his studies of expressionism, Davanzo creates a sign that appears pervaded by the playful component of experimentation rendered such by his unique and decisive stroke which seem to bring out the artist’s ingenuous component by means of a fresh new approach which is mature at the same time. The research into style for the articulated composition and at the same time the precision in the detail make Davanzo’s work absolutely personal. This can also be seen from the choice of intense colours with their doughy, powerful and energetic application which recall the fauves. Looking at his works is like observing mute conversations where gazes and words, sentiments and recollections are interwoven in these rendezvous in the limbo between past and present. The observer often becomes involved emotionally: the work of a sprecher who recalls mannerism captures the attention and involves the spectator in the emotion of the whole. The collectiveness, the being together, infancy, the sense of time lived in several voices, this choir that speaks of feelings and of reason: all these themes present in the works of Walter Davanzo carry us towards a reflection on the theme of time that shows us – again according to Kahlil Gibran – how the eternal within us knows that life is timeless and that today is simply the memory of yesterday while tomorrow is today’s dream. There is therefore a liaison, a union, a bond similar to an embrace which links the present and the past with the recollection and the future with the wait.

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La Banda 2010

Tecnica mista su tela | Mixed technique on canvas cm. 180x101

Eddy e Chiara 2011

Tecnica mista su tela | Mixed technique on canvas cm. 30x40 in questa pagina | on this page

Voglia di bere 2010

Tecnica mista su tela | Mixed technique on canvas cm. 60x150

Walter Davanzo

lives and works in Treviso, Berlino, Madrid and London www.walterdavanzo.it

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ANTONIA ZECCHINATO Quando l’architettura si veste di seta di Giovanna Grossato

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ifficile non vedere già di primo acchito nei lavori di Antonia Zecchinato l’anima dell’architetto, non solo nella sintesi progettuale ma soprattutto nella ricerca di soluzioni formali e strutturali. La forma mentis di chi pensa al procedimento costruttivo in ogni sua fase è presente in tutto il suo lavoro che si presenta così nitidamente definito eppure suscettibile di curiosità relative al come sia stato eseguito. Quel che c’è di “femminile” inteso come ricongiungimento alle pratiche della tessitura e del cucito (ammesso che si possano considerare intrinsecamente femminili prassi che appartengono fin dall’alba della civiltà a tutte le culture umane e di cui esistono oggi prove di eccellenza maschile tra i maggiori brand internazionali del tessuto e della moda) è la strategia esecutiva. L’impegno che rende fattibili e possibili le complessità e le criticità della situazione. La capacità, questa sì tutta femminile, di porre uguale ed appassionata attenzione a cento diversi problemi sulla soluzione dei quali converge la riuscita, completa e senza sbavature, di un progetto. Anche la ricerca cromatica, ottenuta con un’accurata e competente selezione dei materiali, sulla loro compatibilità e coesione, sulla ricerca di complicità che, nonostante tutto, è possibile ottenere dai fili separati (che separati restano) e sono ben diversi dai pigmenti mischiati da un pennello, anche questa attiene all’architettura e all’ingegneria che, come dice la parola, s’ingegna ad immaginare un modello mentale che poi, nella realtà, deve essere in grado di funzionare: di reggersi e di reggere, di opporsi alle forze del vento,

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Tra cielo e mare 2011 Cotone, seta | Cotton, silk cm. 42x32x4

in questa pagina | on this page

Sul filo dell’onda 1999 Cotone, seta | Cotton, silk cm. 110x230x8

alle ingiurie del tempo, alle rivalse della natura. Anche la storia dell’arte nel suo metabolismo lento e lontano è un cibo di cui si nutrono le sculture in stoffa di Antonia Zecchinato. Il cielo nel pozzo (2006) offre in tal senso un duplice richiamo: alle geometrie severe della prima maniera “secca“ del Rinascimento centro italiano, quanto alla più audace e fantasiosa prospettiva dell’oculo dipinto da Andrea Mantegna al centro del soffitto di una delle stanze del castello di San Giorgio dei Gonzaga a Mantova. Qui, nello scorcio ardito da sotto in su contro lo sfondo del cielo, si vedono, tra i puttini alati, un pavone e la padrona di casa con le sue dame; in quello di Antonia Zecchinato il cercine si trasforma in una vera da pozzo in cui si riflette il cielo e dove dello svolazzare degli amorini non resta aggrappato che il fremito di piccole ali. L’Oriente e la tradizione marina, anche questo retaggio del territorio veneto, forniscono spunti e danno origine a complesse regìe dell’Artista: Nautilus ermetico (2006), intreccia, letteralmente, suggestioni orientali, ori preziosi e stoffe esotiche che hanno viaggiato dalla Cina a Venezia in un’osmosi fatale e quasi ineludibile, mentre il mare offre, anche lui, il suo tributo di bellezza attraverso il colore che la seta bagna con riflessi cangianti. Il mare, del resto, è protagonista in altre opere, come Sul filo dell’onda (1999) in cui sulla battigia azzurra si infrangono le creste rosse dei flutti al tramonto. Antonia Zecchinato, dopo la formazione universitaria allo IUAV di Venezia, alla fine degli anni Settanta dirotta la sua ricerca 19

architettonica verso questo particolarissimo tema del costruire, ottenendo numerosi riconoscimenti nazionali ed internazionali tra cui l’invito ad esporre a Venezia, per tre anni consecutivi, alla Fondazione Bevilacqua La Masa e, nel 1985 al Padiglione Italia della terza Biennale Internazionale di Architettura. Il bilico sottile tra scultura e design, la vedono presente con le sue opere in numerose prestigiose esposizioni di entrambi i settori fin dalla metà degli anni Novanta: XVIa Mostra internazionale del bronzetto e piccola scultura a Padova (1995), Prima Biennale d’arte tessile di Chieri (1998), Miniartextil di Como (dal 1992 al 1998, 2001), Miniaturtextil Biennale di Szombathely in Ungheria (1996), Small Pieces For Europe a Manchester, Cardiff, Barcellona, Parigi, Kiev (dal 1997 al 1999), 1st International Flag Triennial di Szombathely in Ungheria (2003), 12th International Triennial of Tapestry di Lodz in Polonia (2007), 5th International Exhibition Healing nel parco del Norton Priory Museum di Runcorn in Inghilterra (2008), 25th International Textile Art a Graz in Austria (2009).

03|02|2012 - 11|03|2012 Oratorio di San Rocco Via Santa Lucia - Padova

Antonia Zecchinato

vive e lavora a Padova www.antoniazecchinato.it Il cielo nel pozzo 2006

Cotone, seta, tulle, specchio, legno, acciaio | Cotton, silk, tulle, mirror, wood and steel cm. 30x160x160

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Hortus conclusus 2011 Cotone, seta | Cotton, silk cm. 19x21x2

ANTONIA ZECCHINATO

When architecture dresses in silk by Giovanna Grossato

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Herbaria 2011

Cotone, seta | Cotton, silk cm. 19x21x3

t is difficult at first sight not to see the soul of the architect in the work of Antonia Zecchinato, not only in the synthesis of the design but especially in the search for formal and structural solutions. The forma mentis of one who conceives of every phase of the construction procedure is present in all her work which, as a result, presents itself very sharply defined, or arouses curiosity with regard to how it was executed. What there is of “female”, intended as the recombination of the practices of weaving and sewing (if for the sake of argument we can consider to be intrinsically female activities that since the dawn of civilization have belonged to all human cultures and for which there are excellent examples of male excellence among the top international fabric and fashion brands) is the executive strategy: the commitment which makes the complexities and criticalities of the situation feasible and possible. The entirely female ability to focus identical and passionate attention of one hundred different problems from which the complete and flawless success of a project converges. Also belonging to architecture and engineering is the chromatic research, obtained from precise and skilful selection of materials, their compatibility and cohesion, while the search for complicity – which, despite all, can be obtained from separate threads (which remain separate) that are quite different from the pigments mixed by a brush – also belongs to architecture and engineering which, as the word has it, strives to imagine a metal model that then must be able to function in reality: to stay up and support, to resist the force of the wind, the attacks of the weather, the batterings of nature. 21

Nautilus ermetico 2006

Cotone, seta, tulle, metallo | Cotton, silk, tulle and metal cm. 123x123x53

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The history of art with its slow and distant metabolism also provides nourishment for Antonia Zecchinato’s fabric sculptures. Il cielo nel pozzo (The sky in the well) (2006) offers a double reference in this sense: to the severe geometries of the initial “dry” manner of the Central Italian Renaissance, and to the more audacious and imaginative perspective of the oculus painted by Andrea Mantegna in the centre of the ceiling in one of the rooms of the Gonzaga San Giorgio Castle in Mantua. Here, winged putti, a peacock and the lady of the manor can be seen with her ladiesin-waiting in the bold view from the bottom upwards against the background of the sky: in Antonia Zecchinato work, the ring is transformed into a real well-curb in which the sky is reflected and where nothing remains of the flapping of the cherubs except the quiver of little wings. The Orient and the marine tradition, also parts of the Veneto heritage, provide starting points and origins for the artist’s complex arrangements: Nautilus ermetico (Hermetic nautilus) (2006) literally weaves together oriental suggestions, precious gold and exotic cloths which travelled from China to Venice in a fatal and almost ineluctable osmosis, while the sea also provides its tribute of beauty through the colour that the silk wets with iridescent reflections. The sea, moreover, is the star in other works, such as in Sul filo dell’onda (‘On the crest of the wave’) (1999), in which the red crests of the swell break on the shore at sunset. After completing her university studies at the IUAV school of architecture in Venice, at the end of the seventies she directed her architectural research towards this highly particular way of building and obtained countless national and international awards including an invitation to exhibit three years in a row in Venice at the Bevilacqua La Masa Foundation and, in 1985, in the Italian pavilion in the third International Architecture Biennale. The subtle balance between architecture and design opened the way to the presence of her works in countless prestigious exhibitions in both sectors up to the middle of the nineties: XVI International Exhibition of Bronzes and Small Sculptures in Padua (1995), The First Biennale of Textile Art in Chieri (1998), Miniartextil in Como (from 1992 to 1998, 2001), Miniaturtextil Biennale of Szombathely in Hungary (1996), Small Pieces For Europe in Manchester, Cardiff, Barcelona and Paris, Kiev (from 1997 to 1999), the 1st International Flag Triennial in Szombathely in Hungary (2003), the 12th International Triennial of Tapestry in Lodz, Poland (2007), the 5th International Exhibition Healing in the Park in the Norton Priory Museum of Runcorn in England (2008), and the 25th International Textile Art in Graz, Austria (2009).

Linfa 2008

Cotone, seta, tulle, metallo | Cotton, silk, tulle and metal cm. 92x24x0,5 (dimensione di una foglia) | (dimension of a leaf)

03|02|2012 - 11|03|2012 Oratorio di San Rocco Via Santa Lucia - Padova

Antonia Zecchinato lives and works in Padua www.antoniazecchinato.it

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NINO WALTER RIONDATO Corpi in sospensione di Alessandro Benetti

A

llievo di Bruno Saetti all’Accademia di Belle Arti di Venezia, Walter Riondato è un artista poliedrico, che si è accostato nel corso degli anni alle forme d’arte più svariate, esplorando le peculiarità di ciascuna e le possibilità di ibridazione. Così, negli esperimenti di video arte accosta parola a immagine per intensificare le potenzialità espressive dell’opera, mentre le sue rappresentazioni pittorico- fotografiche del corpo umano sono caratterizzate da una “magmaticità densa” (Tiziano Santi) che tende alla tridimensionalità. Nei video di “Terapie”, come nei quadri della serie “Corpo Vile, Corpo Glorioso”, emergono le tematiche proprie di tutta l’opera di Riondato, che privilegia atmosfere d’impalpabile tensione e inquietudine. Al cuore del turbamento si colloca la riflessione sul corpo umano, interpretato da Riondato in senso postmoderno come il “superamento dell’essere biologico in una nuova carne sintetica” (ibidem). Nell’ambito delle ricerche sulla natura della corporeità contemporanea, negli ultimi anni Riondato si è accostato con interesse crescente alla scultura e, in seguito alla sperimentazione di diversi materiali, ha trovato nella cera d’api quello più consono alla sua ricerca espressiva. Riondato la utilizza per plasmare sculture di piccole dimensioni, che si compongono di uno o più personaggi, umani o animali, e di qualche sintetico dettaglio aggiuntivo (la seduta della “regina” o la sconcertante biga in forma di mela). Materiale dalle grandi qualità duttili, la cera d’api si dimostra un valido supporto alla definizione delle visioni di Riondato anche perché ricca d’impurità, connaturate al suo processo di produzione all’interno dell’alveare e direttamente derivate dalla maggiore o minore purezza del fiore raccolto dalle api. Le imperfezioni congenite della materia fanno si che, anche in seguito alla modellazione da parte dell’artista, l’opera compiuta presenti una resa superficiale tutt’altro che cristallina. A zone di maggiore levigatezza si affiancano porzioni di superficie più scabra, con piccoli avvallamenti e rughe profonde, con la luce che si riflette su di essere in maniera irregolare, determinando giochi luministici sempre nuovi ed inaspettati. Ne risulta una generale indeterminatezza del confine fra luce e ombra, suscettibile di repentine variazioni, che conferma il carattere sostanzialmente inquieto della rappresentazione, come in una lotta perenne tra splendore ed oscurità. 24

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Foto studio esterno in questa pagina | on this page

Toilette 2011

Cera d’api | Beeswax cm. 45x25x37

Un uomo due cavalli 2010

Cera d’api | Beeswax cm. 50x40x35

Tanta irrequietezza è però totalmente cristallizzata, come se la colata di cera avesse improvvisamente bloccato i movimenti dei personaggi, sospendendone la realtà attiva in un momento di stasi perenne. I cavalli sono protesi nello sforzo del galoppare ma senza più avere una destinazione e l’angelo con le braccia alzate incomberà per sempre sul bimbo adorante. Molti di questi attimi catturati sono quelli appena antecedenti una caduta o un moto repentino: sono soprattutto le figure umane ad essere spesso in bilico, ma la sottrazione dell’istante della perdita dell’equilibrio alla sequenza temporale, in cui è seguito dal crollo, lo consegna di fatto alla dimensione atemporale della riflessione. I personaggi di Riondato cadono con un movimento ovattato,come si cade nei sogni, e la dimensione onirica è qui tanto potente da inibire totalmente il movimento. L’osservatore, inizialmente investito da una sensazione di vago turbamento, ne percepisce ad un secondo sguardo sull’opera il contrappunto fondamentale, ossia il rimando palpabile a una quiete metafisica di memoria classica. A questo proposito, i personaggi che popolano le visioni di Riondato sono poco più che abbozzati, riconoscibili nella loro natura umana o animale ma impenetrabili nelle loro peculiarità individuali. Lontani dalla contingenza, vivono una condizione universale, potenzialmente estesa anche all’osservatore. Tra le tante comparse, si ripresenta con notevole frequenza l’immagine del cane, quasi sempre rappresentato in pose contemplative e non attive. Spettatore esterno delle vicende umane, ne osserva lo scompiglio e il disordine con l’immobilità ieratica propria dei saggi. Pur nelle differenze che li contraddistinguono, le figure di Riondato sono tutte fuse nello stesso materiale, che è poi quello della terra, e in esso si confondono. Come afferma Tiziano Santi, per Riondato “il corpo non appartiene al dominio del dominatore ma fa corpo con la terra”: il radicamento a quest’ultima è forse l’estremo antidoto alla degenerazione cibernetica del corpo contemporaneo, sempre più corpo clonato, digitalizzato, post-organico.

Nino Walter Riondato

vive e lavora a Piombino Dese (PD) www.walterarte.com

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NINO WALTER RIONDATO Corpi in sospensione by Alessandro Benetti

A

student of Bruno Saetti at the Accademia di Belle Arti in Venice, Walter Riondato is a versatile artist who over the years has tackled the most varied forms and explored the peculiarities of the each of them and the possibilities of hybridization. So, he brings together words and images in his video art experiments in order to intensify the expressive potentials of the work, while his pictorial-photographic depictions of the human body are characterized by a “dense magmaticity” (Tiziano Santi) which tends towards tri-dimensionality. Themes emerge in the “Terapie” (“Therapies”) video, as in the pictures of the “Corpo Vile, Corpo Glorioso” (“Vile Body, Glorious Body”) series typical of Riondato’s entire work that privileges atmospheres of impalpable tension and anxiety. At the heart of the agitation is a reflection on the human body, interpreted by Riondato in a postmodern sense, such as the “abandonment of the biological being in a new synthetic flesh” (ibid.). In recent years, within the framework of his research into the nature of contemporary corporeity, Riondato has approached sculpture with growing interest and, following experimentation with different materials, has found beeswax to be the most appropriate one for his expressive research. Riondato uses it to model small-scale sculptures which are composed one of more characters, human or animals, and for various additional synthetic details (the seat of the “queen” or the disconcerting chariot in the form of an apple). Material with great ductile qualities, beeswax has turned out to be an effective support for defining Riondato’s visions also because it is rich in impurities that are innate in its production process inside the beehive and derived directly from the greater or lower purity of the flower collected by the bees. The congenital imperfections of the material mean that after it has been modelled by the artist the surface rendering of the finished work is anything but crystalline. Zones of greater smoothness are flanked by rougher surface areas, with little depressions and deep wrinkles so that the light is reflected from them in an irregularly manner to give rise to plays of light that are always new and unexpected. The result is a generalized indeterminacy of the boundary between light and shadow, open to sudden variations, which confirms the substantially unsettling nature of the depiction as in a perennial struggle between splendour and obscurity. All this uneasiness is totally crystallized, however, as if the wax casting had suddenly blocked the movements of the personality, with the suspension of their active reality in a moment of perennial stasis. The horses are intent in the effort to gallop but without any destination and the angel with the raised arms will overshadow the adoring child forever. Many of these captured moments are those just before a fall or a sudden movement: the human figures, especially, are often in the balance, but the removal of the instant of the loss of equilibrium from the time sequence, which is followed by the collapse, consigns

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Sarcofago 2010

Cera d’api | Beeswax cm. 35x20x30 a fianco | next

Angelo caduto

Cera d’api | Beeswax cm. 40x35x20

it in reality to the timeless dimension of reflection. Riondato’s characters fall with a muffled movement, as if falling in dreams, and the oneiric dimension is so powerful here as to inhibit movement completely. With a second glance at the work, the observer, initially struck by a sensation of vague unease, perceives its fundamental counterpoint, namely a palpable reference to a metaphysical tranquillity of a classical type. In this regard, the characters who populate Riondato’s visions are barely sketched, recognizable in their human or animal nature but impenetrable in their individual peculiarities. Far from the contingent, they live a universal condition, potentially extended to the observer too. Among the many extras, images of dogs appear with considerable frequency, almost always depicted in contemplative and inactive poses. External spectators of human events, they observe its confusion and disorder with the hieratic immobility typical of sages. Notwithstanding the differences that distinguish them, Riondato’s figures are all cast in the same material which comes from the earth, and mix with it. As Tiziano Santi says, for Riondato “the body does not belong to the domain of the dominator but is incorporated in the earth”: its rootedness in the latter is perhaps the extreme antidote to the cybernetic degeneration of the body today, increasingly a cloned, digitalized and post-organic body. sopra | upper

Regina 2011

Cera d’api | Beeswax cm. 45x28x19 a fianco | next

Interno studio

Nino Walter Riondato

lives and works in Piombino Dese (PD) www.walterarte.com

IL SETTECENTO A VERONA Tiepolo, Cignaroli, Rotari Verona, Palazzo della Gran Guardia, 26 Novembre 2011 - 9 Aprile 2012

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in questa pagina | on this page

Giambettino Cignaroli La Madonna col Bambino, l’Angelo Custode e i Santi Lorenzo, Lucia, Antonio da Padova e Barbara (Madrid, Museo Nacional del Prado) Virgin and Child, the Guardian Angel and Saints Lawrence, Lucy, Anthony of Padua and Barbara (Madrid, National Museum of Prado) nell’altra pagina | on the other page

Pietro Rotari Giovane donna con cuffia (collezione privata) Young woman with coif (private collection)

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ella notte tra il 24 e il 25 aprile 1945 l’esplosione del ponte scaligero di Castelvecchio faceva crollare quasi completamente la più celebre opera d’arte veronese del XVIII secolo: il Trionfo di Ercole che Giambattista Tiepolo aveva affrescato nel 1761 sul vasto soffitto del salone da ballo di palazzo Canossa. Oggi, 250 anni dopo, è possibile risarcire gli occhi del visitatore grazie alla ricostruzione virtuale di quel capolavoro. Il Comune di Verona, con l’Assessorato alla Cultura e il Museo di Castelvecchio, in collaborazione con la Soprintendenza per i Beni Storici, Artistici ed Etnoantropologici per le province di Verona, Rovigo e Vicenza, hanno colto questa occasione per presentare al pubblico la mostra “Il Settecento a Verona. Tiepolo, Cignaroli, Rotari.”, una grande rassegna espositiva che vuole approfondire un momento della civiltà pittorica scaligera finora mai indagato, restituendole finalmente il ruolo che storicamente le spetta. Con 150 capolavori tra dipinti, disegni, stampe e documenti provenienti da importanti musei stranieri come l’Ermitage di Pietroburgo, il Prado di Madrid, il Victoria and Albert di Londra, la Gemäldegalerie di Dresda, il Kunsthistorisches di Vienna, lo Szépmuvészeti di Budapest, oltre che dai principali musei italiani, la mostra, curata da Fabrizio Magani, Paola Marini e Andrea Tomezzoli, porta Tiepolo e i suoi contemporanei alla Gran Guardia. Ampio spazio sarà dedicato a due importanti artisti veronesi: Pietro Antonio Rotari, definito il “pittore della corte russa” per aver lavorato a lungo a servizio degli zar e dell’imperatrice Elisabetta, e Giambettino Cignaroli, fondatore dell’Accademia di Pittura che porta il suo nome. I due furono emblemi di un classicismo di grande innovazione e modernità che, grazie al patrocinio di un altro grande veronese, Scipione Maffei, ha dominato la pittura dell’intero secolo. I viaggi di Pietro Antonio Rotari alle corti di Vienna, Dresda e Pietroburgo da un lato, i dipinti inviati da Giambettino Cignaroli a sovrani, nobili e alti prelati di mezza Europa dall’altro inseriscono infatti di diritto l’arte veronese, capace di mantenere sempre autonomia e originalità rispetto alle correnti dominanti nella vicina Venezia, in uno dei fenomeni culturali più qualificanti dell’intera civiltà figurativa di quel secolo, cioè la diffusione dell’arte veneta nei più prestigiosi circuiti internazionali. Le sezioni della mostra daranno conto anche della ricchezza e della varietà dei risultati conseguiti a Verona nell’Età dei Lumi, nonché della rete di committenti prestigiosi – anche internazionali (del calibro di Stanislao Augusto Poniatowsky di Polonia, dei principi di Sassonia, di Clemente Augusto di Baviera o Carlo Firmian, plenipotenziario di Maria Teresa) – che richiesero opere veronesi. Nell’esposizione avrà un posto speciale la sezione dedicata ai “vedutisti” come Bernardo Bellotto, così come il nucleo di opere realizzate per la città scaligera da Giambattista e Giandomenico Tiepolo. Con modalità assolutamente innovative, grazie all’ausilio delle nuove tecnologie, il pubblico avrà il privilegio esclusivo

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di scoprire il lavoro di recupero che ha portato alla restituzione virtuale del soffitto dipinto da Giambattista Tiepolo per Palazzo Canossa a Verona. La mostra sarà integrata da itinerari che guideranno il visitatore alla scoperta, da un lato, di opere d’arte sacra conservate nelle chiese di Verona, dall’altro, di straordinari interventi pittorici realizzati per palazzi della città. Alla realizzazione di questa importate iniziativa partecipano il Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Direzione Generale per la valorizzazione del patrimonio culturale, Direzione Regionale per i Beni Culturali del Veneto, Soprintendenza per i Beni Storici, Artistici ed Etnoantropologici per le province di Verona, Rovigo e Vicenza, Soprintendenza per i Beni Architettonici e Paesaggistici per le province di Verona, Rovigo e Vicenza. Main sponsor: Agsm Energia. Con il sostegno di: Regione Veneto, Fondazione Cariverona, Camera di Commercio di Verona - Winetop, Banco Popolare di Verona. Collaborano: Ufficio Beni Culturali della Diocesi di Verona, Amici di Castelvecchio e dei Civici Musei d’Arte di Verona, Fondazione Masi, Inner Wheel Distretto 206 Italia, Rotary Distretto 2050 e 2060. Patrocini: Università degli Studi di Verona, Università degli Studi Padova, Fondazione Ermitage Italia. Catalogo: Silvana Editoriale.

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Pietro Rotari Alessandro e Rossane (San Pietroburgo, The State Hermitage Museum) Alessandro and Rossane (St. Petersburg, the State Hermitage Museum) a fianco | next

Marco Marcola Spettacoli in strada (collezione privata. Per cortesia di Galleria Previtali, Bergamo) Street shows (private collection. Thanks to Gallery Previtali, Bergamo)

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THE SETTECENTO IN VERONA Tiepolo, Cignaroli, Rotari

Giambattista Tiepolo Eliodoro e l’alto sacerdote Onias (Verona, Museo di Castelvecchio) Heliodorus and the hight priest Onias (Verona, Museum of Castelvecchio)

Verona, Palazzo della Gran Guardia, 26 november 2011 - 9 april 2012

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uring the night between 24 and 25 April 1945, the explosion of the Scaliger Castelvecchio Bridge almost completely brought down the most renowned eighteenth century work of Veronese art: the Triumph of Hercules that Giambattista Tiepolo had frescoed in 1761 on the vast ceiling of the ballroom in Palazzo Canossa. Today, 250 years later, it is possible to recompense the visitor’s eyes with a reconstruction of this masterpiece in virtual form. The Verona City Council with the Department of Culture and the Castelvecchio Museum in collaboration with the Office of the Historical, Artistic and Ethno-anthropological Assets for the provinces of Verona, Rovigo and Vicenza have grasped this occasion to present the exhibition, “The Settecento in Verona. Tiepolo, Cignaroli, Rotari”, to the public. This great exhibitive review is intended to reveal a moment of the city’s pictorial culture which had previously not been investigated, and finally restore the role that it merits historically. With 150 masterpieces including paintings, drawings, prints and documents from leading foreign museums such as the Hermitage in St. Petersburg, the Prado in Madrid, the Victoria and Albert Museum in London, the Gemäldegalerie in Dresden, the Kunsthistorisches in Vienna, and the Szépmuvészeti in Budapest, as well as from the main Italian museums, the show, curated by Fabrizio Magani, Paola Marini and Andrea Tomezzoli, brings Tiepolo and his contemporaries to the Gran Guardia. Considerable space will be dedicated to two important Veronese artists: Pietro Antonio Rotari, defined as the “painter of the Russian court” as he worked for a long time at the service of the Czar and the Empress Elizabeth, and Giambettino Cignaroli, founder of the Academy of Painting that bears his name. The two were emblems of a classicism of great innovation and modernity which, thanks to the sponsorship of another great Veronese, Scipione Maffei, dominated painting for the entire century. The travels of Pietro Antonio Rotari to the courts of Vienna, Dresden and St. Petersburg on the one hand, and the paintings sent by 31

Giambettino Cignaroli to the sovereigns, noblemen and high prelates of half of Europe on the other, give Veronese art – capable of maintaining its autonomy and originality with regard to the currents dominant in Venice – its fully deserved place in one of the most significant cultural phenomena in the figurative civilization of that century, the diffusion of Veneto art through the most prestigious international circuits. The sections of the show will also highlight the wealth and variety of the results achieved in Verona during the Enlightenment, as well as the network of prestigious patrons who requested Veronese works, including international ones (of the calibre of Stanislaw August Poniatowsky in Poland, the Princes of Saxony, Clemens August of Bavaria or Carlo Firmian, plenipotentiary of Maria Theresa). A special place in the exhibition will be dedicated to “vedutisti” such as Bernardo Bellotto, as well as to the nucleus of works created for the city by Giambattista and Giandomenico Tiepolo. Using absolutely innovative procedures, thanks to the aid of new technologies, the public will have the exclusive privilege of discovering the recovery work that has led to the virtual recreation of the ceiling painted by Giambattista Tiepolo for Palazzo Canossa in Verona. The show will be integrated with itineraries that will guide visitors to discover the sacred artworks in Verona’s churches, on the one

Giambettino Cignaroli Autoritratto (Vienna, Kunsthistorisches Museum, Gemäldegalerie) Self-portrait (Vienna, Kunsthistorisches Museum, Gemäldegalerie)

Giambettino Cignaroli Pomponio Secondo riceve gli onori trionfali (Verona, Museo di Castelvecchio) Pomponius Secundus receives triunphal honours (Verona, Castelvecchio Museum)

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hand and, on the other, the extraordinary pictorial production created for the buildings in the city. The Ministry of Culture, the Regional Department for the Cultural Assets of the Veneto, the Office for the Promotion of the Cultural Heritage, the Office of the Historical, Artistic and Ethno-anthropological Assets for the provinces of Verona, Rovigo and Vicenza have participated in staging this important initiative. Main sponsor: Agsm Energy. With the contribution of: Regional Government of the Veneto, Faundation Cariverona, the Verona Chamber of Commerce - Winetop, Banca Popolare di Verona. Collaborators include: The Cultural Assets Office of the Diocese of Verona and the Friends of Castelvecchio and of the art museums of Verona, Faundation Masi,Inner Wheel District 206 Italia, Rotary District 2050 e 2060. Patronage: University of Verona, University of Padova, Hermitage Foundation Italy. Catalogue: Silvana Editoriale.

Bernardo Bellotto Veduta di Verona con Castelvecchio e il Ponte Scaligero da monte dell’Adige (Verona, Collezione della Fondazione Cariverona) View of Verona with Castelvecchio and the Scaliger Bridge (Verona, Fondazione Cariverona Collection)

26|11|2011 - 09|04|2012 Palazzo della Gran Guardia

Verona www.settecentoaverona.it

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GIUSTINO CHEMELLO Perchè tanta assenza di te non è più possibile

di Giovanna Grossato

N

on è un libro, anche se ne ha la forma. Si potrebbe forse definire “un oggetto artistico in forma di libro”. E, inoltre, apparentemente “adespoto”, cioè privo di autore. Per questo libro-opera, esiste solo il curatore, Giustino Chemello. E’ lui che, in realtà, ne è il regista, il fotografo, il collezionista di pensieri, il raccoglitore di frasi in prosa e in versi, il grafico, l’editore, il reporter, il bibliotecario, il paziente cacciatore d’immagini speciali e di parole senza contesto, che si apposta a cogliere furtivo ciò che il mondo offre e propone: nella sua avvolgente, prepotente, poetica, aspra, cinica, generosa, stupefacente, urlante realtà sia fisica che intellettuale. Giustino Chemello è, in sostanza, l’artista. Ideatore e realizzatore di un’opera che, pur nel suo definito e riconoscibile, convenzionale, aspetto fisico di libro costituisce in realtà un lavoro tendente all’infinito e aperto ad ogni possibile coniugazione di mondi possibili. In quest’opera “l’uomo è al centro” – e non come vacua definizione politichese o come proposta teologica – bensì come attore principale di idee pregne di un valore desueto la cui formula sembra oggi dimenticata e di cui persino il significato lessicale appare perduto o appartenere ad un mondo accademico, parruccone e fuori moda, che si nutre di sterile greco e latino: “Kalocagazia”, bellezza e bontà. Fa sorridere l’assonanza del termine con argomenti “scatologici” certo più correnti e anzi “di tendenza”, come si suol dire oggi a proposito di valori, di oggetti o di comportamenti che sono ampiamente diffusi e condivisi. Il Bello (Kalòs) e (kai) il Bene (Agathòs), invece, non sono di gran moda oggi e particolarmente non lo è la loro associazione, malgrado sia un frutto quasi naturale: a farci caso, la bellezza è quasi sempre di per sé, buona e “funziona” anche sul piano etico. Lo è in natura ma anche nelle manifestazioni più alte del pensiero e della creatività umana. L’armonia, “la divina armonia delle proporzioni”, come veniva definita nel 1497 dal matematico Luca Pacioli nel suo libro illustrato con disegni di Leonardo da Vinci, è verificabile in ogni elemento della natura: dal palco delle corna di un cervo ad una stella marina, dalla disposizione delle foglie attorno al ramo, fino al rapporto cromatico tra le foglie e i fiori di una stessa pianta. Le sequenze matematiche di Fibonacci sono applicabili alle pigne di una conifera come alla tela del ragno, ai pistilli e alla corolla di un fiore come al ritmo riproduttivo delle api e dei conigli, ai moti delle galassie. Con questi termini veniva indicato nella cultura degli antichi greci anche l’ideale di perfezione delle opere create dall’uomo e, per estensione, in certi casi, all’uomo stesso. La fusione dentro un’unica opera d’arte di misure che nel loro insieme fanno respirare consonanze cosmiche all’anima di chi guarda è dunque da sempre l’aspirazione di tutti i grandi (e piccoli) maestri. Armonie presenti in manufatti del passato che, tuttavia, hanno trovato radicamento anche nei secoli seguenti, vivono ancora nel mondo attuale: sia nel fare artistico, sia in chi lo contempla; ed assolvono massimamente al loro intento quando riescono a far comprendere, apprezzare e condividere il senso e il significato del lavoro dell’artista. Questa ricerca di sintonie, la volontà di coniugare immagini visive e valori semantici è aspetto importante e fondamentale della ricerca di Chemello; egli individua nelle parole (che sono segni e significati) fratellanze con le fotografie di luoghi, di architetture, di paesaggi, di figure umane e di realizzazioni artistiche antiche e recenti “ambientate”, scelte e selezionate con l’occhio attento del fotografo, del lettore attento che si è nutrito di letteratura e di filosofia , del poeta che vede e sa svelare agli altri gli aspetti magici, alla portata di ogni occhio ma visibile soltanto ad una particolare sensibilità. Chemello opera nel suo libro ad una giustapposizione tra immagini e testo. La sintesi lavora non per logica ma per effetto sinestetico, con un’inedita valenza creativa, con una combinazione lirica che a volte appare come una felice e fortuita concomitanza di eventi/pensieri ma più spesso come il perseguimento di una straordinaria serendipità. “Il titolo del mio libro, Perché tanta assenza di te non è più possibile - dice Giustino Chemello - nasce da un verso di Juan Larrea ed è un grido d’assenza rivolto alla “bellezza”, così preconfezionata ai giorni nostri, persino da molta arte contemporanea, da renderla volutamente banale. Bellezza è una parola che, come tante altre, come amore, giustizia, valore, è stata svuotata dai suoi mitici significati “fino a farne una stucchevole estranea”. Paradosso insopportabile.

Giustino Chemello

vive e lavora a Vicenza www.giustinochemello.com

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È venuta il babau e non s’è vista più. Opacità del colore, ma cristalline sono le lacrime. Tu che ieri soltanto eri tutta la bellezza sei anche tutto l’amore, adesso. Sono solo, così solo di baci.

Quanto io voglio amarti non riesco che a sognare. Ripeterlo è facile; ma dirlo ancora per la prima volta ? Nostalgia eterna, quanto poco duri!

The bogeyman came and wasn’t seen again. Opaqueness of the colour but the tears are crystalline. You who only yesterday were all beauty are also all love now. I am alone, so alone of kisses.

When I want to love you I am only able to dream. Repeating it is easy; but saying it again for the first time? Eternal nostalgia, how little it lasts!

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GIUSTINO CHEMELLO

Because so much absence of you is no longer possible

by Giovanna Grossato

I

t isn’t a book even if it has its form. It could perhaps be defined as “an artistic object in the form of a book”. And, moreover, apparently anonymous ... without an author. For this book-work there is only the editor, Giustino Chemello. In reality, he is the director, the photographer, the gatherer of thoughts, the collector of prose and verse phrases, the graphic artist, the publisher, the reporter, the librarian and the patient hunter of special images and of words without context, who sets off to furtively gather what the world offers and proposes: in its enveloping, domineering, poetic, bitter, cyclical, generous, amazing, howling reality, both physical and intellectual. In short, Giustino Chemello is the artist. The conceiver and realizer of a work which, though it has the defined and recognizable, conventional physical appearance of a book, in reality it constitutes a work that tends towards infinity and is open to every possible conjugation of possible worlds. Man is at the centre in this work – and not in some vacuous political jargon sense or as a theological proposal – but as the main generator of ideas pregnant with an unusual value whose the formula seems to be forgotten today and whose lexical meaning even seems to be lost or belong to an academic, fossilized and unfashionable world which nourishes itself with sterile Greek and Latin. “Kalokagathia”, beauty and goodness. We may smile about the assonance of the term with “scatological” subjects that are certainly more topical and even fashionable, as we say today about values, object and behaviours that are widespread and commonplace. Beauty (Kalòs), and (kai) and Goodness (Agathòs), on the other hand, are not particularly fashionable today and their association certainly isn’t, despite being almost natural: and, it should be noted, beauty is almost always good in itself and also “works” on the ethical plane. It is such in nature but also in the loftiest manifestations of human thought and creativity. Harmony “the divine harmony of proportions”, as it was defined in 1497 by the mathematician Luca Pacioli in his book illustrated with drawings by Leonardo da Vinci, can be seen in every element in nature: from a deer’s antlers to a starfish, from the arrangement of leaves around a branch to the chromatic relationship between the leaves and flowers of the same plant. Fibonacci’s mathematical sequences are applicable to the cones of conifer trees and to spiders’ webs, to the pistils and corolla of a flower, to the reproductive rhythm of bees and rabbits and to the motion of galaxies. These terms were also used in the culture of the ancient Greeks to indicate the ideal of perfection of the works created by man and, by extension, to man himself in certain cases. Their fusion within a single work of art with measurements which, taken together, breath cosmic consonances in the soul of the observer has therefore always been the aspiration of all the great (and lesser) masters. Harmonies present in artefacts from the past which, however, also became rooted in the centuries that followed and still live in the contemporary world: both in creating art and in contemplating it; any they achieve their intention to a maximum when they manage to share the sense and meaning of the artist’s work and make it comprehensible and appreciated. This pursuit of concordance, the desire to combine visual images and semantic values is the important and fundamental aspect of Chemello’s research; in words (which are signs and meanings) he identifies relationships with the photography of places, buildings, landscapes, human figures and ancient and modern “acclimatized” artistic creations, chosen and selected with the attentive eye of the photographer, of the careful reader who has nourished himself with literature and philosophy, of the poet who sees and is able to show others the magical aspects, available to the eyes of all but only visible to a particular sensibility. In his book, Chemello creates a juxtaposition of images and texts. The synthesis works not by logic but as a synaesthetic effect, with an original creative valence, with a lyrical combination that appears at times as a happy and fortuitous concomitance of events/thoughts and more often as the pursuit of an extraordinary serendipity. “My book’s title, ‘Because so much absence of you is no longer possible’, says Giustino Chemello, “springs from a verse by Juan Larrea and is a cry of absence addressed to ‘beauty’, that is so prepacked nowadays, even in contemporary art, that it is deliberately rendered banal.” Beauty is a word that, like many others such as love, justice, and value, has been drained of its mythical meanings “to the point of making it an extraneous mawkishness.” An unbearable paradox. Giustino Chemello

lives and works in Vicenza www.giustinochemello.com

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Non m’abbandonare mai nelle mie tristezze. Mi sono sforzato di essere tuo più che di questo mondo o di me stesso. Diceva: il silenzio è inaggirabile. Possiamo solo attraversarlo.

L’informe mondo dove c’è la vita. Dove tutte le attese logiche vengono deluse. Come fare per trasferire in fotografia il concetto di rima ? Le mie abitudini appartengono alla solitudine e non agli uomini, diceva. Il mondo esterno esiste come un attore su di un palco: sta lì, ma è un’altra cosa.

Never abandon me in my sadnessess. I forced myself to be yours more than of this world or of myself. He said: the silence cannot be got around. We can only pass through it.

The formless world where life is. Where all logical expectations are deluded How to transfer the concept of rhyme into a photograph? My habits belong to solitude and not to me, he said. The external world exists like an actor on a stage: stay there, but it is something else.

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Foto di | Photo by Andrea Pattaro

La Biblioteca Marciana a Venezia, uno scrigno prezioso di Valentina Sperotto

T

ra i tesori di Venezia non si può non annoverare la Biblioteca Nazionale Marciana, situata di fronte a Palazzo Ducale, scrigno in cui sono conservati oggi più di un milione di volumi. L’idea di questa biblioteca fu del Petrarca che decise di donare la propria biblioteca personale alla Repubblica Veneziana come primo nucleo di una raccolta aperta a studiosi e amanti della conoscenza. Siamo nel 1362, le pagine erano ancora di pergamena, trascritte a mano e decorate con miniature; a quell’epoca leggere era un’esperienza quasi di purificazione. Per Ugo di San Vittore (XI sec.), il libro era una medicina e le pagine scritte riportavano la luce in un mondo in cui essa era stata bandita dal peccato. Per tutto il Medioevo i libri, “sedes sapientiae” ispirata da Dio, vennero considerati come una fonte di elevazione morale per l’uomo. Su questo fronte la Biblioteca Marciana non delude con i suoi numerosi codici miniati; di fattura veneziana vi è conservato il “Missale romanum”, eseguito nel XIV ad uso della Basilica di S. Marco, mentre tra i codici provenienti da altri paesi si trova lo “Psalterium” proveniente dall’area anglofona (XIII sec.), con ventiquattro miniature a piena pagina, e l’ “Officium” della regina Maria di Navarra (XIV sec.), giunto dalla regione iberica. Il progetto di Petrarca non ebbe subito seguito: si dovette aspettare fino al 1486, anno in cui il cardinale greco Bessarione donò alla Repubblica la sua preziosa raccolta libraria che comprendeva più di mille codici latini e greci. Il doge Andrea Gritti commissionò così il progetto di una biblioteca pubblica ad uno

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dei maggiori architetti della Repubblica di Venezia del Cinquecento, Jacopo Sansovino. Costruita tra il 1537 e il 1553, la Biblioteca ospita oggi due sale museali alle quali si accede da un portale ornato da due cariatidi di A. Vittoria, autore anche delle sculture di divinità che sormontano la balaustra che poggia sul loggiato al primo piano e che si possono ammirare dalla piazzetta antistante. Per accedere alla Biblioteca si percorre una scala nobile sormontata da un soffitto a volta, decorato da rilievi a stucco sempre da Vittoria con affreschi di Battista Franco e Battista del Moro. La decorazione di questa scalinata progettata da Sansovino presenta un’iconografia complessa che si richiama al neoplatonismo secondo cui l’uomo, attraverso l’amore e la conoscenza, poteva elevarsi alla divinità. In questo processo di crescita morale l’uomo viene condizionato dai pianeti e da altri elementi del cosmo, per poi giungere, attraverso l’esercizio della virtù, alla Sapienza. Quest’ultima chiude il cammino ed è raffigurata come una donna che tiene in una mano un libro quadrato, simbolo della terra, e nell’altra un cerchio, simbolo del cielo e dell’eternità, evidente allegoria della sapienza come tramite per l’uomo di giungere a Dio. Al primo piano, dove è conservata una fedele riproduzione di una veduta di Venezia “a volo d’uccello”, opera dell’incisore Jacopo de’ Barbari (1500), si apre il Vestibolo, concepito da Sansovino come sala destinata alle lezioni di materie umanistiche rivolte ai patrizi e ai cittadini ed utilizzato, a partire dal 1587, in seguito alla donazione di statue e rilievi antichi di Giovanni Grimani, patriarca di Aquileia, come Museo Statuario. Dei duecento pezzi marmorei originari oggi non rimangono dell’antica collezione che pochi pezzi (gli altri sono conservati al Museo Archeologico di Venezia), poiché la sala fu sgomberata per volontà di Napoleone. Fortunatamente si possono ancora ammirare il soffitto, decorato da Cristoforo e Stefano Rosa (1559), e la “Sapienza” (1560) posta al centro del soffitto, dipinta da Tiziano Vecellio. Dal Vestibolo si accede al Salone, vero e proprio cuore della Biblioteca Marciana, il cui soffitto è realizzato a grottesche dorate con ventuno tondi, opera degli artisti più illustri dell’epoca tra cui Padovanino e Veronese. I temi affrontati in questa sala riguardano in particolare la vita attiva, invito ad utilizzare il sapere della biblioteca per operare concretamente per il bene pubblico. Oggi al centro del salone trovano posto due globi, uno terracqueo e uno celeste, realizzati nel 1688-89 dal cartografo ed enciclopedista Vincenzo Coronelli. Per ricreare un ambiente simile a quello delle biblioteche dell’antichità si decise di apporre alle pareti alcuni ritratti di Filosofi antichi tra cui Diogene dipinto da Tintoretto, Platone e Aristotele dipinti da Veronese, collocati a lato del portale. Fotografie di | Photos by Alessandro Benetti

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The Biblioteca Marciana in Venice, a precious jewel box by Valentina Sperotto

A

mong Venice’s treasures it is impossible not to include the Biblioteca Nazionale Marciana – the National Library of St. Mark’s – located in front of the Ducal Palace and a jewel box which holds over one million volumes today. The idea for this library came from Petrarch who decided to donate his own personal library to the Venetian Republic as the first nucleus of a collection open to scholars and lovers of wisdom. This was in 1362 when pages were still made of parchment, transcribed by hand and decorated with illuminations: in those days reading was an experience of light. For Ugo di San Vittore (XI cent.), a book was a medicine: the pages brought light into a world in which it had been banned by sin. For the entire Middle Ages, books – “sedes sapientiae” inspired by God – were considered to be a source of elevation and light for humanity. From this point of view the Biblioteca Marciana does not disappoint. It houses countless illuminated codices: the works produced in Venice include the “Missale romanum” made in the XIV century for use in St. Mark’s Basilica while the codices from other countries include the “Psalterium” from Britain (XIII cent.) with twentyfour full-page miniatures and the “Officium” of Queen Mary of Navarre (XIV cent.) from the Iberian region. Petrarch’s project was not followed through immediately: it was necessary to wait until 1468, the year in which the Greek Cardinal Basilios Bessarion donated his precious collection of books, comprising over one thousand Latin and Greek codices to the Republic. And so, the Doge Andrea Gritti commissioned the project for a public library from one of the greatest architects in the Venetian Republic in sixteenth century: Jacopo Sansovino. Erected between 1537 and 1553, today the Library includes two museum rooms to which access can be gained through a portal decorated with two caryatids by A. Vittoria who also created the sculptures of divinities that surmount the balustrade on the open first-floor gallery and which can be admired from the piazzetta in front of it. To enter the Library you ascend a noble staircase beneath a vaulted ceiling decorated with reliefs by Vittoria and frescos by Battista Franco and Battista del Moro. The iconography of this staircase designed by Sansovino is complex and recalls the Neo-Platonic idea according to which man could raise himself towards divinity through love and knowledge. In the process, the individual’s moral growth is conditioned by the planets and by other

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elements of the cosmos until Wisdom is achieved through the exercise of virtue. And it is Wisdom that closes the path and is depicted as a woman gripping a square book, symbol of the earth, in one hand and, in the other, a circle, symbol of heaven and eternity, a selfevident allegory of wisdom as the means through which man reaches God. On the first floor, where there is a faithful reproduction of a bird’s eye view of Venice by the engraver, Jacopo de’ Barbari (1500), is the Vestibule, conceived by Sansovino as a room for humanist lessons for patricians and citizens, and used from 1587 onwards as a Sculpture Museum following the donation of ancient statues and reliefs from Giovanni Grimani, patriarch of Aquileia. Of the two hundred original marble pieces, only a few pieces remain today (the others are conserved in Venice’s Archaeological Museum), as the room was cleared on Napoleon’s instructions. Fortunately it is still possible to admire the ceiling decorated by Cristoforo and Stefano Rosa (1559), and Tizian’s “Sapienza” (“Wisdom” – 1560) placed in the centre of the ceiling. The Vestibule leads in to the Salone, the great hall that is the real beating heart of the Biblioteca Marciana, with a ceiling of gilded grotesques with twenty-one tondos, the works of some of the most illustrious artists of the time including Padovanino and Veronese. In particular, the themes tackled in this room regard the active life, an invitation to use the knowledge in the library in order to work concretely for the public good. Today in the centre of the room are two globes, a terrestrial one and a celestial one, made in 1688-89 by the cartographer and encyclopaedist, Vincenzo Coronelli. With a view to recreating an environment similar to that the libraries of antiquity it was decided to adorn the walls with portraits of the ancient philosophers including Diogenes painted by Tintoretto, and Plato and Aristotle, placed at the side of the portal. BIBLIOTECA NAZIONALE MARCIANA

Piazzetta San Marco, 7 30124 Venezia http://marciana.venezia.sbn.it/

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ALESSANDR A LAZZARIS Una concretezza aleatoria

di Marcello Palminteri

I

l corpo della pittura di Alessandra Lazzaris avvolge, come una presenza fisica, il supporto dell’opera, si appropria del perimetro che gli appartiene come inchiostro versato, come lava incandescente alla conquista di un lembo di terra; una stratificazione che è sinonimo di vita in fieri: corpo, appunto, denso, pulsante. Corpo come vita, ridotta alla sua più semplice espressione. Essenziale, come l’astrazione combinatoria che è alla base del procedimento creativo di questa pittura, ora fine ed ora grossolana nel suo scorrere, lucida ed opaca insieme, raccolta come in pozzanghera oppure filamentosa. Apparentemente monocroma eppure carica di una luminosità intrinseca che ne attenua sempre una concretezza troppo evidente. Già di per sé la pratica creativa di Alessandra Lazzaris rifugge ogni staticità, accarezzando l’indeterminatezza del non finito. Se parlassimo in termini musicali potremmo dire che la sua opera si svolge come una partitura in cui, ad intervalli programmati, vi siano battute aleatorie, lasciate alla “collaborazione creativa” dell’interprete che, in questo caso, sono la chimica e il tempo; ruggine e ossidi metallici, investendo la superficie, sfuggono al controllo della mano, per vivere di vita propria, disobbedendo alle “regole” applicate dall’artista all’insieme dell’opera; sicché ciò che era orizzontale può diventare verticale costruendo di volta in volta nuove grammatiche all’interno di composizioni che sono insieme pittura, scultura, installazione, sollevando ogni oggetto da rigide classificazioni. E, tutto questo, senza trucchi, in virtù di una sincerità e di una disponibilità nei confronti della materia che testimonia della volontà di relazione col mondo. Il piacere per le variazioni dettate dall’imprevedibilità dei materiali utilizzati, la verifica costante delle disponibilità offerte, convergono in una forma abbondante di varietà e di soluzioni che stanno alla base di uno speciale equilibrio compositivo sospeso tra vero e apparente, tra casuale e

progettato, tra indefinito e deciso; dati messi ancor più in discussione quando le lamiere si fanno specchianti appropriandosi dello spazio circostante per assorbirlo, facendo abitare l’opera nella dimensione quotidiana di ciò che le sta intorno. Le ossidazioni della superficie, in questo caso, aumentano quello stato di “variazione continua” che è alla base di tutto il lavoro di Alessandra Lazzaris. E questo concetto vale come risposta ad ogni banale accusa di citazione e di palese richiamo: “nell’epoca della riproducibilità” ogni immagine, ogni forma, satura la nostra memoria e ogni riferimento ad artisti e fatti (di ieri e di oggi) è una contaminazione da cui è inutile fuggire ma da cui è utile partire. I linguaggi oscillano inesorabilmente e creano sempre nuove dimensioni e ogni opera è un territorio altro, un rinnovato contenitore di memoria che ripete all’infinito le possibilità fisiologiche del fare arte, facendo, come dicevamo all’inizio, “corpo”, smentendo ogni supposizione di morte e certificando - se mai ce ne fosse il bisogno - che la pittura non è finita ma anzi, è solo agli inizi. A tal proposito mi sembra opportuno citare alcune considerazioni annotate recentemente dall’artista: “Penso alla pittura, alla sua identità perduta, a quali sono le possibilità della sua sopravvivenza. Forse solo attraverso la sua negazione o attraverso la sua memoria e il ricordo di ciò che è stato... La memoria è l’aspetto che più mi interessa e la memoria della pittura è la matrice di questa mia ricerca nel lavoro sull’acciaio a specchio. Nel lavori sulla ruggine dipingo con gli acidi. Il pennello toglie materia, il ferro diventa ruggine e la pittura è già sedimentata sotto la lamiera. Così la definizione dell’immagine diventa una scoperta. Nello specchio si riflette l’immagine e la materia pittorica è solo di passaggio, proprio come qualunque immagine sullo specchio. Ciò che vedo è dipinto ma potrebbe anche non esserlo e svanire, dissolversi. La pittura è un’entità di passaggio ...” Procedendo con un ossimoro, potremmo dire che la concretezza aleatoria dell’opera di Alessandra Lazzaris associa alle proprietà cromatiche suggerite dai materiali utilizzati, la sorpresa dell’emersione, ottenuta dall’alchimia dei procedimenti: è la sublimazione poetica della materia che, costituendosi in opera si veste di quotidianità, arricchendosi nella ripetizione creativa e nelle coincidenze delle disponibilità poetiche a cui l’artista, giorno dopo giorno, va incontro. nell’altra pagina | on the other poge

2003 Ruggine su lamiera di ferro | Rust on iron sheet Allestimento alla Polveriera Napoleonica di Palmanova (UD) | Set-up at the Polveriera Napoleonica in Palmanova (UD) sopra | upper

Particolare | Detail

Polveri di ruggine, pigmento e smalto su acciaio a specchio | Rust dust, pigment and enamel on polished steel sotto | under

2011

Polveri di ruggine, pigmento e smalto su acciaio a specchio | Rust dust, pigment and enamel on polished stell cm. 50x150

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ALESSANDR A LAZZARIS A r andom concreteness by Marcello Palminteri

T

he corpus of the painting of Alessandra Lazzaris envelops the work’s support like a physical presence and it takes over the perimeter that belongs to it like spilt ink, like incandescent lava conquering a strip of land; a stratification which is the synonym of life in progress: body, that is, dense and beating. Body as life, reduced to its simplest expression, essential, like the combinatory abstraction which is behind the creative process of this painting, sometimes fine and sometimes rough in its flow, lucid and opaque at the same time, gathered as in a puddle, or filamentary. Apparently monochrome or charged with an intrinsic luminosity which attenuates a concreteness that it always too evident. In itself, the creative practice of Alessandra Lazzaris rejects all immobility and embraces the indeterminacy of the unfinished. Were we to speak in musical terms we could say that his work develops like a score in which there are random beats at programmed intervals, rust and metal oxides, striking the surface, fleeing from the hand’s control to live their own life, disobeying the “rules” applied by the artist to the work in its entirety. So that what was horizontal can become vertical with the construction, case by case, of new grammars in the compositions which are at once painting, sculpture and installation, removing every object from rigid classifications. All of this, without tricks, in virtue of a sincerity and openness to the materials which testify to the desire to relate to the world. The pleasure of the variations dictated by the unforeseeability of the materials used, the constant verification of the possibilities offered, converge in a form overflowing with varieties and solutions which are at the basis of a special compositional equilibrium suspended between the real and the apparent, between the random and the planned, between the unde-

nell’altra pagina | on the other page

2008

Polveri di ruggine, pigmento e smalto su acciaio a specchio Rust dust, pigment and enamel on polished stell cm. 65x45x22

2008

Polveri di ruggine, pigmento e smalto su acciaio a specchio Rust dust, pigment and enamel on polished stell cm. 65x45x22 in questa pagina | on this page

2008

Polveri di ruggine, pigmento e smalto su acciaio a specchio | Rust dust, pigment and enamel on polished steel cm. 160x30

fined and the decided; factors that are even more in discussion when the sheeting is reflective and takes over the surrounding space and absorbs it in order to make the work live in the quotidian dimension of what is around it. The oxidization of the surfaces, in this case, will increase that state of “continuous variation” which is at the basis of all the work of Alessandra Lazzaris. And this concept is valid as a response to every banal accusation of citation and manifest reference: “in the era of reproducibility” every image, every form, saturates our memory and every reference to artists and events (of yesterday and today) is a contamination from which it is useless to flee but from which it is useful to start. The languages oscillate inexorably and continuously create new dimensions and every work is another territory, a refreshed container of memories that repeats the possible physiologies to infinity and, as we said at the beginning, making a “body”, rejecting every supposition of death, and certifying – if there was ever any need – that painting is not finished but is actually only at the beginnings. In this regard it seems appropriate to me to quote some of the artist’s recent observations: “I think of painting, of its lost identity and what the possibilities for its survival are. Perhaps it is only through its negation or through its memory and the recollection of what has been done ... Memory is the aspect that interests me most and the memory of painting is the matrix of my research into work on polished steel. I paint with acids in the works on rust. The brush removes material, iron becomes rust and the painting is already sedimented under the plate. In this way the definition of the image becomes a discovery. The image is reflected in the mirror and the pictorial material is only a passage, just like any other image in the mirror. What I see is painted but could also not be, and vanish, dissolve. The painting is an entity of passage ...” Speaking as in an oxymoron, we could say that the random concreteness of the work of Alessandra Lazzaris associates the surprise of emersion, obtained from the alchemy of the procedures, with the chromatic properties suggested by the materials used: it is the poetic sublimation of the material which, as it becomes the work, dresses itself in the quotidian, enriching itself in the creative repetition and in the coincidences of the poetic availabilities that the artist encounters day after day.

GALLERIA PLURIMA

Via Valvason, 11 33100 Udine www.galleriaplurima.it

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RAFFAELLO OSSOLA Un sogno fuori dal tempo di Tazio Cirri

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a poetica del silenzio che conduce all’interno della realtà come la vediamo (o come crediamo di vederla) è forse la principale caratteristica della figurazione del pittore ticinese Raffaello Ossola. Del resto lo stesso pittore afferma la sua propensione per l’isolamento che gli permette di concentrarsi sui valori della vita e di raggiungere “panorami” interiori nascosti, la cui contemplazione gli ha regalato ricche e significative risposte ad importanti interrogativi esistenziali. “Quelle mie riflessioni – dice Ossola – mi hanno spesso proiettato fuori dallo spazio e dal tempo, in atmosfere che gli esseri umani raggiungono quando sono alla ricerca di se stessi e soprattutto quando si propongono di affrontare il proprio “buio””. La ricerca di un non-luogo, una sorta di “Fortezza della Solitudine”, dove anche il concetto di tempo perdesse il suo significato porta infatti l’Artista a considerare una intensa polarità di valori e a scoprire l’esistenza di una dialettica degli opposti in cui “ciò che era sembrato estremamente importante diventava assurdamente inutile” e dove ciò che era sembrato un “bene” mostrava improvvisamente i suoi limiti. Lo stravolgimento dei valori, l’inversione del pensiero e delle riflessioni, trovano dunque una loro traslitterazione visiva e talvolta una soluzione nella pittura. Attraverso l’arte infatti Raffaello Ossola riesce a contemplare un mondo immaginato e vagheggiato, a raggiungere la propria interiorità scoprendone la dimensione più dilatata e libera e “a rappresentare questi attimi, queste situazioni slegate dal tempo e dalla spazio e dai limiti che la vita quotidiana ci impone”.

Ecco dunque nella rappresentazione di una natura incontaminata e remota la presenza di elementi geometrici, manufatti umani il cui senso rimane arcano ed inspiegabile o di simboli che mostrano tutto il loro disorientante straniamento dal contesto. Vasche che accolgono l’acqua si trasformano in finestre che si affacciano su un cielo capovolto. Alberi radicati in dense nuvole e intrappolati in improbabili contenitori trasparenti dalle strane e rigorose configurazioni angolari. Un germano reale vola all’interno di scatole che contengono il cielo - diversi tipi di cielo in diversi momenti -, pur mantenendo costante la rotta di volo. Quel volo, così determinato e sicuro rispetto alla propria meta, potrebbe essere la metafora del percorso dell’Artista, attraverso le problematicità e i dubbi. Ma c’è anche una componente estetica assai pregnante nei dipinti di Ossola; la capacità di creare ambienti magici dove lo spazio si dilata all’infinito e le prospettive euclidee che contengono natura, elementi architettonici o figure assumono parametri irrituali e inattesi; dove antichi sarcofagi, forse residui di civiltà stellari, si schiudono sull’infinito o sulla chioma di un albero. Il “sopra”, il “sotto”, il “dentro”, il “fuori” perdono del tutto il loro significato convenzionale e attraversano l’anima di chi guarda con intensa e misteriosa richiesta d’attenzione. Raffaello Ossola è abilissimo narratore capace di creare attraverso i suoi quadri efficaci sinestesie. Una pratica pittorica solo apparentemente facile, in realtà perseguita attraverso lo studio e l’esercizio di più di un trentennio. Dopo una prima formazione alla scuola d’arte di Lugano, Ossola (che è nato nel 1954 a Locarno, capoluogo dell’omonimo distretto svizzero) si propone già nel 1978 al pubblico con una prima personale alla Galleria Centro Design di Lugano, mentre ancora sta elaborando un percorso di tipo informale. Trasferitosi dal 1990 a Como, viene definendo una sua particolarissima figuratività che è divenuta la cifra riconoscibile della sua arte, premiata da un sempre crescente successo, e dove la natura e la riflessione interiore intrecciano

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Spazio temporale 2011

Acrilico su tela | Acrylic on canvas cm. 120x100 in questa pagina | on this page

Sguardo nell’anima 2010

Acrilico su tela | Acrylic on canvas cm. 80x70

Attraverso la luce (dittico) 2011

Acrilico su tela | Acrylic on canvas cm. 120x200

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intensamente i loro motivi. I suoi frequenti viaggi negli Stati Uniti, in Europa, particolarmente in Italia e in Grecia, e in Medio Oriente offrono da anni un ricco nutrimento alla sua ricerca non solo pittorica ma anche filosofico-conoscitiva e gli permettono anche di seguire una ricca attività espositiva che lo vede presente in numerose collezioni permanenti e in personali allestite in spazi pubblici e in gallerie private di tutto il mondo. Una dimensione particolare occupa l’attività “scultorea” di Raffaello Ossola, nell’originale repertorio delle “dream boxes”, scatole in legno costruite a mano con altissima artigianalità da selezionati creativi e collaboratori dell’artista, sul coperchio delle quali Ossola opera un intervento pittorico che le rende di fatto opere d’artista di piccolo formato.

Equilibrio 2006

Acrilico su tela | Acrylic on canvas cm. 120x100

RAFFAELLO OSSOLA A dream outside time by Tazio Cirri

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he poetry of silence that leads into reality as we see it (or as we believe we see it) is perhaps the main feature of the work of the Ticino painter, Raffaello Ossola. In any case the artist himself declares his love of isolation that allows him to concentrate on the values of life and to reach hidden interior “panoramas”, the contemplation of which provides us with rich and significant answers to important existential questions. “Those reflections of mine,” says Ossola, “have often projected me out of space and time into atmospheres that human beings reach when they are seeking themselves and especially when they aim to tackle their own ‘darkness’.” This is because the search for a non-place, a sort of “Fortress of Solitude” where even the concept of time loses its meaning, leads the Artist to consider an intense polarity of values and to discover the existence of a dialect of opposites in which “what seemed extremely important became absurdly useless” and where what seemed to be a “good” suddenly revealed its limits. The overturning of values, the inversion of thought and of reflections, therefore find a visual transliteration of themselves and sometimes a solution in painting. Through art, in fact, Raffaello Ossola manages to contemplate an imagined and yearned for world, in order to reach his own interiority and discover its most expanded and freest dimension and “to represent these moments, these situations Tempo 2 2010

Acrilico su tela | Acrylic on canvas cm. 70x100

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set free from time and space and from the limits that daily life imposes.” Hence in the representation of the uncontaminated and remote nature of the presence of geometrical elements, are human artefacts whose sense remains arcane and inexplicable or symbols which show all their disorientating alienation from the context. Tanks that collect water are transformed into windows facing an overturned sky. Trees rooted in dense clouds and trapped in improbably transparent containers with strange rigorous angular configurations. A wild duck flies inside boxes that contain the sky – different types of sky in different moments – while maintaining the constancy of its flight path. That flight, so determined and secure with regard to its destination, could be a metaphor of the artist’s path through perplexity and doubt. But there is also quite a pregnant aesthetic component in Ossola’s paintings; the ability to create magical environments where space is dilated towards infinity and the Euclidean perspectives that contain nature, architectural elements or figures, assume informal and unexpected parameters; where ancient sarcophagi, residues perhaps of stellar civilizations, unclose towards infinity or the foliage of a tree. The “above”, the “below”, the “inside” and the “outside” completely lose their conventional meaning and pass through the observer’s soul with an intense and mysterious request for attention. Raffaello Ossola is a highly skilled narrator who is capable of creating powerful synaesthestic effects in his paintings. His pictorial approach is only simple in appearance and in reality is achieved through over thirty years’ study and practice. After initial training in the school of art of Lugano, Ossola (who was born in Locarno in 1954, capital of the Swiss district with the same name) was already proposing himself to the public in 1978 with his first oneman show in Lugano’s Galleria Centro Design, while he was still elaborating a path of the informal type. Since moving to Como in 1990, he has been defining his own very particular representationalism which has become the recognizable hallmark of his art, rewarded by success that continues to grow, and where nature and interior reflection intensely interweave their motifs. For years, his frequent trips in the United States, in Europe, particularly in Italy and Greece, and in the Middle East have been providing rich nourishment for his research – non just pictorial but also philosophical-cognitive – and also permit his intense exhibitive activity with his presence in countless permanent and personal collections staged in public spaces and private galleries all over the world. Particular space is occupied by Raffaello Ossola “sculptural” activity, in the original repertoire of the “dream boxes”, handmade wooden boxes made with the greatest skill by craftsmen and collaborators selected by the artist, on whose lids Ossola intervenes pictorially in order to turn them into small-format artistic works.

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Viaggio nel pensiero 2009 Acrilico su tela | Acrylic on canvas cm. 120x100 sotto | under

SPAZIO ANNA BREDA

Via San Francesco, 35 35121 Padova www.spazioannabreda.com [email protected]

Tempo sospeso 3 2006

Acrilico su tela | Acrylic on canvas cm. 110x100

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STEPHAN GUILLAIS di Giuseppe Giovanni Blando

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a scelta di dipingere e dedicarsi alla pittura non comporta per Stephan Guillais una rinuncia alla sperimentazione o alla ricerca, ma l’esaltazione di una visione che possa corrispondere, attraverso la materialità del colore e l’incisività del segno, ad un‘esperienza della realtà vissuta a partire dalla percezione sensoriale. Stephan Guillais, di origine francese, da tempo vive e lavora in Spagna, a Barcellona, ma calca la scena artistica europea, spesso, guardando anche allo scenario del sistema dell’arte contemporanea in Italia. L’artista espone a Rovigo dal 5/11/2011 al 7/1/2012, presso la Galleria Il Melone Arte Contemporanea, diretta da Donatella De Marchi e Gianni Cagnoni, attenti alla promozione di giovani talenti, non rinunciando, allo stesso tempo, all’esposizione di opere che possano coniugare la modernità ad una conoscenza tecnica pittorica non sottomessa alla ripetizione di icone visive già viste, per trasmettere il valore di un’originalità che caratterizza il percorso artistico intrapreso. L’artista ha elaborato un suo personale modo di intendere il rapporto con la pittura: “Non ho paura della teoria e dell’analisi, la pittura vuole, o, dovrebbe parlare e, se lo fa, dovremmo trovarci di fronte ad un‘immagine che ci fa agitare dentro”. La pittura corrisponde ad una attrazione verso l’immagine, raggiunta secondo principi classici di imitazione della natura, con una capacità di interpretazione dello spazio e della forma che riflette una sensibilità contemporanea per sintesi e forza espressiva. La scelta del mezzo artistico diventa medium di comunicazione, consono alla creazione di un’immagine che possa essere sentita come corrispondente alla realtà nella cruda verità e nella concretezza. L’evidenza immediata delle immagini è assegnata alla forza espressiva e plastica del corpo umano, descritto con un’attenzione verso l’anatomia, tradotta non in maniera analitica, ma con una capacità di sintesi formale che assegna unitarietà e morbidezza alle parti del corpo raffigurato con la sua plasticità e possibilità di mutamento nello spazio. I corpi sono, soprattutto, femminili, spesso, percorsi da flussi di colore che rendono il respiro vitale che attraversa la materia carnale. Le pose non sono mai uguali, ed il corpo della donna è visto in prospettive differenti, mediante una rappresentazione di pose di un movimento, colto in un attimo di stasi che in maniera voluttuosa si concede alla volontà dell’artista di fermare il tempo, per fissare momenti di rivelazione estatica della bellezza. L’eros vibra nel corpo e si manifesta come invito ad uno sguardo voyeuristico che possa osservare da lontano quanto è oggetto del desiderio, provocando una tensione emotiva. Il corpo è un insieme di forme che abitano l’ambiente intorno, un

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elemento che connota un senso dello spazio vissuto, e l’analisi della dimensione corporea permette di compiere una riflessione sulle forme del corpo e sulla intrinseca predisposizione ad essere struttura di una rappresentazione. La bellezza del corpo suscita un’attrazione sessuale, una vibrazione che non è creata attraverso un esercizio di stile o una manifestazione estetica edulcorata, ma seguendo l’energia di un magnetismo verso la vita avvertita nella sua viscerale concretezza fisica. La tecnica utilizzata prevede l’uso di vecchie tavole come supporto, sulla superficie vengono stesi strati di colore che si addensano e raggrumano, poi l’artista interviene incidendo e delineando la figura umana che sembra scolpita nel colore. Il corpo è evidenziato da un fascio di linee che lo attraversano, dando rilievo e concretezza all’immagine che acquista consistenza, costituendo attraverso valori tattili il senso di un’esperienza sensoriale che possa essere vissuta mediante la forza diretta del toccare, oltre che del vedere. La potenza dell’immagine e la forza del colore rendono la pittura di Guillais molto vicina alle manifestazioni dell’Espressionismo europeo, in particolare ai cromatismi accesi dei Fauves che hanno trasmesso l’energia e l‘impeto dell’esistere, mentre il rigore delle forme e delle linee si relaziona alle manifestazioni artistiche del primo Rinascimento. Gli esseri umani di Guillais comunicano il fascino di una nobiltà selvaggia, vissuta attraverso il senso di un piacere di vivere che si situa in una dimensione naturale ed edenica, come in uno stato primitivo, in cui un senso di soddisfazione è insito nel sentirsi vivere sotto la pelle.

Untitled 2010

Mista su pannello Mixed on panel cm. 160x48,5

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Le Malade Imaginaire - Ikonen 2008

Mista su tavola | Mixed on panel cm. 158x66 a fianco | next

Hommage à R. Dufy 2009

Mista su tavola | Mixed on panel cm. 60x81,5

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STEPHAN GUILLAIS by Giuseppe Giovanni Blando

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or Stephan Guillais, the decision to paint and dedicate himself to painting did not constitute a renunciation of experimentation or research, but the exaltation of a vision that could correspond to an experience of reality lived starting from sensorial perception through the materiality of the colour and the incisiveness of the stroke. Of French origin, Stephan Guillais has been working and living in Barcelona in Spain for some time but treads the European artistic scene, while often observing the scenario of the contemporary art system in Italy. The artist is exhibiting in Rovigo from 5/11/2011 to 7/1/2012 in Galleria Il Melone Arte Contemporanea, run by Donatella De Marchi and Gianni Cagnoni. This Gallery is attentive to the promotion of young talents while, at the same time, exhibiting works that can combine modernity with a pictorial technical knowledge that is not subject to the repetition of visual icons that have already been seen, in order to transmit the value of an originality that characterizes the artistic path undertaken.

The artist has elaborated his own personal way of understanding his relationship with painting: “I am not afraid of the theories and analysis that painting wants to or should speak of, and if it does so we should find ourselves looking at an ‘image that agitates us within’.” His painting corresponds to an attraction towards the image, achieved according to classic principles of imitation of nature, with an ability for interpreting space and form that reflects a contemporary sensitivity for synthesis and expressive force. The choice of the artistic medium becomes the means of communication, in keeping with the creation of an image that can be felt to correspond to the raw truth and concreteness of reality. The immediate evidence of the images is assigned to the expressive and plastic power of the human body, described with attention towards anatomy, translated not in an analytical manner, but with a capacity for formal synthesis which assigns oneness and softness to the body parts depicted with their plasticity and possibilities for mutation in space. The bodies are female above all, often traversed by flows of colour that render the vital breath that passes through carnal matter. The poses are never identical and the woman’s body is seen from different perspectives by means of a representation of the poses of a movement, grasped in a moment of stasis in a voluptuous manner that gives in to the artist’s desire to stop time, to fix moments of ecstatic revelation of beauty. Eros vibrates in the body and manifests itself as an invitation to a voyeuristic gaze that can observe from afar the extent to which it 52

is the object of desire, and provoke an emotional tension. The body is a complex of forms that inhabit the surrounding environment, an element that denotes a sense of the lived-in space, and the analysis of the corporeal dimension makes it possible to reflect on the forms of the body and on the intrinsic predisposition towards being the structure of a representation. The beauty of the body arouses a sexual attraction, a vibration that is not created through an exercise in style or a sweetened aesthetic manifestation, but follows the energy of a vital magnetism that can be sensed in its visceral physical concreteness. The technique employed envisages the use of small panels as a support, layers of paint that become dense and clot are spread on the surface, and then the artist intervenes by cutting in and delineating the human figure that appears to be sculpted in the colour. The body is highlighted by a band of lines that pass through it, giving relief and concreteness to the image which thereby acquires consistency and, through tactile values, constitutes the sense of a sensorial experience that can be experienced through the direct force of touching, as well as of seeing. The power of the image and the force of the colour link the painting of Guillais very closely to manifestations of European Expressionism, in particular the bright chromatics of the Fauves who transmitted energy and impetus into existing, while the rigour of the forms and of the lines relates to the artistic output of the early Renaissance. Guillais’s human beings communicate the attraction of a noble savage, experienced through the sense of a love of living that is located in a natural and Eden-like dimension, as in a primitive state, in which a sense of satisfaction is inherent in feeling ourselves alive under the skin. nell’altra pagina sopra | on the upper other page

Untitled Serie Imperium Karnaval 2008 Mista su tela | Mixed on panel cm. 195x130

nell’altra pagina sotto | on the under other page

Sleeping summer 2010

Mista su pannello | Mixed on panel cm. 100x65 sopra | upper

Untitled 2005

Mista su tavola | Mixed on panel cm. 51,5x58,5 a fianco | next

Untitled ikonen 2008

Mista su tavola | Mixed on panel cm. 46,5x49

05|11|2011 - 07|01|2012 GALLERIA IL MELONE ARTE CONTEMPORANEA

Via Oberdan, 25/31 45100 Rovigo Tel. +39 0425 30811 www.galleriailmelone.com [email protected]

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ALESSIO TASCA Forme estruse

di Anna Livia Friel

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e opere di Alessio Tasca suggeriscono, nelle loro posture severe, una perfetta consapevolezza del rapporto tra forme, dimensioni, consistenze. Si fanno loro stesse ambasciatrici della scoperta di un linguaggio, dimostrano, con compiuta lucidità, la validità di una dialettica instaurata tra trasparenza e opacità, durezza e malleabilità, geometria e morbidezza; quasi non scaturissero da un impeto creativo ma piuttosto da un dibattito compositivo con la materia, a suon di aggiustamenti plastici ed espedienti tecnici. Alessio Tasca è un artefice che doma la sua terra, taglia, attraversa, ammorbidisce e cuoce per intrappolare le forme nella stabilità della cottura; non è succube del suo mezzo, non rimane invischiato nell’atto della creazione, ma gestisce con maestria le regole del duello. Nato a Nove nel 1929, Tasca si nutre sin da subito dell’ambiente coroplasta in questo lembo della provincia vicentina, prima nella Scuola d’arte per Ceramica dove i suoi maestri sono Giovanni Petucco e Andrea Parini, poi a Venezia e a Firenze dove termina i suoi studi. Tornato a Nove alla fine degli anni ’40 apre con i fratelli il laboratorio Tasca Artigiani Ceramisti, dove si applica alla realizzazione di una serie di modelli ispirati alla tradizione novese. Vista la scarsa fortuna di questa produzione, egli si metterà all’opera su ceramiche più “moderne” e comincerà la sua personale ricerca formale. Questo periodo coincide con l’innovativo fermento del design italiano che, ansioso di approfondire questioni stilistiche e funzionali, abbraccerà con entusiasmo discipline artistiche e artigianali confondendo quello che al giorno d’oggi è oramai del tutto offuscato limite tra design e arte. L’ideazione del metodo ad estrusione seguito dalla messa a punto di un’apposita trafila, dà il via alla prima serie di ceramiche estruse che con le loro forme geometriche diventano nel 1969 copertina della rivista di design “Ottagono” sotto forma di Chiocciole e all’inizio degli anni 70 attirano l’attenzione in occasione della XIV Triennale di Milano. I Bivasi e i Moduli, prodotti attraverso l’utilizzo meccanico della trafila, soddisfano un’idea di serialità che è propria del disegno industriale ed insieme ai servizi da caffè e da grappa, realizzati nei primissimi anni ‘70, costituiscono i pezzi funzionali che cavalcano il passaggio tra prodotto artigianale ed emancipazione stilistica dalle lavorazioni tradizionali. L’evoluzione del prodotto o dell’opera, a questo punto, avanza parallelamente con il perfezionamento della macchina attraverso la quale passa la terra. Il lavoro di Alessio Tasca infatti è duplice tanto del punto di vista intellettuale quanto in fase di esecuzione: l’aggiustamento della trafila, oggetto che, nelle mani sapienti dell’artista, educa la materia, viene associato ad un processo di manipolazione, che con ancora maggiore accortezza del primo definisce e piega le forme. A vederlo all’opera, si capisce che Tasca è un Maestro: talvolta bastano 54

pochi passaggi di filo d’acciaio per definire la sorte –irrevocabile- delle fette di gres che si separano dalla loro matrice, foglie morte. A metà degli anni ‘70 inizia a produrre le prime sculture di grandi dimensioni: le ampie Sfere trovano la loro genesi in estrusioni a griglia con sezione circolare e determinano un allontanamento decisivo dai riferimenti tradizionali, aprendo invece la strada ad una ricerca scultorea sempre più consapevole. L’affinamento della tecnica di trafilatura porta alla realizzazione nel 1991 della Mura opera realizzata in una sessantina di pannelli per rivestire parte della fabbrica “Antonibon” di Nove. Lontanissime dalle geometrie delle grandi sculture - che comunque non raggiungono mai un vero livello di astrazione per via della loro intrascurabile matericità- le tavelle della Mura si fanno pagine di racconti disegnati dove l’artista ritaglia scene legate ad un immaginario locale ben riconoscibile e tenuto insieme da una poetica narrativa di grande efficacia. Della stessa delicatezza sono dotate le formelle realizzate dall’artista 15 anni più tardi per riprodurre il Ciclo dei mesi degli affreschi di Torre Aquila a Trento: striate dei colori della terra non abbandonano la ruvidità delle imponenti estrusioni, raccontano solo un’altra storia. Alessio Tasca nel suo laboratorio di Rivarotta raccoglie la testimonianza di tanti anni di ceramica. Formelle figurate e sculture informali, opere storiche e recentissime, raccontano il percorso creativo dell’artista nella secentesca Fabbrica di Cristalline da lui restaurata assieme alla compagna scultrice Lee Babel , che non solo custodisce oggi molti suoi lavori ma anche importanti reperti dell’intera tradizione locale. Alessio Tasca

vive e lavora a Nove (VI)

ALESSIO TASCA EXTRUDED FORMS

by Anna Livia Friel

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ith their severe postures, Alessio Tasca’s works suggest a perfect awareness of the relationship between forms, dimensions and consistencies. They make themselves ambassadors for a language and, with their consummate lucidity, demonstrate the validity of a dialectic established between transparency and opaqueness, hardness and malleability, geometry and softness. It is almost as if they do not spring from a creative impetus but rather from a compositional debate with matter, with the accompaniment of plastic adjustments and technical expedients. Alessio Tasca is a craftsman who dominates his clay which he cuts, penetrates, softens and fires in order to entrap the forms in fired stability: he is not a succubus of his medium, he does not remain stuck in the act of creation but manages the rules of the duel with mastery. Born in Nove in 1929, Tasca nourished himself right away on the ceramics environment in that strip of the Vicenza Province, initially at the Ceramics Art School where his teachers included Giovanni Petucco and Andrea Parini, and then in Venice and Florence where he completed his studies. Upon his return to Nove at the end of the forties he opened the Tasca Artigiani Ceramisti workshop with his brothers and set about producing a series of models inspired by the Nove tradition, but following the lack of success of the output, he started work on more “modern” pieces and began his personal formal research. This period coincided with the innovative ferment in Italian design which, anxious to investigate stylistic and functional questions, enthusiastically embraced artistic and artisan disciplines and muddies what today is the totally obscured boundary between art and design. The idea of the extrusion method followed by the development of a special die gave life to the first series of extruded ceramics that with their geometrical forms reached the cover of the design magazine, “Ottagono”, in 1969 in the form of Chiocciole (“Shells”) and at the beginning of the 70 attracted attention on the occasion of the XIV Milan Triennale. The Bivasi (‘Bivases’) and the Moduli (‘Modules’) produced using the mechanics of the die, reflect a batch production concept that is specific to industrial design, and together with his coffee and grappa sets, produced in the early seventies, they constitute the functional pieces that straddle the passage between the artisan product and the stylistic emancipation of traditional working approaches. At that point the evolution of the product or of the work advances 56

in parallel with the perfection of the machine through which the clay passes. The work of Alessio Tasca is twofold, in fact, both from the intellectual standpoint and as regards the execution stage: the adjustment of the die, the object which in the artist’s skilful hands educates the material, is associated with the manipulation process which defines and bends the forms with even greater adroitness than the former. When you see him at work you can see that Tasca is a Master: sometimes just a few passes of the steel wire are sufficient for defining the irrevocable destiny of the slices of porcelain stone which separate themselves from the die: dead leaves. In the middle seventies he began to produce the first large-scale sculptures: the genesis of the ample Sfere (‘Spheres’) can be found in grille-type extrusions with circular sections and lead to a decisive departure from the traditional references, and instead opened the way to increasingly deliberate sculptural research. The refinement of the drawing technique lead to the realization in 1991 of the Mura (‘Wall’), a work consisting of around seventy panels for facing part of the “Antonibon” factory in Nove. Far from the geometries of large sculptures – which in any case never reach a real level of abstraction because of their considerable materiality – the panels of Mura are parts of a modelled story in which the artist cuts out scenes linked to quite recognizable local lore, held together by a highly effective narrative. The same delicacy can be found in the panels made by the artist 15 years later to reproduce the Cycle of the months of the frescos of Torre Aquila in Trento: streaked with the colours of the earth, they never abandon the roughness of the imposing extrusions and only recount another story. Alessio Tasca collects the evidence of his many years in ceramics in his Rivarotta workshop. Illustrated panels and informal sculptures, old and very recent works, tell the story of the artist’s creative path in the seventeenthcentury Fabbrica di Cristalline restored by him along with his partner, the sculptor Lee Babel, which not only houses many of his works today but also important finds from the entire local tradition.

Galleria Nera | Black Gallery

Larghezza 10,05 metri | width 10,05 Lunghezza 280,31 metri | length 280,31 Altezza 6,45 metri | height 6,45 Area 2.817,11 metri quadrati | Surface area 2.817,11 square

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Galleria Bianca | White Gallery

Larghezza 10,20 metri | width 10,20 Lunghezza 290,26 metri | length 290,26 Altezza 6,36 metri | height 6,36 Area 2.960,65 metri quadrati | Surface area 2.960,65 square

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Alessio Tasca

lives and works in Nove (VI)

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Galleria Giorgio Franchetti alla Ca’ d’Oro Venezia

Nel bicentenario della nascita di Canova (17571957), Carlo Scarpa ebbe l’incarico di progettare l’ampliamento della Gipsoteca di Possagno. I lavori presero avvio nel gennaio 1957 e si conclusero un anno e mezzo dopo: disegni in cantiere se ne videro pochi,erano più che altro schizzi: Scarpa era dotato di un estro inventivo velocissimo, talora lasciava detto a voce, a qualche operaio del cantiere, il mutamento di particolari costruttivi. Poi poteva cambiare ancora parere e faceva fermare il lavoro solo per ridefinire una cornice o ripensare uno sporto. Non fu facile per Scarpa concludere il lavoro: la Soprintendenza pretendeva la scrupolosa osservanza del progetto e dei tempi mentre la comunità possagnese era incuriosita dalla strana costruzione con finestre agli angoli del tetto e con pareti fatte solo di cristallo dalle quali “pioveva” una luce candida e diretta sui gessi. Costruzione unica, geniale quella di Possagno: Scarpa ha voluto “ritagliare l’azzurro del cielo” per “far entrare in Gipsoteca le colline di Asolo”; ha saputo valorizzare i capolavori assoluti di Canova nello sfondo verde e dolcissimo dei campi, dei broli, delle colline, della rocca che a meridione di Possagno creano una cornice paesaggistica unica al mondo.

Acquistato dal nobile Marino Contarini nel 1412, che avviò subito i lavori che lo resero talmente splendido da assumere il nome di Ca’d’Oro, l’edificio gotico ebbe nei secoli molte vicissitudini, sino al 1894, quando divenne proprietà del barone Giorgio Franchetti, che lo restaurò radicalmente per farne la sede delle sue collezioni d’arte. Alla sua morte il barone donò il palazzo e le collezioni allo Stato Italiano, a condizione che venisse acquisito e collegato alla Ca’d’Oro l’annesso Palazzo Duodo. Dalla sua riapertura nel 1986, dopo un lungo restauro che ha consentito di inserire moderni servizi museali, sono visibili le collezioni del barone, a cominciare dal celebre San Sebastiano di Andrea Mantegna, e dedicate a dipinti di scuola veneziana e toscana, bronzetti rinascimentali, frammenti marmorei e di affreschi (tra i quali quelli di Tiziano) provenienti da antichi palazzi veneziani, tappeti ed arazzi, in particolare fiamminghi, integrati dai dipinti di scuola fiamminga, provenienti dalle Gallerie dell’Accademia. Nell’annessa Ca’Duodo è visibile un’importante raccolta di ceramiche rinascimentali provenienti dalla zona lagunare.

Da vedere | To see

Museo Canova Possagno (TV)

Carlo Scarpa was commissioned to design the extension of the Possagno plaster-cast gallery in Possagno on the bicentenary of Canova’s birth (1757-1957). The work started in January 1957 and was completed a year and a half later. Very few drawings were seen on site and what were produced were little more than sketches: Scarpa was endowed with a very rapid imagination and sometimes just told some site labourer to change a construction detail. Then sometimes he might change his mind and stop the work only so that he could redefine a cornice or projection. It was not easy for Scarpa to complete the work: the Authorities demanded the scrupulous compliance of the project while the people of Possagno were curious about the strange building with windows at the corners of the roof and with walls made only of glass from which a crystalline light “rained” on the exhibits. The Possagno building is genial and unique: Scarpa wanted to “cut the blue of the sky” to “let the hills of Asolo enter Gallery”; he knew how to showcase Canova’s absolute masterpieces at their best in the sweet green background of the fields, gardens, hills and the rock which create a natural frame south of Possagno that cannot be equalled anywhere in the world.

Museo Canova - Fondazione Canova onlus Via Canova, 74 31054 Possagno (TV) Tel. +39 0423 544323 www.museocanova.it

Purchased in 1412 by the nobleman, Marino Contarini, who immediately started the work which rendered it so splendid that it acquired the name “Ca’d’Oro” or “House of Gold”, this Gothic building experienced a great many vicissitudes up until 1894 when it became the property of Barone Giorgio Franchetti, who restored it radically to make it the home of his art collections. On his death the baron donated the building and its collections to the Italian state on condition that the adjacent Palazzo Duodo be purchased and connected to the Ca’d’Oro. Since its 1986 reopening after lengthy restoration work that permitted the inclusion of modern museum services, it has been possible to view the baron’s collections – starting from the renowned St. Sebastian by Andrea Mantegna. There are paintings from the Venetian and Tuscan schools, Renaissance bronzes, fragments of marbles and frescos (including Titian’s) from old Venetian palazzi, carpets and tapestries, especially Flemish ones, integrated by paintings from the Flemish school brought from the Gallerie dell’Accademia. An important collection of Renaissance ceramics from the Venetian lagoon area is housed in the adjacent Ca’Duodo.

Galleria Giorgio Franchetti alla Ca’ d’Oro Cannaregio 3932 (Strada Nuova) 30121 Venezia [email protected] www.cadoro.org

Castello del Buonconsiglio Trento

Museo di Castelvecchio Verona

Il Museo del Buonconsiglio si  articola sul territorio in quattro sedi: il Castello del Buonconsiglio, Castel Beseno, il più grande complesso fortificato della Valle dell’Adige   che ospita raccolte di armi antiche, Castel Stenico   l’antico maniero nelle Giudicarie, scrigno di raccolte dedicate all’artigianato e il magnifico Castel Thun in Val di Non che è stato  inaugurato il 17 aprile del 2010.   Sede dei principi vescovi fin dal 1255, il Castello del Buonconsiglio di Trento è il più importante monumento storico-artistico della regione. All’antica fortezza medioevale, Castelvecchio, ingentilita da una raffinata loggia, si aggiunse nel Cinquecento il Magno Palazzo, una delle  più sontuose residenze rinascimentali   d’Italia. Gli ambienti sono decorati con splendidi affreschi di  Girolamo Romanino, Dosso Dossi, Fogolino e stucchi di Zaccaria Zacchi.  Torre Aquila custodisce il celebre  “Ciclo dei Mesi” , una delle più importanti testimonianze del gotico internazionale  realizzato nel 1400 dal  pittore boemo Venceslao. Nelle sale del primo piano di Castelvecchio si trova la sezione archeologica, tre ambienti che illustrano la Preistoria, la Romanità e l’Alto Medioevo, mentre nelle sale rinascimentali sono esposti pregevoli dipinti, bronzetti, sculture in legno.

Il museo di Castelvecchio è dal 1926 sede delle collezioni d’arte del Comune di Verona. Il restauro e riallestimento realizzato dall’architetto Carlo Scarpa, ha fatto del castello una sede esemplare per l’esposizione delle collezioni civiche . Il nucleo iniziale delle collezioni consiste in circa duecento opere di antica proprietà comunale ed ecclesiastica che il pittore Saverio Dalla Rosa salvò dalle demaniazioni napoleoniche. La prima importante donazione di dipinti privati ,dei conti Pompei, portò anche il bel palazzo alla Vittoria, opera cinquecentesca di Michele Sanmicheli, che offrì la prima sede al Museo veronese. Accanto alle raccolte Pompei si aggiunsero negli anni quelle di Cesare Bernasconi, Andrea Monga, Orti Manara, Lazise-Gazzola, il ripostiglio numismatico della Venèra, le collezioni Alessandri, Buri, Antonio Pompei, Camploy, Zannoni, Grossule, Balladoro, Messedaglia, Canossa, Da Prato, Forti, Dall’Oca. Più di recente sono intervenuti i lasciti e doni Gazzola (1956) e Cuppini (1992), fino ai recentissimi Sirena, Prati, Dal Forno, Romanin Jacur, Dorio, Vettore, Gallo, nonché gli acquisti dell’Associazione Amici di Castelvecchio e dei Civici Musei d’Arte di Verona, della Banca Popolare e della Fondazione Cariverona. Il museo vanta i più importanti esponenti della scuola pittorica veronese nonché alcuni dei maggiori pittori italiani come Andrea Mantegna, veneziani e veneti.

The Buonconsiglio Museum is divided into four separate venues: Castello del Buonconsiglio itself, Castel Beseno, the largest fortified complex in the Adige valley and housing the collection of antique weapons, Castel Stenico, the old residence of the Giudicarie, where the crafts collections are displayed, and the magnificent Castel Thun in Val di Non which was inaugurated on 17 April, 2010. Seat of bishop-princes since 1255, Trento’s Castello del Buonconsiglio is the most important historical-artistic monument in the region. The old medieval fort, Castelvecchio, refined by an elegant loggia, was added to in the sixteenth century by the Magno Palazzo, one of the most sumptuous Renaissance residences in Italy. The rooms are decorated with splendid frescos by Girolamo Romanino, Dosso Dossi and Fogolino and with stuccos by Zaccaria Zacchi.  Torre Aquila houses the renowned “Cycle of the Months”, one of the most importance examples of International Gothic and created in 1400 by the Bohemian painter, Wenceslas. The first-floor rooms of the Castelvecchio contain the archaeological division, three sections that illustrate Prehistory, the Roman Ages and the High Middle Ages, while admirable paintings, bronzes and wooden sculptures are on display in the Renaissance rooms.

Castello del Buonconsiglio Via Bernardo Clesio, 5 38122 - Trento Tel. +39 0461 233770 www.buonconsiglio.it

The Castelvecchio museum has been the home of Verona’s city art collections since 1926. The restoration and rearrangement carried out by the architect, Carlo Scarpa, have turned the castle into an exemplary structure for exhibiting the municipal collections. The initial nucleus of the collections consists of about two hundred works which have long belonged to the town and the church and which the painter, Saverio Dalla Rosa, saved from Napoleonic ownership. The first important donation of privately-owned paintings, belonging to the noble Pompei family, also included the lovely Vittoria palazzo, a sixteenthcentury work which became Sergio Benaglia the first seat of the Veronese museum. The Pompei collections were joined over the years by those of Cesare Bernasconi, Andrea Monga, Orti Manara, Lazise-Gazzola, Alessandri, Buri, Antonio Pompei, Camploy, Zannoni, Grossule, Balladoro, Messedaglia, Canossa, Da Prato, Forti, and Dall’Oca as well as the Venèra numismatic collection. More recently came the bequests and donations of Gazzola (1956) and Cuppini (1992), and the very recent ones from Sirena, Prati, Dal Forno, Romanin Jacur, Dorio, Vettore, and Gallo, as well as the purchases of the Associazione Amici di Castelvecchio and of the Verona art museums, the Banca Popolare and the Cariverona foundation. The museum features the most important exponents of the Veronese pictorial school and some of the greatest Italian, Venetian and Veneto artists including Andrea Mantegna.

Museo di Castelvecchio

Corso Castelvecchio, 2 37122 - Verona Tel. +39 045 8062611 [email protected] www.comune.verona.it/castelvecchio/cvsito

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Pinacoteca Civica di Palazzo Chiericati Vicenza

Fondazione Galleria Civica Trento

Dal 1855 sede storica del Museo civico, Palazzo Chiericati ospita oggi le raccolte comunali di dipinti, sculture e arti applicate dal XIII al XVIII secolo. Capolavoro della prima maturità del Palladio e progettato per Gerolamo Chiericati nel 1550, il grandioso edificio è stato completato alla fine del secolo XVII. Il Comune di Vicenza lo acquisì nel 1839 dalla nobile famiglia dei Chiericati, con l’intenzione di raccogliervi le civiche collezioni d’arte. Il Museo conserva al suo interno, oltre alle decorazioni d’epoca, importanti documenti della storia artistica vicentina, tra cui la serie di pale provenienti dalla distrutta chiesa di S. Bartolomeo, opera di B. Montagna, Cima da Conegliano, G. Buonconsiglio, M. Fogolino, G. Speranza e i lunettoni raffiguranti i Rettori di Vicenza, già in Palazzo Pretorio, di mano di J. Bassano, F. Maffei, G. Carpioni. Dalle collezioni private donate nel corso del XIX secolo provengono capolavori di H. Memling, J. Tintoretto, P. Veronese, A. Van Dick, L. Giordano, G.B. Tiepolo. Notevoli il Gabinetto di numismatica che conta circa 25.000 pezzi tra monete e medaglie, e il Gabinetto di disegni e di stampe che conserva 33 disegni autografi di Andrea Palladio.

Il 2011 si conclude per la Fondazione Galleria Civica di Trento con una programmazione, oltre naturalmente all’attività propriamente espositiva (in mostra fino al 5 febbraio 2012 Nedko Solakov con All in (My) Order, with Exceptions), concentrata sulla creatività trentina emergente. Opera Civica (TN), il progetto promosso della Fondazione e supportato dalla Provincia - Politiche Giovanili e dal Ministero della Gioventù, continua con nuovi appuntamenti: David Aaron Angeli, Federico Lanaro, Francesco Mattuzzi e Matteo Rosa. In comune hanno la provenienza, l’età, (tutti artisti trentini under 35 ) e ognuno presenta un nuovo progetto destinato a essere esposto sul territorio. Lo scopo di Opera Civica (TN) è individuare e sostenere sul territorio trentino le nuove professionalità legate al settore culturale e fornire il supporto dei nuovi linguaggi al tema cardine dell’autonomia trentina. In mostra, David Aaron Angeli con la reinterpretazione di iconografie ispirate a libri antichi; Federico Lanaro con lo studio sulla realtà naturale (analogico) e virtuale (digitale), Francesco Mattuzzi in un’indagine etnografica dei contesti sociali contemporanei e Matteo Rosa tramite un dialogo con la cittadinanza. Accanto a ogni progetto sono prodotti cataloghi che fanno parte della collana di pubblicazioni riservate ad artisti trentini under 35 ancora privi di una prima estesa monografia istituzionale e sono editi dalla Fondazione Galleria Civica di Trento e Kaleidoscope Press, Milano.”

Foto di Andrea Lomazzi Photo by Andrea Lomazzi

For Trento’s Fondazione Galleria Civica, 2011 closes with a programme that concentrates on the emerging creativity in the province as well, of course, as the more specific exhibitive activity (Nedko Solakov will be on show unti 05 February 2012 with All in (My) Order, with Exceptions). Opera Civica (TN), the project promoted by the Foundation and supported by the Province’s Youth Policy Department and by the Ministry for Youth will continue with fresh Home sweet home events: David Aaron Federico Lanaro Angeli, Federico Lanaro, Francesco Mattuzzi and Matteo Rosa. What they have in common is their origin and their age (all Trento artists aged under 25) and each of them will be presenting a new project intended for exhibition in the territory. The purpose of Opera Civica (TN) is to identify and provide backing in the Trento area for new occupations associated with the cultural sector and also give support to the new languages associated with the pivotal theme of the province’s political autonomy. On show: David Aaron Angeli with the reinterpretation of iconographies inspired by ancient books; Federico Lanaro with his study of natural (analogue) and virtual (digital) realities; Francesco Mattuzzi in an ethnographical investigation of contemporary social contexts and Matteo Rosa with a dialogue with the citizenry. Catalogues have been produced for each project and are part of the series of publications dedicated to under-35 Trento artists and are published by the Fondazione Galleria Civica, Trento and by Kaleidoscope Press, Milan.”

Palazzo Chiericati

Fondazione Galleria Civica

The historical seat of the city museum since 1855, today Palazzo Chiericati hosts the municipal collections of paintings, sculpture and applied arts from the XIII to the XVIII century. A masterpiece of the early maturity of Palladio and designed for Gerolamo Chiericati in 1550, the grandiose building was completed at the end of the XVII century. The Vicenza Council purchased it in 1839 from the noble Chiericati family with the intention of bringing the city’s art collections together there. As well as the original decoration, the Museum contains important documents from Vicenza’s artistic history including a series of altarpieces from the demolished church of S. Bartolomeo, the work of B. Montagna, Cima da Conegliano, G. Buonconsiglio, M. Fogolino and G. Speranza, and the lunettes depicting the Rectors of Vicenza, formerly in Palazzo Pretorio, by J. Bassano, F. Maffei, and G. Carpioni. Masterpieces by H. Memling, J. Tintoretto, P. Veronese, A. Van Dick, L. Giordano and G.B. Tiepolo were donated from private collections during the course of the XIX century. Of considerable interest is the Numismatics Collection which contains about 25,000 pieces including coins and medals, and the Collection of Drawings and Prints with 33 autograph drawings by Andrea Palladio.

Piazza Matteotti, 37/39 36100 Vicenza Tel. +39 0444 222811 www.museicivicivicenza.it

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Via Cavour, 19 38122 - Trento Tel. +39 461 985511 [email protected] www.fondazionegalleriacivica.tn.it

Museo Casa Giorgione Castelfranco Veneto (TV)

Le Gallerie dell’Accademia Venezia

Il Museo Casa Giorgione è una dedica appassionata al Maestro di Castelfranco da parte della sua città natale, una porta aperta sul suo mondo e sulle atmosfere di un’epoca di grande fermento culturale. Inaugurato il 9 maggio 2009, in apertura delle celebrazioni per il V centenario della morte di Giorgione, il museo è allestito nel quattrocentesco edificio che fu dei nobili Barbarella ed è dedicato alla conoscenza e all’approfondimento del contesto creativo nel quale vennero concepite le due opere dell’artista che ancora si conservano in città, nella collocazione originaria: la Pala di Castelfranco, custodita nel duomo cittadino (Cappella Costanzo) e il Fregio delle Arti liberali e meccaniche, che decora una delle sale del Museo. Attorno agli elementi fondamentali su cui è stato progettato il Museo ruotano 100 pezzi originali, alcuni provenienti dalla collezione civica ed altri recuperati nel mercato antiquario, ma anche ricostruzioni architettoniche e tecnologie multimediali che offrono al visitatore una forte suggestione della cultura dell’epoca. Ogni oggetto esposto è collegato con l’ambiente che lo ha prodotto, e i contenuti dell’intero Museo si saldano con il territorio, ricostruendo una serie di relazioni prima inesplorate.

Il complesso monumentale delle Gallerie dell’Accademia occupa oggi la prestigiosa sede della Scuola Grande di Santa Maria della Carità. Il museo ospita la più ricca collezione di dipinti veneti dal Trecento bizantino e gotico agli artisti del Rinascimento, Bellini, Carpaccio, Giorgione, Veronese, Tintoretto e Tiziano per arrivare a Giambattista Tiepolo e ai vedutisti settecenteschi, Canaletto, Guardi, Bellotto, Longhi e “l’Uomo Vitruviano” di Leonardo,simbolo del Rinascimento italiano. Al secondo piano sono ospitate due realtà assai particolari: il Gabinetto di Disegni e Stampe dove si trovano 3.143 disegni ed incisioni di incredibile qualità, appartenenti ad artisti italiani e stranieri. Nel Laboratorio di Restauro invece, attenti esperti della Soprintendenza costantemente sorvegliano “l’invecchiamento” dei quadri conservati alle Gallerie, ma anche negli altri musei e chiese della città, e pongono rimedio ai danni causati dal tempo. Oltre trecento sono le opere esposte, ma l’intero ammontare del patrimonio artistico delle Gallerie conta oltre 2.000 dipinti: problemi di spazio non permettono di esporre tutte le opere che sono conservate nei depositi in attesa della prossima apertura delle “Grandi Gallerie”, che vedranno al piano terreno lo sviluppo di nuove importanti sale espositive e dei servizi necessari ad un museo moderno.

The Museo Casa Giorgione is a passionate dedication to the Castelfranco Master from his native town, a door open to his world and to the atmospheres of a period of great cultural ferment. Inaugurated on 09 May 2009 at the opening of the celebrations for the 5th centenary of Giorgione’s death, the museum is laid out in the fifteenth century building that belonged to the noble Barbarella family and is dedicated to providing a knowledge of the creative context in which two of the artist’s works were conceived, works that are still in their original locations in the town: the Castelfranco Altarpiece, housed in the town’s cathedral (Costanzo Chapel) and the Frieze of the liberal and mechanical arts, which decorates one of the Museum’s rooms. Gravitating around the fundamental elements on which the Museum was designed are 100 original pieces, some from the civic collection and others found in the antiques market, as well as architectural reconstructions and multimedia installations that offer the visitor a highly evocative view of the culture of the time. Every other object on show is connected with the environment that produced it and the contents of the entire museum bond with the surrounding territory to reconstruct a series of relationships that had hitherto been unexplored.

Museo Casa Giorgione

Piazza S. Liberale 31033 Castelfranco Veneto (TV) Tel. +39 0423 735626 [email protected] www.museocasagiorgione.it

Today, the monumental complex of the Gallerie dell’Accademia occupies the prestigious building that was the Scuola Grande di Santa Maria della Carità. The museum houses the richest collection of Veneto paintings from the Byzantine and Gothic works of the fourteenth century to Renaissance artists, Bellini, Carpaccio, Giorgione, Veronese, Tintoretto and Titian, and on to Giambattista Tiepolo and the eighteenth-century vedutisti, Canaletto, Guardi, Bellotto, Longhi and Leonardo’s “Vitruvian man”, a symbol of the Italian Renaissance. Two quite special structures are housed on the second floor: the Drawings and Prints Collection with 3,143 drawings and engraving of incredible quality produced by Italian and foreign artists. In the Restoration Laboratory, experts from the Fine Arts Office constantly oversee the “ageing” of the paintings kept in the Galleries but also in other museums and churches in the city, and remedy the damage caused by time. There are over 300 works on show but the museum’s entire collection amounts to over 2,000 paintings: because of problems of space it is not possible to exhibit all the works which are being kept in storage until the forthcoming opening of the “Grandi Gallerie”, with the development of large new exhibition areas on the ground floor along with the services required by a modern museum.

Gallerie dell’Accademia

Campo della Carità - Dorsoduro, 1050 30130 Venezia Tel. +39 041 5222247 [email protected] www.gallerieaccademia.org

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Fondazione Oderzo Cultura Oderzo (TV)

Centro Internazionale di Fotografia Scavi Scaligeri Verona 23|11|2011 - 29|01|2012

La mostra del 1967 dedicata ad Alberto Martini (Oderzo 1876-Milano 1954), curata da Arturo Benvenuti, può considerarsi l’atto di nascita dell’omonima Pinacoteca: Maria Petringa, vedova dell’artista e principale prestatore, lascerà a Oderzo di lì a qualche anno alcune opere capitali del marito. L’Autoritratto a china, le immagini per la Divina Commedia, la Pinacoteca Alberto Martini Secchia Rapita, i raffinaSalone Centrale tissimi disegni per Edgar Allan Poe, i Misteri, la Danza macabra europea. L’esposizione attuale, al piano secondo di Palazzo Foscolo, ripercorre l’intera carriera di Martini offrendo una selezione di oltre centocinquanta opere – tra le settecento acquisite -  a matita, china, pastello e olio, simboliste e protosurreali, dalle arti visive al teatro,in un nuovo percorso integrato da un’inedita postazione touch screen (2010). L’archivio personale accompagna il visitatore con documenti e scritti originali, tra i quali le lettere di Emil Bernard, Rodin e D’Annunzio. Dedicata alla  pittura moderna e contemporanea è la sezione al piano terra della galleria, denominata GAMCO (Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea Oderzo). La Pinacoteca Alberto Martini dal 2006 appartiene al polo culturale opitergino gestito dalla Fondazione Oderzo Cultura onlus,impegnata a promuoverlo attraverso mostre, incontri, attività formative,educative e didattiche.

Il Centro Internazionale di Fotografia Savi Scaligeri di Verona ospita, dal 23 novembre 2011 al 29 gennaio 2012, la mostra MAGNUM SUL SET, a cura di Andréa Holzherr e Isabel Siben. Nelle 117 immagini in esposizione è raccontata la storia del forte legame artistico tra i fotografi della famosa agenzia con il mondo del cinema e i suoi indimenticabili protagonisti; un rapporto di collaborazione che nasce nel dopoguerra per arrivare, ininterrotto, ai nostri giorni. La mostra è un affascinante percorso sui set di capolavori della storia del cinema, tra i quali, tra gli altri: Luci della ribalta di Charlie Chaplin, Quando la moglie è in vacanza di Billy Wilder, Gioventù bruciata di Nicholas Ray, Improvvisamente l’estate scorsa di Joseph L. Mankiewicz, La battaglia di Alamo di John Wayne, Il processo di Orson Welles, Zabriskie Point di Michelangelo Antonioni, Il pianeta delle scimmie di Franklin J. Schaffner Gli scatti, realizzati per i reportage che documentano la lavorazione dei singoli film non sono semplici foto di scena, ma “foto sulla scena”, secondo la definizione di Paolo Mereghetti, autore del saggio introduttivo al catalogo della mostra.

The 1967 show dedicated to Alberto Martini (Oderzo 1876-Milan 1954), curated by Arturo Benvenuti, can be considered to be the date of birth of the painting gallery that bears the same name. Within a few years, Maria Petringa, widow of the artist and the main lender, left several very fine works by her husband to Oderzo. A self-portrait in ink, illustrations for the Divine Comedy and the Secchia Rapita (Stolen Bucket), and extremely refined drawings for Edgar Allan Poe, the Mysteries and the European Danse Macabre. The current show, on the second floor of Palazzo Foscolo, spans Marini’s entire career and offers a selection of over five hundred works – from the seven hundred acquired – in pencil, ink, crayon and oil, symbolist and proto-surreal, from the visual arts to the theatre, along an original itinerary integrated by a new touch-screen station (2010). The personal archive accompanies the visitor with original documents and writings, including letters from Emil Bernard, Rodin and D’Annunzio. The gallery’s ground floor section, named GAMCO (Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea Oderzo) is dedicated to modern and contemporary painting. Since 2006, the Pinacoteca Alberto Martini has belonged to the town’s cultural pole managed by the Oderzo Cultura non-profit foundation, which is engaged in promoting it through exhibitions, meetings, and training, educational and teaching activities.

Pinacoteca Alberto Martini

Palazzo Foscolo - Via Garibaldi, 65 31046 Oderzo (TV) Tel. +39 422 718013 [email protected] www.oderzocultura.it

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The Centro Internazionale di Fotografia Savi Scaligeri, Verona, will be hosting the exhibition “MAGNUM SUL SET”, curated by Andréa Holzherr and Isabel Siben, from 23 November 2011 to 29 January 2012. The 117 images on display tell the story of the strong artistic bond between the famous agency with the film world and its unforgettable stars; a collaborative relationship that began after the war and has continued to the present. The show is a fascinating itinerary through the sets of masterpieces from the history of the cinema, including: Charlie Chaplin’s Limelight, Billy Wilder’s The Seven Year Itch, Nicholas Ray’s Rebel without a cause, Suddenly last summer by Joseph L. Mankiewicz, John Wayne’s The Alamo, The Trial by Orson Welles, Michelangelo Antonioni’s Zabriskie Point, and The planet of the apes by Franklin J. Schaffner. The shots, taken for the reportages that document the making of the individual films, are not simply photos of sets but “photos on the set”, according to the definition provided by Paolo Mereghetti, author of the introduction to the catalogue of the exhibition. CREDIT PHOTO: © Elliot Erwitt / Magnum Photos Marylin MONROE sul set del film “Quando la moglie è in vacanza”. New York 1954.

Centro Internazionale di Fotografia Scavi Scaligeri

Cortile del Tribunale (tra Piazza dei Signori e Piazza Viviani) 37121 Verona Tel. +39 045 8007490 www.comune.verona.it/scaviscaligeri

FALSAREA Falsi, falsari, equivoci e travisamenti nell’arte

Panto Textile Art Treviso

La storia è abbastanza recente e sicuramente ancora imbarazzante. Potrebbe essere utile a memoria futura. Potrebbe. La descrive in un accurato saggio, “A cosa serve Michelangelo?” edito da Einaudi nel 2011, Tomaso Montanari, professore associato di storia dell’ arte moderna all’Università di Napoli Federico II. Un piccolo crocifisso in legno compare improvvisamente sul mercato antiquario circondato da un’aura di mistero; oggetto devozionale forse appartenuta al casato dei Corsini, opera presunta del grande Michelangelo. Attorno a questa sculturina si crea, com’è ovvio, un certo interesse, accentuato da un paio di mostre ad effetto. A Roma (2008), con il titolo “Michelangelo giovane. Il crocifisso ritrovato” e poi a Milano, al Castello Sforzesco (2009). L’ “attribuzione a” Michelangelo si affievolisce sempre più, la paternità diviene sempre più certa. Proposta in acquisto alla Cassa di Risparmio di Firenze inizialmente per 15 milioni di euro, prestissimo scesi a 3, viene rifiuta nonostante il grosso (e ingiustificabile) sconto. Ma poi, malgrado le più che forti perplessità di molti esperti mondiali, il 13 novembre 2008, verrà acquistata dalle dissestate casse del Ministero dei Beni Culturali per la bellezza di 3.250.000 euro!

Per una serie di eccezionali circostanze, alcuni manufatti sono destinati a diventare testimoni di eventi straordinari: è capitato a questo monumentale antico tappeto delle manifatture di Pechino (dinastia Qing, fine XIX sec.); lo si può ammirare nella Mostra “MANCIù L’ultimo Imperatore” (Ca’ dei Carraresi a Treviso) con gli arredi della sala del trono dell’Imperatore Pu Yi della Città Proibita, divenuti noti grazie anche al film “L’ultimo Imperatore” del regista pluri-premio Oscar Bernardo Bertolucci. Con l’occasione Panto Textile Art organizza nel nuovo spazio espositivo aperto in centro storico a Treviso, la Mostra “Cina Imperiale: arredi e tappeti antichi” (dal 15.12.11 al 21.02.12, Galleria della Dogana 3 - Quartiere Latino, Treviso). As a result of a series of exceptional circumstances, some artefacts are destined to become witnesses to extraordinary events: this is what happened with this ancient monumental carpet from Beijing (Qing dynasty, end of XIX cent.): it can be admired at the “Manchu – The last emperor” exhibition (Ca’ dei Carraresi, Treviso) with the furnishings from the throne room of the Emperor Pu Yi in the Forbidden City, also made famous by “The Last Emperor”, the film by the multi-Oscar winning director, Bernardo Bertolucci. For the occasion, Panto Textile Art is organizing the exhibition, “Imperial China: ancient furnishings and carpets”, in its new exhibition space in Treviso’s old city centre (from 15/12/11 to 21/02/12 – Galleria della Dogana 3 - Quartiere Latino, Treviso).

FALSAREA Fakes, counterfeiters, equivocations and misrepresentations in art The story is still quite recent and certainly still embarrassing. It could be useful for future memory. It could be. It is described in an essay, “A cosa serve Michelangelo?” (“What is Michelangelo for?), by Tomaso Montanari, associate professor of the history of modern art at Federico II University in Naples, and published by Einaudi in 2011. A small wooden crucifix suddenly appeared in the antiques market surrounded by an aura of mystery; a devotional object that perhaps belonged to the Corsini household and presumed to be the work of the great Michelangelo. A certain interest was obviously created around this little sculpture, accentuated by a couple of sensational exhibitions, one in Rome (2008), entitled “Michelangelo giovane. Il crocifisso ritrovato” (“Young Michelangelo. The rediscovered crucifix”) and then in Milan, in the Castello Sforzesco (2009). The “attribution to” Michelangelo started to fade away and the work’s paternity became increasingly certain. Initially offered to Cassa di Risparmio di Firenze for euro 15 million, this figure was soon dropped to 3, but it was refused despite this huge (and unjustifiable) discount. But then, notwithstanding the very considerable perplexity of many world experts, it was bought on 13 November 2008 for an astonishing euro 3,250,000 from the depleted funds of the Ministry of Cultural Assets!

Panto Textile Art

Via Canoniche, 8 31100 Treviso Tel. +39 336 760220 [email protected] www.pantotextileart.com

Galleria d’Arte Nino Sindoni Asiago (VI) 03|12|2011 - 26|02|2012

Negli spazi suggestivi del Museo “Le Carceri” di Asiago saranno esposti numerosi dipinti e incisioni del grande artista padovano in una mostra personale organizzata dal Comune di Asiago in collaborazione con l’Associazione Alberto Buffetti e la Galleria d’Arte Nino Sindoni. Ogni opera, dai paesaggi ungheresi agli scorci di interni, dalle nature morte alle figure, è ricca della luce che Massagrande sa rendere unica e riconoscibile. Usando le parole del critico e poeta Edward Lucie-Smith: “gli interni desolati di Matteo Massagrande danno prova di un talento straordinario. In un tempo in cui molti dei più raffinati processi di pittura si stanno perdendo, probabilmente per sempre, le sue opere mostrano un abbagliante raffinatezza tecnica che chiaramente deriva da un profondo studio dei maestri antichi. Forse, soprattutto, di Vermeer visto il modo in cui la tecnica s’intreccia a una sensibilità estremamente ricerca per gli effetti di luce”. The evocative spaces of Asiago’s “Le Carceri” museum will provide the venue for the exhibition of numerous paintings and engravings by the great Paduan artist in a one-man show organized by the Commune of Asiago in collaboration with the Associazione Alberto Buffetti and the Galleria d’Arte Nino Sindoni. Each work, from Hungarian landscapes to interior views, from still lives to figures, is imbued with the light that Massagrande renders unique and recognizable. In the words of the critic and poet Edward Lucie-Smith: “Matteo Massagrande’s desolated interiors are extraordinary feats of skill. At a time when many of the subtler processes of painting are in the course of being lost, probably forever, they exhibit a dazzling refinement of technique – something that clearly derives from an intensive study of the Old Masters, perhaps, most of all, Vermeer, since technical skill is here combined with an ultra-refined feeling for effects of light.”

Galleria d’Arte Nino Sindoni Corso IV Novembre, 117 36012 Asiago (VI) www.ninosindoni.com

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Bugno Art Gallery Venezia

Francesco Stefanini

La Bugno Art Gallery presenterà una fitta serie di appuntamenti nel 2012. A partire dalla presentazione dei nuovi lavori di Francesco Stefanini, esposto per la prima volta in una mostra personale nella galleria, alle collettive dei vari artisti esposti permanentemente nella galleria. Quindi opere di Arman, Guidi, Santomaso, Pizzinato, Vedova, Vasarely, Chia ecc., e la fotografia contemporanea rappresentata da Luca Campigotto, Marco Zanta, Paolo Ventura, Giovanni Chiaramonte, Adrea Garuti e Andrea Morucchio. Bugno Art Gallery will be presenting a dense calendar of events in 2012. Collective exhibitions of the various artists on permanent display in the gallery will be held between the presentation of new works by Francesco Stefanini, exhibited for the first time in a one-man show in the gallery.There will therefore be works by Arman, Guidi, Santomaso, Pizzinato, Vedova, Vasarely, Chia etc., as well as contemporary photography represented by Luca Campigotto, Marco Zanta, Paolo Ventura, Giovanni Chiaramonte, Adrea Garuti and Andrea Morucchio.

Spazio Anna Breda Padova 26|01|2012 - 26|02|2012

Arte Boccanera Trento

Galleria Flaviostocco Castelfranco Veneto (TV) 07|01|2012 - 28|01|2012

Spazio Anna Breda propone la mostra “COLORAZIONE”, che vede protagonisti due grandi maestri: il designer Gaetano Pesce e l’artista Antonio Tamburro, che interpretano e utilizzano il colore come forma d’espressione e di emozione in campi diversi. Palcoscenico dell’evento è la prestigiosa agorà del Centro culturale San Gaetano di Padova. La mostra, si pone l’obiettivo di affermare e rendere accessibile al Grande pubblico una ricerca nell’estetica e nel colore che ha ormai 40 anni di storia raccontata attraverso l’estro artistico dei due creativi che utilizzano il colore in maniera istintiva e gestuale. La mostra sarà aperta al pubblico da giovedi 26 gennaio a domenica 26 febbraio 2012 presso l’agorà del Centro culturale San Gaetano, via Altinate n. 71 Padova. E con il Patrocinio del Comune di Padova.

Il 9 dicembre 2011 inaugura presso Arte Boccanera la mostra collettiva “Best Wishes 2012”. Saranno presentate le opere dei giovani artisti che hanno collaborato con la galleria negli ultimi due anni accanto ai lavori di artisti storici. In quello che è diventato ormai un appuntamento fisso con il pubblico nel periodo natalizio si ribadisce la filosofia che anima l’attività di Arte Boccanera, impegnata a promuovere le nuove leve del panorama artistico contemporaneo senza smettere di guardare ai grandi Maestri già affermati.  Arte Boccanera è pronta a trasformarsi in una vera “camera delle meraviglie”, nella convinzione che passato e presente possano illuminarsi e sostenersi a vicenda. Tra i giovani citiamo Despotovic’, Miorandi, Tagliazucchi. Tra gli storici Frangi, Melotti, Penone. Inoltre, per entrambi i mesi della mostra ogni martedì sera verrà proiettato un “Cinema d’Autore”.

La galleria Flaviostocco di Castelfranco Veneto presenta l’artista Giulio Catelli. Il giovane artista romano,classe 1982, dipinge principalmente paesaggi. Di ogni opera Giulio indica il luogo, ma l’immagine è tutt’altro che descrittiva, non sai e non rileva se sia stata dipinta sur le motif o in studio. I vasti piani, le distanze, i sottili trapassi di luci e ombre sono pittura elaborata, di squisita sensibilità: lo svariare di un piano fra terre e ocre cerulee, macchia d’alberi, taglio di roccia, e là dove il cadmio si accende fino al bianco d’argento ed è luce, – ed è natura ed è pittura. Sentimento della natura fatto pittura.

Spazio Anna Breda is presenting “COLORAZIONE”, an exhibition showcasing two great masters: the designer, Gaetano Pesce, and the artist, Antonio Tamburro, who interpret and use colour as a form of expression and emotion in various fields. The venue for the event is the prestigious Agorà of the San Gaetano cultural centre in Padua. The exhibition’s goal is to highlight the research into aesthetics and colour that has been going on for forty years by now and render it accessible to the public at large through the artistic brilliance of two creators who use colour in an instinctive and gestural manner. The exhibition will be open to the public from Thursday 26 January to Sunday 26 February 2012 in the Agorà of the San Gaetano cultural centre, Via Altinate 71, Padua. With the patronage of Padua City Council.

Michetta

Bugno Art Gallery S. Marco, 1996/d 30124 Venezia Tel. +39 041 5231305 Fax +39 041 5230360 www.bugnoartgallery.it

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Spazio Anna Breda

Via san Francesco, 35 35121 Padova Tel. e Fax +39 049 8774401 Cell. +39 329 2312572 [email protected] www.spazioannabreda.com

Willy Verginer

The collective show, “Best Wishes 2012”, will be inaugurated in the Arte Boccanera gallery on 09 December 2011. Works will be presented from young artists who have collaborated with the gallery during the last two years alongside works by our historical artists. The philosophy that animates the activities of Arte Boccanera – engaged in promoting the new generation in the contemporary artistic panorama without overlooking great established masters – will be reiterated in what is now a fixed appointment with the public for the Christmas period. Arte Boccanera is ready to transform itself into a proper “chamber of marvels” with the conviction that past and present can illuminate and support each other reciprocally. The young artists include Despotovic’, Miorandi and Tagliazucchi, while among the established ones are Frangi, Melotti and Penone. Finally, a film d’auteur will be screened every Tuesday evening during both months of the exhibition.

Arte Boccanera

Via Milano, 128/130 38122 Trento Tel. e Fax +39 0461 984206 Cell. +39 340 5747013 [email protected] www.arteboccanera.com

The Flaviostocco gallery in Castelfranco Veneto is presenting the artist, Giulio Catelli. This young Roman artist, born in 1982, mainly paints landscapes. Catelli specifies the place for every work but the image is anything but descriptive and you do not know nor is it revealed whether it has been painted sur le motif or in the studio. The vast plains, the distances, the subtle transitions of light and shadow give rise to elaborate paintings of exquisite sensibility: the varying of a plane between earths and cerulean ochres, clusters of trees, bluffs of rock and there where cadmium ignites to silver white and is light – is nature and is painting. Feeling for nature become paint.

Giulio Catelli

Galleria Flaviostocco

Borgo Pieve, 21 31033 Castelfranco Veneto (TV) Tel. e Fax +39 0423 49566 [email protected] www.flaviostocco.it

Galleria De Faveri Lab 610XL Sovramonte (BL)

Credit Foto F.lli Calgaro

Dall’11 al 25 febbraio riproponiamo S.O.S per il terzo anno consecutivo, nelle gallerie del Palazzo delle Miniere di Fiera di Primiero (TN), vi sarà una esposizione estemporanea con la partecipazione di artisti, galleristi, curatori e collezionisti per un incontro artistico e ludico. Dal primo marzo, in collaborazione con Spazio Paraggi a Treviso, Silvia Vendramel e Serena Piccinini presenteranno le loro opere più recenti ognuna riflettendo sul tema “Home”. Il 14 aprile, sempre allo Spazio Paraggi a Treviso, personale “Natured Landscapes” di Sonia Stanyard, artista inglese premiata dalla nostra galleria per ArteLaguna, nelle sue tele ad olio esplorerà i luoghi solitari della natura. L’attività della galleria continuerà presso Spazio Paraggi e al Lab 610XL di Sovramonte (BL). For the third year running we will be proposing S.O.S. in the galleries of Palazzo delle Miniere di Fiera di Primiero (Trento). There will be an extemporary exhibition from 11 to 25 February with the participation of artists, gallery owners, curators and collectors for an encounter of art and fun. Then, from the first of March, in collaboration with Spazio Paraggi in Treviso, Silvia Vendramel and Serena Piccinini will present their most recent works, each reflecting on the theme of “Home”. The Spazio Paraggi in Treviso will also be the venue on 14 April for the one-woman show “Natured Landscapes” by Sonia Stanyard, the English artist who won an award from our gallery for ArteLaguna. She will explore the solitary places of nature in her oil paintings. The gallery’s activities will continue at Spazio Paraggi and at Lab 610XL in Sovramonte (Belluno).

Galleria De Faveri

Lab 610 loc. Servo, 167/B Sovramonte (BL) www.defaveriarte.it

Il Melone Arte Contemporanea Rovigo

Esperienze Audio Padova

Gioielleria Giraldo Treviso

Già da diversi anni, la Galleria Il Melone espone le opere di Ernest Rosenberg, artista della Graffiti Art che vive e lavora a New York. Rosenberg si forma artisticamente frequentando gli atelier della Grande Mela, influenzato dallo stesso clima che ha ispirato grandi artisti come Basquiat, Andy Warhol, ecc. I temi dei suoi lavori sono da un lato le sue aspirazioni di uomo (famiglia, casa, benessere, ..) e dall’altro l’avversione ad una società che ignora l’altro e fa del denaro e della ricchezza il suo unico “oggetto” d’amore. Lo stile è aggressivo ed immediato come è ogni protesta sociale. Le sue opere più recenti sono tele dipinte con acrilici, grafite e collage ispirate da famose opere del Rinascimento, e disegni su carta di chiara reminiscenza africana realizzati con coloratissimi pastelli a olio.

Passeggiando vicino al Teatro Verdi nel cuore di Padova, all’interno degli spazi espositivi di Esperienze Audio, oltre ad amplificatori a valvole e futuristici giradischi analogici, catturano l’occhio e la curiosità dei passanti, anche importanti opere d’arte ed originali elementi di design. Negli spazi dedicati alla dimostrazione di esclusivi e raffinati sistemi audio/video di cui Esperienze Audio è leader a Padova, si integrano allestimenti di artigiani ed artisti selezionati dal titolare. Il prossimo progetto, previsto per la primavera 2012, sarà la creazione all’interno dello show room di un vero e proprio giardino curato da un esperto architetto paesaggista dove, per l’occasione sarà possibile ascoltare i nuovi fantastici sistemi audio/video “out-door” proposti da Esperienze Audio.

Da quattro generazioni la famiglia Giraldo propone nel cuore della Treviso storica una gioielleria di prestigio, vantando anche il prestigioso marchio Quaglia gioielli. Quaglia da sessant’anni interpreta oggetti che diventano compagni di vita, regalando un sofisticato senso di semplicità: un design tradizionale eppure non banale com’è quello espresso dal lavoro, ancora oggi artigianale. La nuova tecnologia ha consentito di realizzare piccoli capolavori come ciondoli, anelli, orecchini in cui fiori e farfalle ruotano ad ogni movimento creando l’effetto “tremblant”: delle piccole opere d’arte.

For some years now, Galleria Il Melone has been exhibiting the works of Ernest Rosenberg, a graffiti artist who lives and works in New York. Rosenberg’s artistic formation took place by frequenting the ateliers of the Big Apple where he was influenced by the same climate that inspired great artists such as Basquiat, Andy Warhol and so on. The themes of his works are, on the one hand, man’s aspirations (family, home, wellbeing ...) and, on the other hand, the aversion to a society that ignores others and makes money and wealth the only subject of love. His style is aggressive and immediate as is the case with all social protests. His most recent works are painted canvasses with acrylics, graphite and collages inspired by famous Renaissance works, and drawings on paper with clear African reminiscences employing highly coloured oil pastels.

Four generations of the Giraldi family have run this prestigious jewellers’ shop in the heart of Treviso which also represent the famous Quaglia jewellery brand. For sixty years Quaglia has been interpreting objects that become life-long companions, infusing a sophisticated sense of simplicity, with traditional design that is never bland produced through work that is still artisanal today. New technology has permitted the creation of little masterpieces such as pendants, rings and earrings in which flowers and butterflies spin with every movement to create a trembling effect: little works of art.

When strolling in the vicinity of the Teatro Verdi in the heart of Padua, inside the exhibition spaces of Esperienze Audio, the eyes and the curiosity of passers-by are not only attracted by valve amplifiers and futuristic analogue record players but also by important works of art and original design elements. Artisans and artists selected by the proprietor stage their works in the spaces dedicated to the exclusive and refined audio/video systems for which Esperienze Audio is the leader in Padua. The next project, planned for spring 2012, will be the creation in the showroom of a real garden curated by a landscape artist where it will be possible to listen to the fantastic new outdoor audio/video systems proposed by Esperienze Audio.

Ernest Rosemberg

Galleria Il Melone Arte Contemporanea Via Oberdan, 25/31 45100 Rovigo Tel. +39 0425 30811 [email protected] www.galleriailmelone.com

Esperienze Audio

Via Dondi Dall’Orologio, 35 35139 Padova Tel. +39 049 9819993 Cell. +39 328 05663247 [email protected] www.esperienzeaudio.it

Gioielleria Giraldo Piazza dei Signori, 3 31100 Treviso Tel. +39 0422 547807 www.giraldo.it

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AREAARTE INVERNO | WINTER 2011/2012

Sommario Contents

Direttore responsabile | Editor Giovanna Grossato



“Fame d’arte e di cultura” “Hunger for art and culture” di | by Giovanna Grossato

3

Redazione | Editorial staff Alessandro Benetti Stella Ferrara Anna Livia Friel Giovanna Grossato Gianluca D’Incà Levis Silvia Neri Valentina Sperotto

Ottorino De Lucchi:

Il ritratto delle cose The portrait of things di | by Alberto Buffetti

4

Sarah Seidmann:

Corpo Ex/posto - l’arte che allena alla vita Body ex/posed - Art training life di | by Alessandra Menegotto

10

Walter Davanzo:

Ci si incontra nel ricordo Meeting in the memory di | by Silvia Neri

14

Antonia Zecchinato:

Quando l’architettura si veste di seta When architecture dresses in silk di | by Giovanna Grossato

18

Nino Walter Riondato:

Corpi in sospensione Bodies in suspension di | by Alessandro Benetti

24

Testi | Texts by Alessandro Benetti Giuseppe G. Blando Alberto Buffetti Tazio Cirri Anna Livia Friel Giovanna Grossato Alessandra Menegotto Silvia Neri Marcello Palminteri Valentina Sperotto Fotografie | Photos Alessandro Benetti (Biblioteca Marciana) Mario Iral (Antonia Zecchinato)

Il Settecento a Verona: Tiepolo, Cignaroli, Rotari The Settecento in Verona: Tiepolo, Cignaroli, Rotari di | by Comune di Verona, sezione cultura

28

Giustino Chemello:

34

Perchè tanta assenza di te non è più possibile Because so much absence of you is no longer possible di | by Giovanna Grossato

Traduzioni | Translations Michael Friel

La Biblioteca Marciana a Venezia, uno scrigno prezioso The Biblioteca Marciana in Venice, a precious jewel box di | by Valentina Sperotto

38

Public relation Paola Ferretti

Alessandra Lazzaris:

Una concretezza aleatoria A random concreteness di | by Marcello Palminteri

42

Progetto grafico | Graphic layout Carlo Martini

Raffaello Ossola:

Un sogno fuori dal tempo A dream outside time di | by Tazio Cirri

Stephan Guillais

di | by Giuseppe G. Blando

46 50

Alessio Tasca:

Forme estruse Extruded forms di | by Anna Livia Friel



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Da vedere To see

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In galleria In the galleries



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Web designer VG7 Stampa | Printing Grafiche Antiga Spa Via delle Industrie, 1 31035 Crocetta del Montello (TV) Tel +39 04236388 - Fax +39 0423638900 www.graficheantiga.it [email protected]

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