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uando e perché un’opera è “bella” è una questione davvero annosa, remota quanto gli albori della cultura umana. Tuttavia l’esistenza di una percezione del bello è un fatto indubitabile: diversamente non esisterebbero i musei, luoghi cioè in cui l’uomo colloca, a memoria e a futura conservazione, oggetti che ogni epoca del presente percepisce come “preziosi”, importanti da tramandare alle generazioni future. Ma quali siano i criteri secondo i quali si stabilisce di volta in volta che un’opera d’arte è bella, è stato ciclicamente un problema da risolvere. Una risposta ad una domanda che oggi diventa anche più difficile da formulare. Esiste al riguardo un simpatico aneddoto riferita da Plinio il Vecchio, studioso romano del I secolo d.C., che chiarisce cosa veniva considerata presso gli antichi Greci “bellezza”: cioè la capacità da parte dell’artista di dotare il più possibile l’opera di verosimiglianza e aderenza al modello reale. Narra dunque Plinio di due famosi pittori vissuti nella Grecia del V secolo a.C., Parrasio e Zeusi , che rivali in arte si contendevano il primato della bravura. Si decise di risolvere il confronto con una gara di abilità. Il primo dipinse dell’uva matura con tale realismo che alcuni uccelli, ingannati dall’immagine, tentarono di beccarne gli acini. Zeusi, invece, quando gli venne richiesto di scostare il drappo che nascondeva alla vista degli astanti la sua opera, stupì tutti i presenti dichiarando che il drappo stesso costituiva l’opera da lui dipinta. E così fu Zeusi a vincere la gara, poiché era riuscito addirittura a ingannare con la finezza di esecuzione non solo gli uccelli, ma altri uomini. Il senso dell’episodio pliniano – la verosimiglianza intesa come valore estetico- venne raccolto e rilanciato nel corso delle epoche con alterne vicende. Ma il riprodurre più esattamente possibile ciò che l’occhio vede non necessariamente significa, specie in tempi recenti, rappresentare la realtà. O meglio non rappresenta ciò che una cosa “è” bensì quello che “appare” all’occhio. Come sappiamo, la vera essenza delle cose non può essere colto nella sua interezza dai sensi i quali percepiscono (e dunque rappresentano) solo aspetti parziali di un oggetto. Ciò che una cosa è, dipende infatti da quanto riusciamo a conoscerla e i modi di “conoscere” sono molteplici…E dunque, a volte, accade che un’opera tenti – o riesca- a rappresentare molto di più di quanto la vista può cogliere attraverso gli occhi e, altrettanto, trasmette – o tenta di trasmettere - molto di più di ciò che della realtà “appare”. Quando dunque l’arte ha smesso di avere come obiettivo la riproduzione di una piccola parte della realtà, davanti all’operazione creativa si è spalancata una distesa di possibilità, ivi inclusa quella di rappresentare il proprio pensiero, gli stati d’animo, i sogni, gli incubi e un mondo di segni, di simboli, di forme che con la realtà, così come essa viene comunemente intesa, poco o pochissimo hanno a che fare. Sperando di avere messo sul piatto una sufficiente quantità di spunti intriganti sui quali estendere una riflessione relativa all’arte contemporanea, rimando gli Amici lettori alle pagine di Area Arte in cui si tenta di fornire qualche ragguaglio in più sull’arte del XX e XXI secolo, sul suo rapporto con la committenza e con la fruizione, col collezionismo e col mercato e, in generale, in cui si propone una messa a fuoco su alcune giovani promesse della creatività e su molti tra i più interessanti consolidati artisti che oggi il Veneto può vantarsi di possedere. Giovanna Grossato

Editorial Beauty in art yesterday and today

Editoriale La bellezza nell’arte ieri e oggi

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hen and why a work of art is “beautiful” is quite a thorny question, a long way away from the dawning of human culture. However the existence of a perception of beauty cannot be questioned: otherwise there would be no museums, i.e. places in which, for our memory and for future conservation, we place objects which epoch after epoch perceives as “precious”, important to hand down to future generations. But what the criteria for establishing, case by case, that a work of art is beautiful constitutes a problem that has had to be resolved cyclically and the response to the question is even more difficult to formulate today. In this regard there is an anecdote from Pliny the Elder, the 1st century BC Roman scholar, which clarifies what the ancient Greeks considered beauty to be: the artist’s ability to make the work as realistic and as lifelike as possible. Pliny then spoke of two famous rival painters who lived in Greece in the V century before Christ, Parrhasius and Zeuxis, and vied to be considered the greatest. It was decided to hold a competition of skill to solve the conflict. The former painted ripe grapes with such realism that some birds, deceived by the picture, attempted to grab them in their beaks. Zeuxis, on the other hand, when asked to pull back the drape that hid his work from the bystanders, amazed all those present by declaring that it was the drape itself that constituted the work he had painted. And so it was Zeuxis who won the competition as he was even able to deceive not just birds but other men with the refinement of his work. The sense of Pliny’s story – lifelikeness as an aesthetic value – was reproposed and relaunched over the centuries with various degrees of success. But the reproduction as exactly as possible of what the eye sees does not necessarily mean representing reality, especially in recent times. Or, rather, it does not represent what a thing “is” but rather what “appears” to the eye. As we know, the true essence of things cannot be grasped in its entirety by the senses as these can only perceive (and therefore represent) partial aspects of an object. What a thing is, in fact, depends on how much we are able to know it and there are many ways of “knowing” ... therefore it sometimes happens that a work attempts – or manages – to represent much more than the eye can grasp and, in the same way, transmit – or attempt to transmit – much more than what “appears” from reality. When, therefore, art stopped having the reproduction of a small part of reality as its aim, a great range of possibilities opened up for the creative operation. These include the representation of thoughts, states of mind, dreams, nightmares and a world of signs, symbols and forms which have little or very little to do with reality as it is commonly understood. Hoping that I have set out a sufficient number of intriguing premises from which to develop a reflection on contemporary art, I will refer the readers to the pages of Area Arte in which attempts are made to provide further clarification on the art of the XX and XXI centuries, on its relationship with customers and with its enjoyment, with collecting and with the market and, in general, to the pages in which the spotlight is focussed on some of the promising young artists and many of the most consolidated ones that the Veneto can boast of possessing today. Giovanna Grossato 3

L’ARTE CONTEMPORANEA di Giovanna Grossato

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ovunque si susseguono con ritmi frenetici mostre d’arte contemporanea in luoghi liturgici e nelle gallerie che, malgrado la crisi globale, continuano a proliferare e si moltiplicano anche nuove biennali, triennali, quadriennali. Esse si vanno ad aggiungere a quelle storiche e consolidate, sia in Italia (tra cui in Veneto la famosa Biennale di Venezia, giunta l’anno scorso alla sua 53° edizione), sia in Europa e negli Stati Uniti. L’arte contemporanea ha sicuramente assunto una grande importanza, specie a partire dal secondo dopoguerra, sulla spinta del mercato che è diventato sempre più vivace, subendo solo recentemente una battuta d’arresto - ma nemmeno in tutti i settori- in conseguenza della recessione. Hanno contribuito ad alimentare questo interesse sia ragioni economiche, sia il forte impatto emotivo creato da autori di immagini estreme che, alla fine, hanno costituito anch’esse una pulsione mercantile. Vediamo di cercare di capire alcuni aspetti e alcuni motivi di queste nuove forme utilizzate dall’arte. Come scriveva Natalia Aspesi, in un’intelligente analisi apparsa su “La Repubblica” del 25 settembre scorso: “Ossa, animali morti, corpi amputati: così oggi va in mostra lo shock d’autore…Si sa che l’arte è stata tale nel momento in cui per qualsiasi ragione […] ha scandalizzato, ha rotto con la tradizione e il presente, ed è sembrata pericolosa. La consacrazione definitiva che l’ha resa martire e sublime, è stata la censura…”. A ben guardare, infatti, ciò vale anche per Michelangelo o per Caravaggio: anche questi artisti del passato, con il loro nuovo modo di esprimersi di rottura con lo stile corrente, scandalizzarono con le loro opere i contemporanei! In sostanza le provocazioni sono connaturate nell’arte, anche se fu alla metà del XX secolo, la Pop Art a fornir loro una codificazione teorica. La Pop Art (letteralmente: arte popolare) prende comunque le mosse da sfide già presenti nel mondo artistico alla metà dell’Ottocento. Il famosissimo “ Le Dejeuner sur l’Herbe” (1863) di Edouard Manet, ad esempio, che scandalizzò Pargi e dovette accontentarsi di venire esposta al Salon des Réfusés, rappresentava una donna nuda che fa picnic assieme a due signori vestiti. Creò uno scandalo non da poco e dovette essere ritirata dal Salon ufficiale. Seguono, alle soglie della prima Grande Guerra, le avanguardie con “L’orinatoio (fontana)” realizzato nel 1917 da Duchamp, e i dadaisti; poi venne l’epoca della “merde d’artiste” di Piero Manzoni che nel 1961 ne …tira un multiplo di 70 esemplari che, sia pure chiusa in barattoli sempre merda è. Alla Biennale del ’72 Gino De Dominicis (1947-1998) mette in mostra la figura di un ragazzo down, mentre negli USA Andy Warhol (1928-1987) riproduce in serie la foto di una sedia elettrica e alcuni incidenti. Da qui il passo è breve per giungere a Maurizio Cattelan che nel 2004 per la Fondazione Trussardi “impicca” tre bambini di plastica ad un albero in una piazza di Milano e rincara la dose cinque anni dopo, installando in un’altra piazza l’opera “L.O.V.E”: una grande mano con il dito medio alzato. C’è un vociare generale e un gran discutere in ambedue le occasioni, tuttavia le opere si trovano accolte in uno spazio pubblico e, relativamente al “dito”, persino su invito dell’Amministrazione comunale. Shock d’autore che annovera da anni sesso esibito, animali squartati e immagini splatter sono dunque presenti da un bel po’ nelle opere degli arti-

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sti. La differenza, è che ora esse appaiono sempre meno gesti simbolici e ideologici e sembrano sempre più rispondere a logiche di mercato. E tanto più il mercato appare avido di arte contemporanea in quanto le opere di altri periodi artistici vanno scomparendo per non farvi più ritorno, come affermano alcuni analisti del fenomeno tra cui l’autore di uno dei più recenti best seller sull’argomento, Donald Thompson, che nel suo “Lo squalo da 12 milioni di dollari” edito nel 2009, descrive l’apparente nonsens della seguente equazione: meno opere storiche in circolazione = incremento del mercato contemporaneo, cercando di individuarne le cause. A differenza del passato anche recente, infatti, in cui il meglio dell’arte riappariva con una certa regolarità nelle vendite private e nelle aste, Thompson verifica che ora ciò accade sempre più raramente, facendo schizzare i prezzi alle stelle. Perché? La colpa/ merito di questo fenomeno sarebbe il moltiplicarsi dei musei e delle collezioni private in tutto il mondo. Per ragioni di prestigio esse tendono ad accaparrarsi (e dunque a non rivendere) opere di qualità, facendo riversare sull’arte contemporanea le brame di possesso, specie poi se si tratta di opere di brand. Ciò esclude sempre più il ruolo che l’estetica ha nella valutazione di un’opera d’arte e giustifica, o quantomeno rende assai comprensibili, certi “eccessi” dei prezzi che vengono letti anche come “valore” intrinseco delle opere oltre che di quell’artista. In buona sostanza non è affatto irrilevante per la monetizzazione di un’opera sapere, ad esempio, chi l’ha posseduta e quanto l’ha pagata. Naturalmente l’arte contemporanea non è solo sangue, interiora e merda, sebbene di fronte a certe produzioni pur non così estreme, spesso alla gente comune viene ancora fatto di chiedersi “cosa vuol dire quest’opera?’. Il famoso critico americano Peter Schjeldahl (classe 1942), tanto per dare una mano, aveva affermato che “L’arte ti dice cose che non sai di dover sapere finchè non le sai”. Può essere vero; ma è un assunto che vale anche per il 90% di cui si viene a conoscenza e, insomma, districarsi e sceverare nell’arte contemporanea è e rimane cosa assai ardua. Spiegarla poi, è pressoché impossibile perché riporta alla domanda (valida per tutta l’arte, anche non contemporanea) “cos’è l’arte”?, famoso incipit di un altrettanto famoso testo di estetica di Dino Formaggio (1914-2008) “L’arte come idea e come esperienza” alla quale il filosofo dell’arte risponde: “arte è tutto ciò che gli uomini chiamano arte”. Ci avvicina un poco al focus del problema un altro aforisma interessante, stavolta di un giovane artista contemporaneo, Patrick Mimran (Parigi 1956) che lavora per mezzo dei “billboard” (cartelloni) posti in luoghi inattesi, in cui scrive affermazioni che richiamano l’attenzione sull’arte attuale, tipo: “L’arte non è dove tu ti aspetti che sia. Vai a trovarla”. Può essere che anche questo sia un efficace sistema per lanciare un dibattito sull’arte contemporanea; aperto, democratico e abbastanza facilmente gestibile: frasi brevi scritte su enormi pannelli esposti nelle facciate o all’interno di spazi pubblici. Inoltre, gli edifici che mettono in mostra i billboard di Mimran diventano parte del processo creativo e di comunicazione e non restano un semplice supporto, offrendo, in questo modo, un’occasione di confronto anche per chi li visita o li abita. 5

Tutto ciò tenderebbe a confermare l’idea che il pregio/valore di un’opera sia diventato sempre meno “estetico” e sempre più connesso, invece, all’artista e alla sua volontà/capacità di comunicare. Infatti, ad avvalorare la tesi secondo cui oggi non ci si chiede più perché questa opera è “bella” o dove risiede la sua “artisticità”, bensì chi sono i grandi artisti contemporanei, sempre Donald Thompson nel succitato libro, menziona Philippe Segalot, un art advisor di New York ed ex direttore del dipartimento di arte contemporanea di Cristie’s, il quale afferma che per ogni generazione non esistono più di 10 grandi artisti. Essi vedranno salire le proprie quotazioni mentre gli altri scompariranno. Segalot elenca questi nomi – che però sono diventati 12- di artisti che secondo il suo giudizio hanno caratterizzato gli anni Ottanta e Novanta. Si tratta di Jeff Koons, Jean- Michel Basquiat, Cindy Sherman (unica donna! una fotografa), Richard Prince, Felix Gonzales-Torres, Cherles Ray, Mike Kelley, Martin Kippenberger, David Hammons, Andreas Gursky, Damien Hirst e Maurizio Cattelan. Per la prima metà del decennio del XXI secolo, Segalot ha scelto Takashi Murakami, Luc Tuymans, Matthew Barney e Robert Gober. Egli, inoltre si dice certo che i grandi artisti si riconoscono presto. Il motivo sarebbe che esistono oggi così tanti galleristi, curatori, consulenti e critici in cerca di novità che gli artisti meritevoli di attenzione vengono subito riconosciuti. La stessa domanda posta da Donald Thompson a galleristi, esperti di case d’asta e altri professionisti del settore su chi siano i grandi artisti contemporanei, ha prodotto liste simili ma leggermente discordanti da cui Thompson ne ha ricavata una nuova, nata dal confronto incrociato di tutte e che contiene 25 artisti. Forse non si può considerare questo elenco una bibbia (ad esempio essa esclude 5 dei 12 nomi di Segalot) tuttavia esso tiene conto anche di una famosa affermazione data da Walter Sickert nel 1910 secondo cui l’importanza da attribuire agli artisti si trova nella risposta alla domanda: “Hanno realizzato cose tali che sarà impossibile d’ora in poi, per quelli che li seguiranno, comportarsi come se essi non fossero esistiti?”. L’elenco dei 25 artisti contemporanei più importanti include: Jasper Johns (americano 1930); Andy Warhol (americano 1928-87); Gerhard Richter (tedesco 1932); Bruce Nauman (americano 1941); Roy Lichtenstein (americano 1923-97); Robert Rauschenberg (americano 1925-2008); Joseph Beuys (tedesco 1921.86); Ed Ruscha (americano 1937); Francis Bacon (irlandese 1909-1992); Lucien Freud (inglese 1922); Cy Twombly (americano 1928); Damien Hirst (inglese 1965); Jeff Koons (americano 1955); Marrtin Kippenberger (tedesco 1953-97); Donald Judd (americano 1928-94); Willem De Kooning (americano 1904-97); Takashi Murakami (giapponese 1963); Peter Fischli/DavidWeiss (svizzeri 1952/1946); Richard Serra (americano 1939); Antoni Tapies (spagnolo 1923); Maurizio Cattelan (italiano 1960); Andreas Gursky (tedesco 1955); David Hockney (inglese 1937); Richard Diebenkorn (americano 1922-93); Jean-Michel Basquiat (americano 1960-88). Sono, probabilmente, i nomi dai quali dobbiamo aspettarci di avere qualche risposta alla domanda: “cos’è l’arte contemporanea?”. 6

THE CONTEMPORARY ART by Giovanna Grossato

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xhibitions of contemporary art have been following one another at a frenetic pace in the ritual places and galleries and, despite the global crisis, new biennali, triennali and quadriennali continue to proliferate and multiply. These are in addition to the traditional consolidated events in both Italy (including the famous Venice Biennale in the Veneto which reached its 53rd edition this year) and in Europe and the United States. Contemporary art has certainly assumed great importance, especially after the Second World War, driven by a market which has become increasingly lively and which has only recently hit a lull – but not even in all sectors – because of the recession. Both economic factors and the high emotional impact created by authors of extreme images which, in the end, are also conceived for their market appeal have contributed towards nourishing this interest. Let us try to understand some aspects and some reasons for these new forms used by art. As Natalia Aspesi wrote in an intelligent analysis published in “La Repubblica” on 25 September last: “Bone, dead animals, amputated bodies: today author shock is on display ... We know that art has been this way from when, for any reason [...] it scandalized, broke with tradition and the present, and seemed dangerous. The definitive consecration which made it martyr and sublime is censorship ...” When we look closely, in fact, this is also valid for Michelangelo or Caravaggio: the works of these artists from the past also scandalized their contemporaries with their new manner of expressing themselves and break with the current style! In short, provocations are a natural part of art, even it was in the middle of the twentieth century that Pop Art provided a technical codification of them. In any case Pop Art started off from challenges already present in the artistic world of the mid-nineteenth century. Edouard Manet’s very famous “Le Dejeuner sur l’Herbe”, for example, which scandalized Paris and had to make do with being exhibited at the Salon des Réfusés, showed a nude woman enjoying a picnic along with two fully-clothed gentlemen. It created a considerable scandal and had to be withdrawn from the official Salon. Then, just before the Great War, came the Avant-gardes with Duchamp’s “Urinal (fountain)” in 1917, and the Dadaists. This was followed by the period of the “artist’s shit” by Piero Manzoni who created a multiple of 70 examples of it in 1961 and which, even if sealed in cans, is still shit. At the 1972 Biennale, Gino De Dominicis (1947-1998) exhibited the figure of a boy with Down’s syndrome while in the USA Andy Warhol (1928-1987) reproduced a photograph of an electric chair in series. From here it was a short step to come to Maurizio Cattelan who “hanged” three plastic children from a tree in a Milan square for the Trussardi Foundation and laid it on thicker five years later with the installation in another square of his work “L.O.V.E.”: a large hand with the middle finger raised. There was a great general to-do and much debate on both occasions; nevertheless the works were displayed in a public place and, as regards the “finger”, even on the invitation of the city council. Author shock with exhibitionist sex, butchered animals and splattered images has therefore been present in artists’ work for quite a long time. The difference is that now the gestures seem to be less symbolical and ideological and increasingly conceived at responses to market logic. And the market seems all the hungrier for 7

contemporary art as the works of some artistic periods are disappearing never to return, as pointed out by some analysts of the phenomenon including the author of one of the most recent bestsellers on the subject, Donald Thompson, who in his “The $12 million stuffed shark” (2008), described the apparent nonsense of the equation, “the fewer the historical works in circulation = an increase in the contemporary market” and attempted to identify the causes. Unlike even the most recent past, in fact, when the best of art reappeared with a certain regularity in private sales and at auctions, Thompson found that this is occurring increasingly rarely, sending prices to the stars. Why? The fault/merit for this phenomenon appears to be the multiplication of museums and private collections all over the world. For reasons of prestige these tend to hoard (and therefore not resell) high-quality works, lavishing the cravings of possession on contemporary art, especially then in the case of works with a brand. This increasingly sidelines the role that aesthetics plays in the assessment of a work of art and justifies certain “excesses” in prices, or at least makes them quite comprehensible, as they are also based on the intrinsic “value” of the works as well as that of the artist. In short, knowing who owned a work of art, for example, and how much they paid for it, is not at all irrelevant for its monetization. Of course contemporary art is not just blood, guts and shit, even though when faced with certain works that are not so extreme, the general public still asks itself “what is this supposed to mean?” The famous American critic, Peter Schjeldahl (b. 1942), in order to give a hand, had declared that art tells you things that you don’t know you have to know when you don’t know them. This may be true: but it is an assumption that also applies to 90% of what you come to learn and, in short, finding your way around and discerning in contemporary art is and remains something quite arduous. Explaining it, therefore, is virtually impossible because it returns us to the question (valid for all art, whether contemporary or not) “what is art?”, the famous incipit of an equally famous text on aesthetics by Dino Formaggio (1914-2008) “L’arte come idea e come esperienza” to which the philosopher of art responds: “art is everything that mankind calls art”. We are brought closer to the focus of the problem by another interesting aphorism, this time from a young contemporary artist, Patrick Mimran (Paris 1956) who works with billboards located in unexpected places and on which he writes statements that drawn attention to current art, such as for example: “Art is not where you expect it to be. Go and find it.” It may be that this too is an effective system for launching a debate on contemporary art; open, democratic and quite easy to manage: brief phrases written on enormous panels displayed on façades or in public spaces. Furthermore, the buildings that display Mimran’s billboards become part of the process of creation and communication and do not constitute a simple support, thereby providing an occasion for reflection for those who visit them or live in them. 8

All this tends to confirm the idea that the worth/value of a work has become less and less “aesthetic” and increasingly connected, on the other hand, to the artist and to his work/ability to communicate. Indeed, to strengthen the thesis according to which today we no longer ask why a work is “beautiful” or where its “artistry” is found, but rather who the great contemporary artists are, Donald Thompson in his book mentioned above mentions Philippe Segalot, a New York art advisor and a former director of the contemporary art department in Christie’s, who has declared that there are never more than 10 great artists for any generation. These will see their prices rise while the others disappear. Segalot lists the names – though they are now 12 – of artists who, in his view, characterized the eighties and nineties. These are Jeff Koons, Jean- Michel Basquiat, Cindy Sherman (the only woman! a photographer), Richard Prince, Felix Gonzales-Torres, Cherles Ray, Mike Kelley, Martin Kippenberger, David Hammons, Andreas Gursky, Damien Hirst and Maurizio Cattelan. For the first half of the first decade of the twenty-first centre, Segalot selected Takashi Murakami, Luc Tuymans, Matthew Barney and Robert Gober. He also says that it is certain that great artists are soon recognized. The reason would be that today there are so many gallery owners, curators, consultants and critics looking out for the new, that artists worthy of attention are immediately recognized. The same question posed by Donald Thompson to gallery owners, auction house experts and other professionals in the sector about who the great contemporary artists are, produced similar but slightly discordant lists from which Thompson obtained another one, drawn from a cross comparison of all of them, and containing 25 artists. Perhaps this list cannot be taken as a bible (for example it includes 5 of Segalot’s 12 names); however is also takes account of a famous statement made by Walter Sickert in 1910, according to which the important to attribute to artists can be found in the response to the question: “Have they created such things that from now on, for those who will follow them, it will be impossible to behave as if they never existed?” The list of the most important contemporary artists includes: Jasper Johns (USA, 1930); Andy Warhol (USA, 1928-87); Gerhard Richter (Germany, 1932); Bruce Nauman (USA, 1941); Roy Lichtenstein (USA, 1923-97); Robert Rauschenberg (USA, 1925-2008); Joseph Beuys (Germany, 1921-86); Ed Ruscha (USA, 1937); Francis Bacon (Ireland, 1909-1992); Lucien Freud (UK, 1922); Cy Twombly (USA, 1928); Damien Hirst (UK, 1965); Jeff Koons (USA, 1955); Marrtin Kippenberger (Germany, 1953-97); Donald Judd (USA, 1928-94); Willem De Kooning (USA, 1904-97); Takashi Murakami (Japan, 1963); Peter Fischli/DavidWeiss (Switzerland, 1952/1946); Richard Serra (USA, 1939); Antoni Tapies (Spain, 1923); Maurizio Cattelan (Italy, 1960); Andreas Gursky (Germany, 1955); David Hockney (UK, 1937); Richard Diebenkorn (USA, 1922-93); Jean-Michel Basquiat (USA 1960-88). These are probably the names who we must expect to have some kind of answer to the question: “what is contemporary art?” 9

ULRICH EGGER ESTETICA URBANA di Anna Livia Friel

nell’altra pagina | on the other page

Senza Titolo 2005

Fotografia e tecnica mista su carta | Photo and mixed media on paper cm. 40x30 sotto | under

Schone Aussicht 2009

Fotoprint su alluminio | Fotoprint on aluminum cm. 110x165

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e ci si chiedesse dove finisca la scultura e quando inizi l’architettura, ecco lì intervengono le opere d’arte di Ulrich Egger. Esse rivelano che il confine è molto labile e allo stesso tempo netto e che, in ogni caso, c’è chi riesce a starci sopra in equilibrio. Come se nella stessa occasione le due discipline trovassero il momento di coesistere ma anche di esibirsi nella loro differenza lampante. E’, infatti, una riuscitissima sintesi tecnica quella che arriva a dare forma alle creazioni Egger, dove sogno si mescola a realtà, oggetti si uniscono a immagini, talvolta anche attraverso il mezzo pittorico. Ci accorgiamo che le foto di città sconosciute -ma uguali a tante altre- smettono di essere testimonianza di qualcosa di reale, di esistente, e si trasformano, semplicemente grazie al loro carattere appiattente-ibernante, in una sorta di immagine lontana, di racconto estraneo, acquisendo d’un tratto caratteristiche oniriche. L’artista stesso ci induce a questa lettura quando, con una sorta d’inganno da prestigiatore, unisce in collages scene di esterni e interni (comunque abbandonati e in disarmo) ricomponendoli e allontanandoli dal loro significato reale, creando al loro posto una nuova rappresentazione emotiva dello spazio, degli spazi. I soggetti preferiti da Ulrich Egger sono quelle porzioni di città che la maggior parte di noi odia: periferie malconce, grandissimi edifici abitativi dove i contrasti tra chiari e scuri si leggono soprattutto nei muri sporchi, nelle finestre chiuse, dove il disagio si presta alla riproduzione con una certa vezzosità; il tutto stagliato contro un cielo bianco, neutro e freddo. Nonostante ciò queste forme ci attraggono, rapiscono lo sguardo intento nella ricerca de dettagli di quei luoghi e nel tentativo di riconnettere la nostra esperienza a quegli scenari costruiti e immaginati. Improvvisamente appare chiaro in che cosa risiede il loro carattere: nel fatto di essere brutte. Brutte case, brutte strade, ma…. bellissime forme, bellissime immagini. Frammenti di colore di grande impatto, dove si riesce ad immaginare la vita e a sentirne gli odori, a volte, persino ad udirne i rumori. Guardando le impalcature precarie, i panni stesi fuori dai palazzoni austeri, le anonime strade del quartiere-dormitorio, scopriamo che le immagini di Egger vincono perché sanno descrivere un quotidiano che rappresenta la nostra era e che in modo inaspettato è entrato a far parte di una sorta di estetica collettiva. Così, osservando questa contemporanea bellezza urbana si capisce che le opere di quest’artista non sono solo scatti emozionali di realtà, ma vanno sicuramente alla ricerca di un senso compositivo, di un assemblaggio formale. Lo trovano in forme note, quotidiane e finalmente accordate con il nuovo gusto minimale, generico, asciutto, dove ognuno (o chiunque) può riconoscere il suo spazio, comporre la propria storia.

ULRICH EGGER URBAN AESTHETICS by Anna Livia Friel

Mi-To 2004

Dittico - Foto, acciaio | diptych - Photo, steel cm. 160x240

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f you ask where sculpture finishes and architecture begins, this is where Ulrich Egger’s artworks act. They reveal that the boundary is extremely ephemeral and sharp at the same time, and that in any case there are those who manage to hold themselves in equilibrium on it. It is as if the two disciplines discovered the moment for coexistence at the same time while also managing to reveal themselves in their glaring difference. The technique that gives form to Egger’s creations is in fact a highly successful synthesis in which dreams mix with reality and objects are combined with images, sometimes also using pictorial means. We become aware that the photographs of cities that are unknown – but identical to many others – stop bearing witness to something real and existing and transform themselves simply thanks to the flattening-hibernating character, in a sort of far-off image, extraneous narration, while suddenly acquiring oneiric characteristics. The artist himself induces us to make this reading when, with a sort of conjuror’s trick, he combines indoor and outdoor scenes (though always abandoned and run down) in collages, recomposing them and distancing them from their real meaning and in their place creates a new emotive representation of space, of the spaces. The subjects preferred by Ulrich Egger are those parts of cities that most of us hate: bleak suburbs, vast residential buildings where the contrasts between bright and dark can especially be seen in the dirty walls and the closed windows where the discomfort lends itself to 12

reproduction with a certain charm; all standing out against a white, neutral and cold sky. Despite this, these forms attract us, enrapture the gaze intent in the search for the details of these places and in an attempt to reconnect our experience to those constructed and imagined scenarios. Where their character resides immediately becomes clear: in the fact that they are ugly. Ugly homes, ugly streets but ... beautiful forms, beautiful images. Fragments of colour of great impact where it is possible to imagine life and smell the odours and sometimes even to hear the sounds. When we look at the precarious scaffolding, the clothes hanging outside austere building blocks, the anonymous streets of dormitory neighbourhoods, we discover that Egger’s images are able to describe a daily existence that represents our era and which, in an unexpected manner, has become part of a sort of collective aesthetic. As a result, when we observe this contemporary urban beauty, we understand that this artist’s works are not only emotional shots of reality, but go in search of a compositional sense, of a formal assemblage. They find this in known forms that are quotidian but finally reconciled with the new minimal, generic and dry taste where each of us (or anyone) can recognize our space, compose our own story. Galleria De Faveri

Via Mezzaterra, 10 b Feltre (BL) Lab 610 Loc. Servo 167/B Sovramonte (BL) www.defaveriarte.it

Senza Titolo 2009

Acciaio e foto | Steel and photo cm. 100x100

Schone Aussicht 2009

Fotoprint su alluminio | Fotoprint on aluminum cm. 75x100

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I’m waiting for Paradise Silvano Tessarollo

di Tazio Cirri I’m waiting for paradise 2001 Installazione | Installation cm. 140x190x120

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assanese classe 1956, Tessarollo si impone nel panorama contemporaneo con opere di grande impatto ed ironica consapevolezza del mondo, nate dal progressivo addentrarsi in un ambito fantastico che pure trae numerosi spunti dalla vita reale. Come ebbe a scrivere E. Forin, “Se qualche anno fa l’artista praticava il mondo tenero, mostruoso, deliziosamente perfido dei fumetti o dei cartoons per plasmare “strane creature” che si portavano addosso le proiezioni ironiche della vita normale, ora la grazia sghemba delle “giostre” sorge come il tracciato visibile di una vita che si sposta sempre più verso il grado zero dell’animazione. Il biblico Dies irae evoca esattamente questo: l’interruzione di ogni gesto, lo spostamento del reale al limite del vuoto, “il verbo terribile” che annuncia la fine dei tempi e dei giri degli anni.” Mentre L. Meneghelli vede nel suo lavoro “una situazione estrema che spinge l’artista verso una concentrazione particolare, come chi debba inventarsi da un frammento esploso un nuovo senso del mondo”. L’intreccio strettissimo tra mondo reale e quello fantastico – minimalisti rami scheletriti d’albero dall’estrema concettualità e pupazzi ripresi dal mondo dei cartoni, dai “Simpson” a Disney – sembrano esemplificare e sintetizzare la fluidità dei linguaggi attraverso i quali si esprimono gli artisti degli ultimi decenni. Gli aspetti ludici dell’espressione di Tessarollo, onirici e contemporaneamente sperimentali e pop, affrontano infatti le diverse esperienze artistiche europee, nordamericane e giapponesi: da Mike Kelly a Takashi Murakami con un efficace mix di scultura e pittura che sembra una sorta di fusione tra la cosiddetta high art, l’arte alta, destinata ai musei e ai ricchi collezionisti, e la low art, ovvero gli oggetti prodotti in serie e destinati al consumo di massa. Tale sensazione è rinforzata anche dall’utilizzo da parte di Tessarollo di materiali plastici tipici dell’industria dei giocattoli, sebbene egli enfatizzi la percezione tattile della materia, quasi ad accentuarne l’appartenenza ad una regione fantastica e tendenzialmente “cyber”. Non solo i soggetti (uno dei leit motiv lungo tutta la carriera di Tessarollo è, ad esempio, la figura archetipa del topo), ma anche i materiali impiegati sono caratteristico ed interessante elemento che diventa cifra riconoscibile del lavoro dell’artista: dalla cera industriale, particolarmente utilizzata fin dagli esordi, alla vetroresina dipinta con la quale ha elaborato grandi sculture come la

Geografia umana 3 2003 Installazione | Installation cm. 260x200x160

gondola con i Simpson, dal titolo “O sole mio”, la piramide vivente “Geografia Umana” o l’Ape con topi a bordo “Il cammino è carne”. Usando questi chiari nuclei tematici cari e noti ad un pubblico trasversale per età e background culturale, Tessarollo parla dell’Uomo, dei suoi tic, delle sue forze e debolezze dei caratteri tipici della natura umana, trattati nel corso della storia da scrittori ed artisti con toni alti o ridevoli: da Plauto a Moliére, da Dostoevskij ai recentissimi autori di fumetti e film d’animazione come Carlos Saldanha e Chris Wedge su realizzazione dei Blue Sky Studios o, appunto, Matt Groening e James L. Brooks, famosi padri della famiglia Simpson. L’intelligente chiave linguistica attraverso la quale si esprime il “Bestiario” di Tessarollo costituisce l’occasione per riflettere sul mondo e sulle cose. Come ebbe a scrivere Marziani in un catalogo di opere dell’artista, egli “racconta la vita dentro il filtro ‘perverso’ dell’interpretazione plastica. Dice chi siamo, cosa facciamo, come agiamo: e già questo rappresenta una ‘trasgressione’ rispetto al candore retorico di tante matrici fantasiose. Poi aggiunge il cortocircuito dell’ironia, dando alla fantasia il colore nascosto del sangue e l’odore freddo della violenza. Ecco perché l’animazione si prosciuga gradualmente per tracciare il filo del tragico. Il corpo sopravanza il resto, abbatte il riso con le armi stesse del grottesco dietro il dramma. Torna il binomio infallibile tra tragedia e comicità, l’altalenanza tra condizioni opposte di corpi che smascherano i sentimenti più estremi…”. L’attività espositiva di Tessarollo prende l’avvio all’inizio degli anni Novanta sia con lavori che utilizzano tecniche tradizionali come l’incisione, il disegno e la pittura sia con la sperimentazione di tecniche miste: dalle riprese fotografiche da sculture con elaborazione digitale al computer con stampa su plotter, alla resina, cera e matita su carta o cenere, smalti industriali, luci, rumori e sculture, al cartone associato al ferro e agli smalti industriali, fino ai “toponi” rosa carnicino in vetroresina dipinta. Silvano Tessarollo

vive ed opera a Tezze sul Brenta (VI)

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Geografia umana 2 2003 Installazione | Installation cm. 98x200x160

I’m waiting for paradise 2001 Installazione | Installation cm. 180x100x120

I’m waiting for paradise 2001 Installazione | Installation cm. 180x250x120

I’m waiting for Paradise Silvano Tessarollo

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by Tazio Cirri

orn in Bassano in 1956, Tessarollo established himself on the contemporary stage with works of great impact and ironic awareness of the world that spring from the progressive penetration into a fantastic context which also draws inspiration from real life. As E. Forin writes: “If a few years ago the artist followed the tender, monstrous and deliciously perfidious world of comics and cartoons to model “strange creatures” which bore the ironic projections of normal life, now the crooked grace of the “amusements” rises like the visible trace of a life which increasingly moves towards the zero degree of animation. The biblical Dies irae evokes exactly this: the interruption of every gesture, the displacement of the real to the limit of the void, “the terrible word” which announces the end of time and the spinning of the years.” Then L. Meneghelli sees “an extreme situation” in his work “that pushes the artists towards a particular concentration like one who has to invent a new sense of the world from an exploded fragment.” The tight interweave between the real world and the fantastic one – minimalist skeletal tree branches of extreme conceptuality and puppets drawn from the world of cartoons, from the Simpsons to Disney – seem to exemplify and distil the fluidity of the languages through which the artists of recent decades express themselves. The lucid aspects of Tessarollo’s expressiveness, oneiric, experimental and pop at the same time, actually tackle the different European, North American and Japanese artistic experiences: from Mike Kelly to Takashi Murakami with an effective mix of sculpture and painting which seems to be a sort of fusion between high art, intended for museums and rich collectors, and low art, the batch-produced objects intended for mass consumption. This sensation is also reinforced by Tessarolo’s use of the plastic materials typical of the toy industry though he emphasises the tactile perception of the material almost as if to accentuate its belonging to a fantastic and tendentially cybernetic region. Not only the subjects (one of the leitmotifs along Tessarollo’s career is, for example, the archetypically figure of the mouse) but also the materials used are characteristic and interesting element that become recognizable ciphers of the artist’s work: from industrial wax, particularly used right from the beginning, to painted Fiberglas with which he has created large sculptures such as the gondola with the Simpsons 18

I’m waiting for paradise 2001 Installazione | Installation cm. 100x150x90

Geografia umana 1 2003 Installazione | Installation cm. 80x65x100

entitled “O sole mio”, the living pyramid “Geografia Umana” or the Ape with mice on board “Il cammino è carne”. Using these clear thematic nuclei loved by and known to a transversal public in terms of age and cultural background Tessarollo speaks of Man, his tics, the strengths and weaknesses of the typical characteristics of human nature, dealt with in the course of history by writers and artists with high or satirical tones: from Plautus to Moliére, from Dostoevskij to the very latest authors of comics and cartoons such as Carlos Saldanha and Chris Wedge, produced by Blue Sky Studios or of course Matt Groening and James L. Brooks, the famous fathers of the Simpson family. The intelligent linguistic key through which Tessarollo’s “Bestiario” is expressed constitutes the occasion for reflecting on the world and things. As Marziani writes in a catalogue of the artist’s works, he “narrates life through the ‘perverse’ filter of plastic interpretation. He says who we are, what we are, how we act: and this already constitutes a “transgression” compared with the rhetorical candour of so many fanciful matrices. He then adds the short circuit of humour, providing fantasy with the hidden colour of blood and the cold odour of violence. That is why the animation is gradually drained to trace the thread of the tragic. The body overcomes the rest, demolishes the laughter with the very arms of the grotesque behind the drama. The infallible union of tragedy and comedy, the seesawing between opposite conditions of bodies which unmask the most extreme sentiments ...” Tessarollo’s exhibitive activities started at the beginning of the nineties both with works that use traditional techniques such as engraving, drawing and painting and experimentation with mixed techniques: from photography to sculpture with digital processing on the computer and printing with plotters, to resin, wax and pencil on paper, or ash, industrial enamels, lights, noise and sculptures, to paper associated with iron and industrial enamels, and to the big flesh-pink mice in painted Fiberglas. Silvano Tessarollo lives and works in Tezze sul Brenta (VI)

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L’

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Basilea 2001 Foto | Photo

MARCO ZANTA

LA COSTRUZIONE DEL TEMPO

estetica raffinata di Marco Zanta rifugge dai cromatismi chiassosi e dalle facili derive pop di tanta fotografia contemporanea. Privilegiando tonalità poco sature e luci diffuse, nell’ambito di composizioni equilibrate ed ordinate da linee di forza facilmente rintracciabili, Zanta coinvolge l’osservatore in un universo fotografico fatto di atmosfere pacate ma non scontate, che anzi invitano alla riflessione proprio in virtù delle presenze sotterranee che l’immagine racchiude e delle interpretazioni a cui essa si presta. Zanta lavora nel mondo della fotografia da quasi tre decenni e, pur nella molteplicità delle esperienze e delle serie prodotte, è possibile rintracciare nella sua opera alcuni temi ricorrenti che l’accompagnano nel corso di tutto il suo sviluppo. L’architettura riveste un ruolo di assoluto rilievo, e si configura in molti casi come il principale elemento ordinatore della composizione dello scatto. Egli esplora l’universo architettonico in diversi contesti e con differenti punti di vista, dalla riflessione sul “DNA” di Venezia fino all’esperienza internazionale di “Urban Europe”. La città è messa alla prova come luogo di aggregazione e di rappresentazione delle relazioni umane, teatro sulla cui scena è chiamata a recitare l’intera società. È all’interno di queste contesto suggestivo che ci si aspetta di veder comparire da un momento all’altro gli attori della vita urbana, quegli stessi attori che disseminano la composizione di segnali inequivocabili della loro presenza. Proprio questo senso di una presenza ulteriore genera un continuo senso di sospensione, come se qualcosa stesse per accadere o piuttosto fosse appena accaduto. I panni stesi nelle calli veneziane sono quasi asciutti e ben presto qualcuno se ne occuperà, le giostre di Riva degli Schiavoni illuminate al tramonto non riposeranno a lungo nella loro quiete, e un vaporetto depositerà una folla brulicante e chiassosa sulle rive del canale. Allo stesso modo le automobili parcheggiate a bordo strada in una giornata assolata a Potsdamer Platz sono le stesse che sfrecciano nel pomeriggio di fianco a un grattacielo in costruzione a Barcellona, per poi creare scenografiche scie di luce multicolore nella notte di Leon. Uno spazio fotografico eminentemente architettonico, quindi, ma in cui la presenza umana è tanto timida nel mostrarsi direttamente quanto invadente nel suo rivendicare continuamente il possesso e l’utilizzo dei luoghi fotografati. Questa rivendicazione scaturisce in un reinserimento progressivo della figura umana nella composizione: essa appare spesso sotto forma di un imprevisto, come un elemento apparentemente incontrollabile (e spesso visibilmente sfocato) che interviene nelle equilibrate immagini di Zanta dimostrandosi inscindibile dall’ambiente che ha costruito da sé e per sé. Al limite, in pochi scatti selezionati, Zanta eleva l’uomo ad assoluto protagonista e, pur rappresentandolo sempre in relazione all’ambiente architettonico da lui prodotto, concentra l’attenzione dello spettatore su quella presenza sottointesa che finalmente è uscita allo scoperto. La riflessione sulla città, e in particolare il progetto di “Urban Europe” (che si configura essenzialmente come il censimento delle più recenti realizzazioni architettoniche nelle principali città europee, alla ricerca di una dimensione unitaria e comunitaria) sviluppa un’ulteriore problematica, relativa al rapporto tra vecchia e nuova architettura, tra ciò che è successo molto tempo fa e ciò che sta per succedere e che presto sconvolgerà il volto

di Alessandro Benetti

Berlino 2003 Foto | Photo

dei nostri centri urbani. Grattacieli avveniristici competono con l’opulenza vittoriana delle vecchie sedi bancarie londinesi, e un’Opel “d’antan” sfoggia trionfalmente la sua livrea verde pistacchio di fronte alle facciate ultra-moderne di Basilea. Il vecchio e il nuovo sono messi a confronto senza alcun pregiudizio nei confronti di quest’ultimo, e anzi esplorando le opportunità positive di rinnovamento e composizione con l’esistente che da esso si possono derivare. Entrambe le riflessioni rimandano a quello che è forse il “leit-motiv” principale dell’opera di Zanta, ossia la continua e consapevole percezione di un forte senso della temporalità, dove la fotografia rappresenta non solo l’attimo in sé, ma un attimo inserito in una sequenza di momenti, dove gli eventi precedenti hanno contribuito alla sua costruzione (in senso fisico, materico) e gli attimi successivi ne saranno conseguenza. Tale percorso continuo sembra essere motivato da una volontà di ricomposizione che può riguardare il binomio uomo-architettura (“DNA”), il confronto tra vecchio e nuovo (“Urban Europe”), ma anche più in generale la dimensione comunitaria nel suo complesso (“Residence Belvedere”), o la ricerca di un rapporto costruttivo tra architettura e paesaggio (con la partecipazione all’esposizione “Il Paesaggio Tradito”). Se quindi quella di Marco Zanta è un’esperienza volta principalmente alla composizione positiva e costruttiva di elementi, con gli scatti più irrequieti del progetto “Lontano” emerge un’ulteriore chiave di lettura, dove il passare del tempo è associato all’avvicinarsi della morte, e dove l’ansia della costruzione lascia spazio alla paura della distruzione. Marco Zanta

vive ed opera a Treviso

Leon 2003 Foto | Photo

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MARCO ZANTA

THE CONSTRUCTION OF TIME Londra 2003 Foto | Photo

by Alessandro Benetti

M Residence Belvedere 1 Foto | Photo

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arco Zanta’s refined aesthetics shun the noisy colours and easy pop-art drift of much of contemporary photography. By preferring tonalities without much saturation and diffused light, in the framework of compositions that are balanced and ordered by easily traceable lines of force, Zanta involves the observer in a photographic universe composed of calm but not banal atmospheres which, indeed, invite us to reflect specifically because of the subterranean presences that the image encloses and the interpretations it lends itself to. Zanta has been working in the world of photography for almost three decades and, despite the multiplicity of his experiences and the series produced, it is possible to trace some recurring themes in his work that accompany him along the course of his total development. The architect plays a role of absolute importance and in many cases this is the principal ordering element in the composition of the shot. It explores the architectural universe in different contexts and from different points of view, from the reflection on the DNA of Venice to the international experience of “Urban Europe”. The city is put to the test as a place of aggregation and of representation of human relations, a theatre on whose stage the entire society is called upon to perform. It is in this evocative context that one expects to see the appearance from one moment to another of the players in urban life, those same players who disseminate the composition with unequivocal signals of their presence. Specifically this sense of a further presence generates a continuous sense of suspension, as if something were about to happen or, rather, has just happened. The clothes hanging in the Venetian streets are almost dry and soon someone will take them in, the amusements on Riva degli Schiavoni

Residence Belvedere 2 Foto | Photo

Venezia 1 Foto | Photo

Venezia 2 Foto | Photo

illuminated at sunset will not remain quiet for very long, and a vaporetto will disembark a bustling and noisy crowd onto the banks of the canal. In the same way, the cars parked on the side of the street in a sunny day in Potsdamer Platz are the same as those that whizz in the afternoon alongside a skyscraper being built in Barcelona, and then create dramatic trails of multicolour light in the night in Leon. His is therefore an eminently architectural photographic space, but one in which the human presence is so timid about showing itself directly as it is invasive in continually claiming the ownership and use of the places photographed. This claim springs from a progressive reinsertion of the human figure into the composition: it often appears in the form of something unexpected, as an apparently uncontrollable (and often visibly out of focus) element which intervenes in Zanta’s equilibrated images, showing itself to be inseparable from the environment that it has created by itself and for itself. At the extreme, in a few selected shots, Zanta elevates man to the level of an absolute protagonist and, while always representing him in relation to the architectural environment produced by him, concentrates the observer’s attention on that implied presence which has finally come out into the open. The reflection on the city and, in particular, the “Urban Europe” project (which essentially depicts itself as a survey of the most recent architectural creations in the main European cities, as research into a unitary and community dimension) develops a further problem, relating to the relationship between the old and the new architecture, between what happened a long time ago and that which is about to happen and which will soon throw the face of our urban centres into confusion. Futuristic skyscrapers compete with the Victorian opulence of the old London bank headquarters and a vintage Opel triumphantly flaunts is pistachio-green livery in front of the ultra-modern façades of Basel. The old and the new are compared with one another without any prejudice towards the latter and, indeed, exploring the positive opportunities for renewal and composition with the existing which can derive from it. Both reflections refer back to what is perhaps the main leitmotif of Zanta’s work, i.e. the continuous and conscious perception of a strong sense of temporality, where photography represents the moment per se, but an instant inserted in a sequent of moments in which the previous events have contributed to its construction (in the physical, material sense) and the subsequent moments will be the consequence. This continuous itinerary seems to be motivated by a desire for recomposition which may concern the man-architecture duality (“DNA”), the comparison between old and new (“Urban Europe”), but also more in general the community dimension as a whole (“Residence Belvedere”), or the pursuit of a constructive relationship between architecture and landscape (with participation in the “Il Paesaggio Tradito/The Landscape betrayed” exhibition. If then, Marco Zanta’s experience is mainly aimed at the positive and constructive composition of elements, a further interpretative key emerges with the more restless shots in the “Lontano” project, where time is associated with the approach of death, and where the anxiety of the construction leaves space for the fear of destruction. Marco Zanta

lives and works in Treviso

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DAVID LOEB D

avid Loeb è un pittore Americano che attualmente risiede in Francia, dove vive con la sua famiglia, a Fontainebleau vicino a Parigi. Ha lavorato ed esposto sin dal 1980, sia in Francia che in America: Parigi, New York, San Francisco. Molte delle opere della sua ultima esposizione “Night and Day” rivelano una nuova evoluzione e visione nella rappresentazione del paesaggio da parte dell’artista. Dall’inizio della sua carriera nel 1970, Loeb si è concentrato principalmente su tre generi di pittura -Natura morta, ritrattistica e paesaggio- e un quarto genere, una forma di pittura allegorico simbolista, che ha radice nella pittura del diciannovesimo secolo. “Night and Day” esplora gli ultimi due generi. L’atmosfera e l’aria dei paesaggi sono senza dubbio correlati alle circostanze personali e biografiche degli ultimi due anni, incluso la recente morte della madre dell’artista. Il loro stile, tuttavia, ha le sue radici nell’educazione dell’artista e nella sua conoscenza e apprezzamento di una specifica tradizione paesaggistica americana. Gli aspetti romantici certamente riflettono l’opera suggestiva del paesaggista newyorkese Ralph Albert Blakelock (1847- 1919), ma sono anche, in un senso più ampio, legate a una visione americana del Sublime; una caratteristica visionaria evidente nella scuola dei pittori di “Hudson River” nel diciannovesimo secolo, in particolare George Inness. E’ questa una peculiarità che si trova anche nel ventesimo secolo nei solitari paesaggi pieni di luce di Edward Hopper. Inoltre, il rigore e la precisione dello stile ad olio e pastello di Loeb, appartengono alla sua formazione americana. L’evidenza dell’intima osservazione e precisione nel rendere una forte e lineare sottostruttura nelle sue composizioni potrebbe colpire un osservatore e slegarlo dall’intuitiva maniera impressionista della tradizione francese. La delicatezza della luce, la paziente lavorazione del fondo della superficie e gli aspetti annebbiati di questi paesaggi sono tuttavia ispirati dall’intima conoscenza della campagna francese da parte dell‘artista, luce e arte. Chiara nei quadri è la soffice luminosità di Fontainebleau, il duro rigore della montagna Jura, e la conoscenza di Loeb dei paesaggi post-Impressionisti e simbolisti europei: Seurat, Vuillard, Bonnard, Klimt e Balthus. I due principali dipinti allegorici nelle mostre “Night and Day” e “Artist and Muses” rivelano inoltre una connessione con la tradizione simbolista europea. La loro quiete e la sognante malinconia possono sembrare più nordiche che francesi - vengono alla mente il danese Hammershoi e l’americano James Whistler- poiché i meravigliosi quadri di nudo femminile sicuramente legano i due alla tradizione francese. Le nature morte di Loeb rivelano la stessa attenta composizione geometrica e la sensibilità alla luce che si ritrova nei paesaggi.

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U n v i s i onario realista a m e r i c ano di Christophe Boïcos

Blue Moon Muse 2010 Olio su tela | Oil on canvas cm. 122x122

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Yellow Table 2005

Olio su tela | Oil on canvas cm. 127x81

Inoltre, sono composizioni più intime, ambientate nello spazio meditativo dello studio dell’artista ed esplorano alla perfezione una grande varietà di oggetti, superfici e materiali: stoffa, porcellana, metallo, petali di fiori, foglie, pietre e piume. La scelta degli oggetti e delle loro forme rivelano, oltre la bellezza delle superfici e dei colori, un teatro simbolico nel quale le atmosfere e i significati nascosti investono vari oggetti come se fossero attori in un palcoscenico dipinto. Questa caratteristica simbolica fa che le nature morte diventino vive come misteriose presenze. La loro atmosfera dovrebbe evocare a un pubblico italiano alcune delle poetiche e nascoste tensioni di alcuni celebri dipinti di Morandi. L’Artista dice a proposito delle nature morte: “L’apparente-prevedibile convenzione dei dipinti di fiori è una foglia che nasconde un mondo meno scontato di paradosso e metafora. I dipinti esplorano l’effimero limite tra materiale e immateriale, tra la concreta densità della forma e l’inconsistenza della luce e dello spazio”. Una sincera emozionale sensibilità combinata con uno stile rigoroso e ben pensato fanno di questo ciclo di dipinti, paesaggi, nature morte e composizioni di figure, un insieme completo ed eccezionale. L’arte di Loeb ha raggiunto un nuovo livello di profondità e maturità che riflette l’era dell’artista, la sua esperienza e una vera dedizione pittorica.

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Lilies and Figs 2007

Olio su tela | Oil on canvas

cm. 76x61

Bouquet Apples and Squash 2007 Olio su tela | Oil on canvas

cm. 91x97

Orange Roses 2007 Olio su tela | Oil on canvas

cm. 38x36

Globe 2005

Olio su tela | Oil on canvas cm. 117x112

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DAVID LOEB

A visionary a m e r i c a n r e a l i s t by Christophe Boïcos

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avid Loeb is an American painter currently based in France where he lives with his family in Fontainebleau near Paris. He has been working and exhibiting since the 1980s in both France and America: Paris, New York, and San Francisco. Many of the works from “Night and Day” reveal a new evolution and vision in the artist’s representation of landscape. Since the beginning of his career in the 1970s Loeb has concentrated mainly on three painterly genres - still life, portraiture and landscape - and on a fourth genre, a form of symbolist allegorical painting rooted in the late 19th century. “Night and Day” explores the last two genres. The atmosphere and mood of the landscapes are undoubtedly linked to biographical and personal circumstances of the last two years, including the recent death of the artist’s mother. Their style, however, has its roots in the artist’s education and his knowledge and appreciation of a specifically American landscape tradition. The romantic aspects certainly reflect the oeuvre of the moody New York landscapist Ralph Albert Blakelock (1847-1919), but are also in a larger sense tied to an American vision of the Sublime; a visionary quality evident in the work of the Hudson River School painters of the 19th century, notably George Inness. It is a quality also to be found in the 20th century in the lonely, light-filled landscapes of Edward Hopper. The rigor and precision of Loeb’s oil and pastel style also owes a lot to his American training. The evidence of close observation, precision in rendering and a strong linear understructure in his compositions might strike an observer as quite different from the loose, intuitive Impressionist manner of the French tradition. The delicacy of light, the carefully worked up mat surfaces, and the mistier aspects of many of these landscapes are, however, inspired by the artist’s intimate knowledge of the French countryside, light and art. Apparent in the pictures is the soft luminosity of Fontainebleau, the tougher mountainous rigor of the Jura, and also Loeb’s knowledge of European PostImpressionist and Symbolist landscape: Seurat, Vuillard, Bonnard, Klimt and Balthus. The two principal allegorical paintings in the exhibition “Night and Day” and “Artist and Muses” also reveal a connection to the European Symbolist tradition. Their stillness and dreamy melancholy may seem more Nordic than French - the Dane Hammershoi and the American James Whistler come to mind – though the beautifully delineated female nude models definitely tie the two pictures to the French tradition. Loeb’s still lives reveal the same careful geometric compositions and sensitivity to light apparent in the landscapes. By nature, however, they are more intimate compositions set in the meditative space of the artist’s studio. They explore a great variety of objects, surfaces and materials to perfection: fabric, porcelain, metal, flower petals, leaves, stones and feathers. The choice of the objects and their shapes, some seemingly male, others female, reveal , beyond the beauty of the surfaces and colors, a symbolic theatre in which hidden meanings and moods invest the various objects as if they were actors on a painterly stage. This symbolic quality makes the still lives come alive as mysterious presences. Their atmosphere should evoke to an Italian audience some of the poetry and hidden tensions that can be felt in Morandi’s celebrated compositions. The artist says about them: “The seemingly-predictable convention of flower-painting is a foil, hiding a less-expected world of paradox and metaphor. The paintings explore the fleeting boundary between the material and the immaterial, between concrete density of form and the weightlessness of light and space.” A genuine emotional sensibility combined with a well-thought out and rigorous style make this group of paintings, landscapes, still lives and figure compositions, an altogether exceptional ensemble. Loeb’s art has reached a new level of depth and maturity that reflect the artist’s age, experience and true painterly commitment. Galleria d’Arte Nino Sindoni

Corso IV Novembre, 117 – 36012 Asiago (VI) www.ninosindoni.com Associazione Alberto Buffetti [email protected]

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MARIKA VICARI LO SGUARDO IN CAMMINO

di G. G.

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arika Vicari è una giovane artista nata a Vicenza nel 1979 il cui modo di esprimersi, essenzialmente attraverso il disegno, è nello stesso tempo semplice e complesso; l’approccio ai soggetti – soprattutto alberi ma anche strumenti musicali – è anch’esso ambivalente: figurativo, anzi intensamente figurativo e contemporaneamente “astratto”. Dove per astratta si intende l’opera che ha come fulcro non già se stessa, bensì l’intenzionalità dell’artista. Insomma, come scriveva Wilhelm Worringer nel suo saggio Abstraktion und Einfuhlung (“Astrazione ed Empatia” del 1908), la forma viene concepita come il risultato unico ed irripetibile dell’incontro tra l’uomo e il mondo. In questo caso tra Marika e gli alberi. Non sembra possibile, guardando i magici boschi, i cespugli intricati, gli alberi svettanti lungo l’ansa di un fiume o irrigiditi nella neve, disegnati con grafite (matita) sopra pannelli di pioppo, che questi soggetti siano privi di riferimento con la realtà naturale; che la loro esistenza non sia riproduzione di ciò che l’artista vede con i suoi occhi nella flagranza dell’apparire, ma si collochi esclusivamente nella memoria di quel vissuto. Eppure questo è il metodo di lavoro di Marika Vicari: “Rappresentare – sostiene - per me è disegnare con lo sguardo, far delle misurazioni ed elaborare riflessioni. Ecco allora che la rappresentazione del paesaggio, luogo dell’attraversamento, appare segnato da tracce del percorso umano, come se il mio stesso lavoro volesse confrontare la propria metamorfosi con le trasformazioni che scandiscono non solo il legno ma la vita dell’uomo, il suo scorrere, la sua mutevolezza ed il divenire incessante fissato sulla carta, sul legno, per giungere all’origine delle cose, alla loro intima essenza, per tentare di raccontarla e di sprigionarne la forza estrema. Spesso il segno da me tracciato con la grafite sulla tavola, non si fissa, ma comincia a mutare, si sposta, si deforma, talora si espande. All’inizio cercavo di sciogliere le immagini come se tutto ciò che mi appariva fosse momentaneo ma nonostante tutto capace di dare l’illusione del vero. Poi, il mio sguardo un po’ rimosso, astratto, lontano si è fatto indagatore, acuto e penetrante. Oggi cerco di creare immagini che vadano oltre l’apparenza fisica, contingente, quasi a voler restituire una nuova dimensione. I miei paesaggi sono tutti dominati dal silenzio, come se ci fosse qualcosa che si appropria del mio corpo ad occhi chiusi. Si dice che con l’albero, la Natura conclude la propria opera al di sopra dello sguardo dell’uomo;forse è questa la ragione che mi spinge a perdermi tra i boschi. A camminare, attraversare, quasi una maniera intima e profonda di guardare al paesaggio…”. Sono le frasi con cui la Vicari descrive i processi del proprio modo di disegnare – quasi esclusivamente in monocromo – nel nell’altra pagina | on the other page

Stanza per sognare 2004 Installazione | Installation

catalogo di una mostra allestita per lei nel 2008 alla Kro Art Gallery di Vienna, dal titolo “Populus tremula”. Il pioppo è, infatti il suo medium preferito; ridotto in lastre sottili, questo legno presta il suo colore giallo pallido agli sfondi, lasciati al naturale, dei disegni e conserva nelle lievi variazioni cromatiche i tremolii provocati dalla soffio del vento. Le immagini di alberi che l’artista trasferisce su questi sottili listelli che ancora profumano di vita possono essere anche molto grandi o di dimensioni ridottissime: a campo lungo come un ampio sguardo all’orizzonte o zigzaganti come la corsa lungo un sentiero tortuoso; tradotte in quadrati di 20x20, come un’occhiata attraverso la stretta finestrella di una soffitta; alte e sottili, in pannelli separati come nella visuale da una porta socchiusa; orizzontali e fratte dagli intervalli del finestrino di un treno che corre nel bosco…. “Il mio lavoro richiede molto tempo- dice: per la lavorazione, per pensare e agire sul supporto. Sia quando osservo la natura sia quando dipingo, disegno con lo sguardo, faccio delle misurazioni. Fondamentale è l’indagine sulla luce, sia quella che cerco di creare con la grafite che come elemento che spiega i fenomeni della natura. Da qualche anno e per i miei ultimo lavori ho scelto il b/n che mi consente maggior astrazione andando all’origine delle cose per sprigionarne la forza estrema. L’albero, il bosco e il paesaggio per me sono gli strumenti-pretesti adottati dopo un percorso di riflessione sulle potenzialità dell’immagine pittorica. Offro porzioni di paesaggio che, sfuggendo ai territori dell’urbano, rivelano la ricerca di equilibrio con il luogo, innanzi tutto per me stessa”. E’ un cammino, reale e metaforico, che apre molte prospettive, fisiche e mentali a questa giovane ma già matura artista, laureata in Progettazione e Produzione della arti visive alla Facoltà di Design e arti allo IUAV e diplomata in Pittura all’Accademia di Belle Arti di Venezia. Da più di un lustro va maturando diverse esperienze con la collaborazione con artisti, curatori e fotografi attivi in ambito internazionale e curando mostre con testi a catalogo. Contemporaneamente conduce la sua ricerca artistica e un’attività espositiva di tutto rispetto, sia presso istituzioni pubbliche sia in accreditate gallerie non solo italiane ma anche in Slovenia, Germania (Berlino, Karlsruhe, Dusseldorf), Austria (Vienna, Klagenfurt), Gran Bretagna, Rep. Ceca (Brno e Praga), Slovacchia, Croazia, Svizzera, Francia, Belgio, U.S.A, Mexico, Brasile. Attualmente sue opere sono presenti a Vienna, in occasione dell’Anno Internazionale della Foresta 2011, nella mostra “Jahr des Waldes” in corso dal 21 gennaio all’8 marzo 2011, alla quale la Vicari è stata invitata, unica giovane e unica italiana in una selezione di 14 artisti europei già pienamente affermati. Marika Vicari

vive ed opera a Creazzo (VI) e Ptuj (Slovenia)

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arika Vicari is a young artist born in Vicenza in 1979 whose manner of expression, essentially through drawings, is simple and complex at the same time; her approach to her subjects – especially trees but also musical instruments – is also ambivalent: figurative, indeed intensely figurative and “abstract” at the same time. Here abstract is intended as a work which does not have itself as its fulcrum, but rather the artist’s intentionality. In short, as Wilhelm Worringer wrote in his essay, Abstraktion und Einfuhlung (“Abstraction and Empathy” in 1908), the form is conceived as the unique and unrepeatable result of the encounter between man and the world ... between Marika and the trees in this case. But it does not seem possible, guarding the magic woods, the intricate bushes, the trees standing out along the bend of a river or stiffened in the snow, drawn using graphite (pencil) on poplar panels, that these subjects have no references to natural reality, that their existence is not a reproduction of what the artist sees with her eyes in the act of appearing, but places itself exclusively in the memory of that experience. Yet this is Marika’s Vicari’s method: “For me, depicting,” she says, “is drawing with the gaze, making measurements and developing reflections. And so, the depiction of the landscape, a place of crossing, appears marked by traces of the human path, as if my own work wishes to compare its own metamorphosis with the transformations that mark out the wood but also the life of man, his flowing, his mutability and his ceaseless becoming, fixed on the paper, on wood, to reach the origin of things, in an attempt to recount it and release its extreme power. Often the line traced by me with graphite on the panel is not fixed but begins to change, move, deform and sometimes expand. At the beginning I attempted to dissolve the images as if everything that appeared to me was momentary but nevertheless capable of providing an illusion of the real. Then, my somewhat removed, abstract and distant gaze made itself an acute and penetrating investigator. Today I attempt to create images that range beyond the physical, contingent appearance, almost as if they wished to give back a new dimension. My landscapes are all dominated by silence as if there were something that was appropriating itself of my body with closed eyes. It is said that with the tree, Nature completed it work above man’s gaze; perhaps this is the reason that drives me to lose myself in the woods. To walk, to cross, almost an intimate and profound way of looking at the landscape ...”. These are the sentences Vicari uses to describe the processes of her own way of drawing – almost exclusively in monochrome – in the catalogue of a show dedicated to her in 2008 in the Kro Art Gallery in Vienna, entitled “Populus tremula”. Poplar is her preferred medium: reduced into thin sheets, this wood lends its pallid yellow colour to the backgrounds, left natural, of the drawings and its slight chromatic variations conserve the trembling triggered by the breath of the wind. The images of trees that the artist transfers onto these slender sheets which are still fragrant with life can be both very lar-

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Lo sguardo in cammino, tempo II 2008 Grafite su legno | Graphite on wood cm. 160x40 nell’altra pagina | on the other page

Lo sguardo in cammino, tempo II 2008 Grafite su legno | Graphite on wood cm. 160x40

MARIKA VICARI A GAZE ON THE TRAIL

by G. G.

As I walk 2008

Grafite su legno | Graphite on wood cm. 20x20

As I walk 2008

Grafite su legno | Graphite on wood cm. 20x20

As I walk serie 2009

Grafite su legno | Graphite on wood cm. 20x20

As I walk 2008

Grafite su legno | Graphite on wood cm. 20x20

As I walk 2008

Grafite su legno | Graphite on wood cm. 20x20

Solo land e scape 2007 cm. 120x30

ge or on a very small scale: with a long field with a broad gaze towards the horizon or zigzagging like a race along a twisting trail; translated into 20x20 squares, like a glimpse through a narrow ceiling window; high and thin, in separate panels as in the view through a partly closed door; horizontal and broken up by the intervals of a train window passing through a wood ... “My work requires a lot of time,” she says; “for working, for thinking and for acting on the support. I draw with the gaze, I make measurements, both when I observe nature and when I paint. The investigation of the light is fundamental, both the light I try to create with the graphite and as an element that explains the phenomena of nature. For some years, and for my latest works I have opted for black and white which allows me greater abstraction, returning to the origin of things to release the extreme force. For me the tree, the wood and the landscape are tools-pretexts used as a path for reflection on the potential of the pictorial image. I offer slices of landscape which, fleeing from the territories of the urban, reveal the search for equilibrium with the place, above all for me myself.” It is a real and metaphorical journey which opens a great many physical and mental perspectives for this young but already mature artist, a graduate in the Design and Production of Visual Arts from the IUAV – University Institute of Architecture in Venice – and holder of a diploma in painting from the city’s Accademia di Belle Arti. She has been maturing different experiences for over five years through her collaboration with artists, curators and photographers in an international framework and curating shows and catalogues. At the same time she has been pursuing her artistic research with successful shows both in public institutions and in accredited galleries not just in Italy but also in Slovenia, Germany (Berlin, Karlsruhe, Dusseldorf), Austria (Vienna, Klagenfurt), Great Britain, the Czech Republic (Brno and Prague), Slovakia, Croatia, Switzerland, France, Belgium, U.S.A, Mexico, and Brazil. At present her works are on show in Vienna on the occasion of the International Year of the Forest 2011 at the “Jahr des Waldes” exhibition from 21 January to 8 March 2011 to which Vicari was invited, the only young artist and only Italian in a selection of 14 European artists who are already established. Marika Vicari

lives and works in Creazzo (VI) and Ptuj (Slovenia)

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Fabiano De Martin Campi Topranin d’introspezione scultorea di Gianluca D’Incà Levis

F

abiano De Martin Topranin nasce nel 1984 a Padola di Comelico (BL). Studia a Dobbiaco e a Brunico, in una regione dolomitica in cui la tradizione dell’artigianato artistico ligneo è molto forte. In generale, per uno scultore autoctono, la tradizione è sia radice che limite ed è’ con essa che egli deve confrontarsi, qualora aspiri a definire un modello inedito. Negli anni recenti, diversi artisti d’area altoaltesina sono venuti alla ribalta, rinnovando linguaggio, tecniche e stili della scultura lignea (Walpoth e Verginer, e poi Aron e Gerhard Demetz, Senoner), introducendovi elementi nuovi, senza sacrificare tuttavia sull’altare del contemporaneo ogni indice d’identità e provenienza […]. Il lavoro di De Martin Topranin ha cominciato ad evolversi significativamente a partire dal 2008. Egli scolpisce soprattutto il tiglio, un legno chiaro che consente di smaterializzare la figura, liberandola del peso e conferendole uniformità. Questo alleggerimento formale serve anche a bilanciarne l’intensità espressiva, stemperandone in parte la drammaticità. La prima mostra personale di De Martin Topranin (Belluno, 2009) aveva titolo Blocchi. I blocchi sono le posizioni di forza statica assunte dalle figure. L’autore infatti sembra quasi congelare il lato vivo dei soggetti, fissando il fulcro delle loro nature. La captazione dell’intensità emotiva è poi ritrasmessa, con forza plastica impressionante, nei lavori, sintetici, fermi, energici ad un tempo. […]. La modellazione plastica è dunque lo strumento per un’indagine esistenziale dell’uomo contemporaneo e del suo spirito. Le psicologie, le solitudini, la problematicità dei rapporti interpersonali, vengono fissate definitivamente nelle fisionomie e nelle posture dei personaggi attraverso uno sguardo che è assieme crudo, dolce e dolente. Dal 2008, l’attitudine di De Martin a interpretare la complessità dei rapporti umani lo porta a realizzare coppie di figure. Dopo L’Alchimista e il Mago (2008) ecco le serie dei Boys (2009), e Uomo e Donna (2010), tutte opere a dimensione reale. I Boys sono fragili angeli terreni. Nulla di leggero è nelle loro posture di ragazzi. Grevi la masse dei palchi

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Boy 1 & 2 (particolare) 2009 Tiglio | Lime cm. 180x100x85

d’ali. Negli sguardi, un confronto intenso che è studio, interrogazione radicale, tanto tesa da farsi duello. Sculture e progetti più recenti, confermano la tendenza a pensare, a progettare una scena nella quale sembrano coincidere ed equivalersi le dimensioni temporale, spaziale ed esistenziale. La rappresentazione di attese, distanze, possibilità produce tra i soggetti campi di tensione palpabile. Queste scene prefigurano la possibilità di uno sviluppo psicologico-installativo del lavoro, con gruppi di figure dislocate nello spazio a creare mappe e percorsi, reti che nascono dalla tensione degli sguardi. Uno spazio minato, elettrico, plasmato sui portati psichici. Ricordiamo le scene di George Segal, dove però la forza della composizione è determinata dalla posizione delle figure mentre i volti restano muti, indifferenti. In De Martin Topranin invece, la carica e la forza plastica che escono dai corpi e dai volti producono l’innesco di un campo energetico intenso. Centrale permane quindi il rapporto del singolo uomo con l’altro, più della stigmatizzazione sociale dei comportamenti di gruppo. Fabiano De Martin Topranin

vive ed opera a Padola di Comelico (BL)

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Uomo (particolare) 2010 Tiglio | Lime cm. 183x60x40

Il mago e l’alchimista 2008 Tiglio dipinto |

cm. 198x85x30

Fabiano De Martin Topranin Fields of introspection in sculpture by Gianluca D’Incà Levis

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abiano De Martin Topranin was born in 1984 in Padola di Comelico (Belluno, Italy). He studied in Dobbiaco, Brunico, in a Dolomite region which has a strong artistic tradition in artisan wood sculpture. In general, tradition is both the roots and a limitation for the native sculptor, a vehicle for self examination at times when he aspires to define a new model. In recent years, various artists from the Alto Adige area have entered the limelight, renewing the language, techniques and styles of wood sculpture (Walpoth and Verginer, followed by Aron and Gerhard Demetz, Senoner) and introducing new elements, but without sacrificing every indicator of identity and origin on the altar of contemporary art […]. De Martin Topranin’s work began to evolve significantly from 2008. He likes to sculpture especially lime wood (linden or basswood), a light-coloured wood which lends itself to carving and is naturally lightweight and uniform. This formal lightness serves to balance the expressive intensity and to some degree dilute the dramatic quality of the figures.

De Martin Topranins’s first exhibition (Belluno, 2009) was entitled Blocchi (Blocks). Blocks are the position of static strength assumed by the figures. In fact the artist almost seems to freeze the live part of his subjects, fixing the fulcrum of their natures. The capture and retransmitting of emotional intensity, with an impressive plastic strength in his works which are at the same time concise, still, and energetic […]. Plastic modelling is therefore an instrument for the search into the existence of contemporary man and his spirit. The psychologies, the solitudes, and the problems of interpersonal relationships are fixed permanently in the appearance and postures of the characters, through a look which is altogether raw, sweet, and aching. From 2008, De Martin Topranins’s tendency to interpret the complexity of human relationships is expressed in pairs of figures. After L’Alchimista e il Mago (The Alchemist and the Magician 2008), he produced the series Boys (2009), and Uomo e Donna (Man and Woman 2010), all life-size figures. The Boys are fragile terrestrial angels. There is not even a hint of lightness in the posture of these young men. A heavy wooden mass of wings. There is an intense confrontation in their looks as they study each other, a radical examination, strained as if they are ready to duel. More recent sculptures and projects confirm this tendency to think, to project a scene where temporal, spatial and existential dimensions seem to coincide. The representation of waiting, distance, and possibility produce palpable fields of tension amongst the subjects. These scenes symbolise the psychological development of the installation work. Groups of figures are displaced within a space, creating maps and routes, networks which originate from the tension in the looks on the figures. A space which resembles a mine, an electric space, moulded from the residues of the psyche. They recall the scenes of George Segal. However in Segal’s work the strength of the composition is determined by the position of the figures while the faces remain mute and indifferent. In De Martin Topranins’s work on the other hand, the charge and plastic force emitted by the bodies and faces, produce the fuse for an intense energy field. Therefore the relationship between individuals continues to be central to his work, more so than the social stigma of group behaviour. Fabiano De Martin Topranin

lives and works in Padola di Comelico (BL)

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Il mago e l’alchimista 2008 Tiglio dipinto | Painting lime cm. 198x85x30

sopra | upper

Donna (particolare) 2010 Tiglio | Lime cm. 170x55x40

sotto | down

Uomo seduto 2007

Cemento dipinto | Painted concrete cm. 45x28x33

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Sonia Ros

Storie Svelate

di Silvia Neri

L

a pittura di Sonia Ros è una miscela di linguaggi e visioni che conquista attraverso la magnetica energia che la contraddistingue, un universo che fa convivere all’interno fattori opposti: l’etereo e il concreto, l’onirico e il reale, l’irreale e il materiale. I suoi quadri raccontano l’Io che vuole rivelarsi, che desidera parlare e mostrarsi, l’Io più profondo che manifesta stati intimi dell’essere: come quando si alza il velo di Maya, Sonia Ros svela i suoi segreti e ce ne rende partecipi. Nella sua produzione artistica è riscontrabile quella dicotomia che descrive la contrapposizione tra astrazione e figurazione: i suoi quadri, permeati di sentimento e colore, raccontano il conflitto tra soggetto e oggetto, dissidio interno della stessa arte del dipingere, che trova qui spontanea soluzione. La sua pittura è in grado di suscitare emozioni intense che scaturiscono da questi due antitetici percorsi, riconducibili ancora al filone narrativo e a quello figurale, scissione interiore che si riversa sulla tela risolvendo il dubbio, trovando nel segno e nel colore il modo di esprimersi. I soggetti rappresentati da Sonia Ros appartengono al quotidiano che l’artista “veste”di una nuova identità: essi sembrano collocarsi all’interno di un momento di sospensione, in un limbo dove spazio e tempo non esistono. In questa dimensione di attesa, i suoi soggetti paiono abbracciare quella parte del mondo sensoriale che ci aiuta a capire e a distinguere gli oggetti: infatti la morbidezza del segno e dei tratti donano il senso tattile di un tessuto, mentre i colori, pregni dell’essenza simbolica, regalano alla vista quella sensazione di luminosità ricercata e a tratti evanescente. Sonia Ros non è solo pittrice, è artista in senso più ampio: non lascia nulla di inspiegato e accompagna i suoi lavori con quelle che si rivelano essere fondamentali chiavi di lettura dell’opera: i titoli. La funzione del titolo è essenziale e inscindibile dall’opera della pittrice in quanto costituisce parte integrante del quadro, come avveniva nella poesia crepuscolare, con i titoli che facevano parte del testo poetico. Il loro ruolo-guida all’interno del linguaggio pittorico dimostra quanto all’artista piaccia “giocare” sulle conoscenze proprie di ognuno invertendole. Così è nel caso de La Gatta con gli Stivali oppure ne L’ultima Maddalena dove si viene a creare la suggestione attraverso il richiamo alla dimensione onirica che emerge dal nostro subconscio e vengono messi in luce i tratti più profondi della nostra persona. Personalità indubbiamente affascinante del territorio veneto, Sonia Ros è artista attiva nel trevigiano: le sue mostre confermano il potere seduttivo della sua opera e definiscono il suo percorso artistico che, seppur tormentato da dubbi e incertezze propri dell’arte contemporanea, si pone come la liaison tra messaggio e opera d’arte, estetica ed espressione, reale e irreale. Sonia Ros

vive ed opera a Venezia e Vittorio Veneto (TV)

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Dente azzurro 2009

Tecnica mista olio e acrilico | Mixed media oil and acrilic cm. 108x203 sopra | upper

Ventre in danza 2008

Tecnica mista olio e acrilico | Mixed media oil and acrilic cm. 100x208 sotto | down

La gatta con gli stivali 2010

Tecnica mista olio e acrilico | Mixed media oil and acrilic cm. 203x203

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Sonia Ros Stories Revealed

by Silvia Neri

S

onia Ros’s painting is a mixture of languages and visions which conquer a universe that brings opposite factors to cohabit through the magnetic energy that distinguishes it: the ethereal and the concrete, the oneiric and the real, the unreal and the material. Her paintings speak of the ego that wants to reveal itself, that wishes to speak and show itself, the deepest ego that manifests intimate states of being: Sonia Ros reveals her secrets and makes us participant like when the veil of Maya is raised. Her artistic output can be found in the dichotomy which describes the conflict between abstraction and figuration: her paintings, permeated by sentiment and colour, recount the antagonism between subject and object, internal strife in the very art of painting which finds a spontaneous solution here. Her painting is capable of arousing intense emotions that spring from these two antithetic paths, still referable to the narrative and to the figurative thread, an interior scission that is poured onto the canvas to solve the doubt by finding the way of expressing itself through the sign and colour. The subjects depicted by Sonia Ros belong to everyday life that the artist “dresses” in a new identity: these seem to place themselves within a moment of suspension, in a limbo where space and time do not exist. In this dimension of expectation her subjects seem to embrace that part of the sensorial world that helps us to understand and distinguish objects: the softness of the sign and of the traits confer the tactile sense of a fabric while the colours, pregnant with the symbolic essence, give the eye that sensation of luminosity refined and at times evanescent. Sonia Ros is not just a painter, she is an artist in the broadest sense: she leaves nothing unexplained and accompanies her work with what turn out to be fundamental keys for reading her paintings: their titles. The function of the title is essential and inseparable from the painter’s works as it constitutes an integral part of the painting, as was the case in crepuscular poetry where the titles that were part of the poetic text. Their role-guide inside the pictorial language demonstrates how much the artists likes to “play” on everyone’s own knowledge and invert it. This is the way it is in La Gatta con gli Stivali (Puss in boots) or in L’ultima Maddalena (The Last Magdalene) where a suggestiveness is created through the recall of the dreamlike dimension that emerges from our subconscious and the deepest traits of our person are brought to light. An unquestionably fascinating personality of the Veneto, Sonia Ros works in the Trevisio area: her shows confirms the seductive power of her work and define her artistic path which, though tormented by the doubts and uncertainties specific to contemporary art, places her as a liaison between the message and work of art, aesthetics and expression, the real and unreal. Sonia Ros

lives and works in Venezia and Vittorio Veneto (TV)

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Dunna bucata 2010

Tecnica mista olio e acrilico | Mixed media oil and acrilic cm. 205x138 sopra | upper

L’ultima Maddalena 2010

Tecnica mista olio e acrilico | Mixed media oil and acrilic cm. 183x203 sotto | down

Scatola di pesce 2009

Tecnica mista olio e acrilico | Mixed media oil and acrilic cm. 148x204

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L’OTTOCENTO ELEGANTE Palazzo Roverella Arte in Italia nel segno di Fortuny, 1860 – 1890

«Le signore e i signori alla moda, i borghesi ricchi ritrovavan se stessi in quelle opere. Vedevan le stesse stoffe che avevano addosso, i tappeti che avevano a casa, il lusso nel quale vivevano, e poi scarpe di raso, mani bianche, braccia nude, piccoli piedi, teste graziose. Quelle figure dipinte stavano in ozio tali e quali come loro. Al più guardavano un oggetto, o si soffiavano con un ventaglio. Le più occupate facevano un po’ di musica o leggevano un romanzo. Era il loro ritratto anzi la loro apoteosi. E si faceva a gara per averle». Francesco Netti, 1877, pittore e critico pugliese

E’

questo il ritratto dell’Ottocento proposto dalla grande mostra in programma dal 29 gennaio al 12 giugno 2011 a Palazzo Roverella, a Rovigo. Una mostra positiva e serena quella con cui la Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, l’Accademia dei Concordi di Rovigo e il Comune di Rovigo, riprendono il filone classico nella programmazione espositiva del Palazzo: quello della pittura in Italia a cavallo tra gli ultimi due secoli. Un Ottocento elegante, folcloristico e vitale, dei grandi salotti à la page, delle corse, dei balli e dei ricevimenti. E, al medesimo tempo, delle feste popolari, dei carnevali, dei balli mascherati e degli incontri tra le fronde, dei travestimenti e degli idilli. Poi l’Ottocento dei sogni popolato da carnose odalische e ammaliato dai conturbanti profumi d’Oriente.

Il vestito giallo Vincenzo Capobianchi

Olio su tela | Oil on canvas cm. 76x49 Reggio Emilia, Phidias Antiques and Interiors

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Donna con ventaglio Edoardo Tofano

Olio su tavola | Oil on panel cm. 30x25 Collezione privata | Private collection

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Ogni occasione è buona Giovan Battista Quadrone

Olio su tavola | Oil on panel cm. 25x33,5 Collezione privata | Private collection Courtesy Enrico Gallerie d’Arte, Milano

Bazar al Cairo U. Dell’Orto

Olio su tela | Oil on canvas cm. 97,5x77 Collezione privata | Private collection

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L’attenzione di Dario Matteoni e Francesca Cagianelli, che della mostra sono i curatori, si è appuntata sul trentennio 1860 – 1890. Tre decenni di grandi speranze, di euforia, di fiducia, avviato, e per certi versi attivato, dall’unificazione del Regno d’Italia. Certo fu un periodo di luci e ombre e questa mostra sceglie, non per intento celebrativo e tanto meno per scelta di occultare altre realtà, di mettere in evidenza le prime più che le seconde. A voler dar conto di una vitalità e di un vitalismo particolari, forse mai più rivissuti dalla storia successiva dell’arte in Italia. Colore e sensualità che trovano in uno spagnolo, Mariano Fortuny, il loro profeta in pittura. Fortuny dalla sua terra aveva portato il calore e il colore, il gusto per trasporre su tela la gioiosità e giocosità della vita, facendo della pittura lo specchio variopinto di queste sensazioni. Tavolozze di accesa cromia, tele di virtuosistica elaborazione. Sensazioni che nelle diverse scuole del Paese assumono peculiarità diversissime: dal gusto quasi calligrafico di alcuni, alla luminosità – il cosiddetto “Impero del bianco” – in altri, al colorismo di tradizione settecentesca per altri ancora. Così come diverse sono le “storie”: dalla celebrazione delle vicende patrie, a cronache sociali, talvolta intrise di religiosità, ma soprattutto racconto partecipe di una borghesia che stava ridefinendo il suo ruolo nel nuovo Stato unitario e che potrà offrire una solida base di un successo a tale pittura giunta senza flessioni fino agli anni ‘80.

Le grazie Attilio Simonetti

Acquerello su carta | Watercolor on paper cm. 37x48 Collezione privata | Private collection, Roma

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L’educazione Giuseppe Sciuti

Olio su tela | Oil on canvas cm. 107x76 Collezione privata | Private collection courtesy Galleria d’Arte Bentivegna, Montecatini Terme

Il baciamano Gerolamo Induno

Olio su tela | Oil on canvas cm. 85x126,5 Collezione privata | Private collection courtesy Enrico Gallerie d’Arte, Milano

ELEGANT OTTOCENTO Palazzo Roverella

Art in Italy under the star of Fortuny, 1860 – 1890 «The fashionable ladies and gentlemen, the rich bourgeoisie identified themselves in those works. They saw the same fabric that they wore themselves, the carpets they had at home, the luxury in which they lived, and then satin shoes, white hands, bare arms, small feet and graceful heads. The painted figures were at leisure exactly like them. At most they gazed at an object, or cooled themselves with a fan. The busiest played a little music or read novels. They were their portraits or, rather, their apotheoses. And they competed to get their hands on them». Francesco Netti, 1877, painter and critic from Apulia

T

his is the portrait of the nineteenth century proposed in the major exhibition scheduled from 29 January to 12 June 2011 at Palazzo Roverella in Rovigo. It is a positive and serene exhibition with which the Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, the Accademia dei Concordi di Rovigo and the Commune di Rovigo, resume the classic thread of the Palazzo’s exhibitive programming: that of painting in Italy over the last two centuries. It showcases an elegant Ottocento, folky and vital, of the great fashionable drawing rooms, of the races, of the balls and of the receptions and, at the same time, of popular fêtes, carnivals, masked balls and encounters amid the greenery, of dressing up and of idylls. Then there was the Ottocento of dreams populated by fleshy odalisques and bewitched by the thrilling perfumes of the Orient.

The attention of the show’s curators, Dario Matteoni and Francesca Cagianelli, focussed on the thirty year period from 1860 to 1890: three decades of great hope, euphoria and confidence triggered to a certain extent by the unification of the Kingdom of Italy. It was certainly a period of light and shadows and this exhibition has decided to highlight the former rather than the latter, not for celebrative purposes nor much less so to conceal other realities, but to showcase a particular vitality and vitalism, perhaps never experienced again in the subsequent history of art in Italy. This colour and this sensuality would find their prophet in painting in a Spaniard. From his own land Fortuny brought warmth and colour, the taste for transposing the joyousness and playfulness of life onto the canvas, making painting the multicoloured mirror of these sensations: palettes of vivid colour, canvasses of virtuous elaboration. Sensations which in the various schools of the country assume extremely diverse peculiarities: from the almost calligraphic flavour of some, to the luminosity – known as the “Empire of white” – of others, to the colourism of the eighteenth century of others again. And so the “stories” are quite different: from the celebration of patriotic events, to social chronicles, sometimes imbued with religiosity, but especially accounts of a bourgeoisie which was redefining its role in the new unified state and which could offer a solid base for the success of this painting which continued without downturns until the eighties. 29|01|2011 - 12|06|2011 L’OTTOCENTO ELEGANTE Arte in Italia nel segno di Fortuny, 1860-1890 Rovigo, Palazzo Roverella

Rovigo, Palazzo Roverella, via Laurenti 8/10

MARIANO FORTUNY FIGLIO. La Nuova eleganza.

Rovigo, Fratta Polesine, Villa Badoer, Via Tasso 1 Info: Tel 0425 460093 - Cell 348 3964685 www.ottocentoelegante.it

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LA SCULTURA LINGUA VIVA

ARTURO MARTINI

L’

di Giovanna Grossato foto di Roberto Mascaroni

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aneddoto che descrive Arturo Martini ragazzino nell’atto di sottrarre qualche manciata di creta dai carri che portavano il materiale nelle fabbriche ceramiche, ne dà l’immagine di un eroico scugnizzo, posseduto da una grande, precoce e indomabile passione. Cosa probabilmente vera, visto che la scultura diviene fin dalla primissima giovinezza la sua attività elettiva, dopo una breve (e pessima) esperienza scolastica che, evidentemente non era riuscita a penetrare in maniera incisiva nella sua personalità pur difficile e complessa. Nel 1901, infatti, il giovane Arturo lascia definitivamente gli studi per impiegarsi come garzone in un’oreficeria di Treviso, la città dove era nato nel 1889. L’unica opera rimasta di quel periodo è “Veneziano del Settecento”, firmata e datata 1905, testa di ponte per l’attività degli anni immediatamente successivi, quando egli passerà a lavorare presso una fabbrica di ceramica, prendendo anche lezioni dallo scultore Antonio Carlini che gli trasmette il proprio amore per Canova; così che nel 1907 Arturo riesce già ad esporre a Treviso otto opere strutturate in modo assai libero e personale. L’anno seguente l’artista si trasferisce a Venezia: studia con Urbano Nono e presso la scuola libera del nudo dell’Accademia di Belle Arti; quindi va a Monaco dove ha come maestro Adolf von Hildebrand e si nutre di cultura classica, trascorrendo molte ore della giornata nei musei ad ammirare i gessi dei grandi artisti del passato: Michelangelo, Donatello, Luca della Robbia. Solo a Parigi, qualche tempo dopo, entrerà in contatto anche con le esperienze delle avanguardie che tuttavia lo sfiorano senza grande impatto: il suo occhio attento è rivolto comunque sempre al mondo classico che interpreterà sempre da autodidatta insofferente delle regole, interessato piuttosto al

Vittoria dell’aria 1934 Bronzo | Bronze

“mestiere”, mentre le forme da dare ai suoi lavori le cerca e le trova dentro di sé. Parlando della terracotta “Il Sogno” e della statua in pietra di Vicenza “La Convalescente” scrive: “Il mio male è più grave della mia forza creativa. E allora mi sono messo a lavorare a rovescio e mi sono cavato gli occhi, che erano la mia malattia, per aver veduto tutte le statue del mondo.” La maturità artistica è già presente in opere come “L’amante morta” (in gesso policromo), “Il dormiente” (fuso in bronzo) entrambi del 1921 o l’“Ofelia” del 1922, un gesso in cui la forma asseconda mirabilmente, sinteticamente e con grande coerenza il tema letterario che si fa intenso nell’abbandono delle mani e dei piedi della fanciulla annegata. Un altro soggetto importante e meritatamente famoso, di una saldezza e un dinamismo implacabili, è il gruppo con “Il Figliol Prodigo”, un grande bronzo del 1927; ma anche nei ritratti di piccole dimensioni di questo decennio vi è la stessa monumentalità intensa di temi più aulici, come ne “La Nena” del 1928, in terracotta da stampo, esposta in mostre internazionali in tutto il mondo. Anche la scrittura fornisce un apporto alla conoscenza delle sue problematiche artistiche: due anni prima della sua morte, nel 1947, Martini pubblicava una raccolta di riflessioni dal titolo drastico: “La scultura lingua morta”. Del resto egli aveva anticipato questa uscita letteraria già nel 1939, abbandonando per un paio d’anni la scultura e dedicandosi alla pittura. In realtà in quelle pagine l’artista voleva denunciare i difetti della statuaria monumentale e funeraria retorica, una “forma di oratoria o nei casi migliori di eloquenza, con il compito di celebrare gli dei, i santi, gli eroi.” In effetti alcune commissioni accettate per situazioni commemorative e ufficiali, lo avevano lasciato a volte scontento. Ma la soddisfazione rimaneva comunque relativa al soggetto: come per il “I Benefattori- Gruppo degli Sforza” (in Piazza Ospedale Maggiore a Milano) in marmo di Carrara del 1938-39, o per il “Tito Livio” per l’Università -Liviano di Padova (1942) di cui andava fiero, definendo invece una “porcheria” la “Vittoria” realizzata per le Poste di Napoli che trovava comprensibile i napoletani avessero ribattezzata “la befana”. Certi altri lavori “pubblici”, come i rilievi per la sala della Corte d’Appello al Palazzo di Giustizia di Milano che rappresentano la “Giustizia Corporativa”, in marmo di Carrara, del 1937 li eseguiva dicendo “questo è il mio mestiere”. Infatti era anche attraverso tali attività che egli riusciva ad affinare sempre più la sua tecnica; ad esempio, durante la lavorazione degli altorilievi per l’Arengario di Milano (1940-42) egli produce un marmo come “Il Toro” che prelude all’estrema libertà della “Scomposizione del toro” (1943) e alla realizzazione di quell’ultimo grande capolavoro che è il monumento a un partigiano morto trentenne cui dà il titolo di “Palinuro”, pure del ’43, totalmente ed incredibilmente privo di ogni retorica bellica. Del resto felici intuizioni di una forma “espressiva” di grande potenza erano stati anche “Uomo che beve” (1933-36) e “La sete” (1934), entrambe in pietra di Finale, simili ai calchi pompeiani nella loro ruvida e porosa essenzialità, capace di cogliere e fissare per sempre la forza quasi sacrale di un gesto. 48

Rilievi dell’Arengario 1940-1942 Marmo di Carrara | Carrara’s marble

Gli amanti 1927 Ceramica | Ceramic

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ARTURO MARTINI SCULPTURE, A LIVING LANGUAGE by Giovanna Grossato photo by Roberto Mascaroni

T

he anecdote that describes Arturo Martini as a boy grabbing a few handfuls of clay from the carts carrying the material to the potteries provides the image of a heroic urchin, possessed by a great, precocious and indomitable passion. This is probably true, given that right from his earliest years, sculpture became of chosen activity, after a brief (and awful) scholastic experience which was evidently unable to penetrate his quite difficult and complex personality in any incisive manner. In 1901, in fact, the young Arturo definitively abandoned his studies for employment as an apprentice boy in a jeweller’s in Treviso, the city in which he was born in 1889. The sole work that has remained from that period is “Veneziano del Settecento” (“Eighteenth century Venetian”), signed and dated 1905, the bridgehead for his activities during the years immediately afterwards when he would go on to work in a ceramics factory while also taking lessons from the sculptor, Antonio Carlini, who passed on his own love for Canova. Then in Treviso in 1907 Arturo managed to exhibit eight works structured in quite a free and personal manner. The artist moved to Venice the following year: he studied with Urbano Nono and at the free school of the nude at the Accademia di Belle Arti. He then went to Munich where he found Adolf von Hildebrand as a teacher and nourished himself with classical culture, passing many hours of the day in museums and admiring the plaster casts of the great artists of the past: Michelangelo, Donatello and Luca della Robbia. It was only in Paris some time later that he also came into contact with the experiences of the avant-gardes which did not have a great impact on him though: his attentive eye continued to be directed towards the classical world which he would still interpret as an autodidact, impatient with the rules but, instead, interested in the “craft”, while he sought and found the forms to give to his works inside himself. Speaking of the terracotta “Il Sogno” (“The Dream”) and the statue in Vicenza stone “The Convalescente” (“The Convalescent”), he

La Nena 1930

Ceramica | Ceramic

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L’Annunciazione 1933

Pietra di Vicenza | Vicenza’s stone

wrote: “My sickness is more serious than my creative power. And so I put myself to work in reverse and I took out my eyes, which had been the cause of my illness as they had seen all the statues in the world.” His artistic maturity is already present in works such as “L’amante morta”, the “Dead Lover” (in polychrome plaster) and “Il dormiente” (“The Sleeper”), both from 1921, or the “Ofelia” of 1922, a work in plaster whose form admirably, concisely and with great consistency reflects the literary theme which reaches its intensity in the abandonment of the hands and feet of the drowned girl. Another important and deservedly famous subject, with an implacable firmness and dynamism, is the group with “Il Figliol Prodigo” (“The Prodigal Son”), a large bronze from 1927; but there is also the same intense monumentality of the more solemn themes in the small-scale portraits from this period, as in “The Nena” of 1928, in moulded terracotta, exhibited in international shows all over the world. Writing also provides a contribution to an awareness of his artistic problems: two years before his death in 1947, Martini published a collection of reflections with a severe title: “Sculpture, a dead language”. In any case, he had already anticipated this literary revelation in 1939 when he abandoned sculpture for a couple of years and dedicated himself to painting. In reality, the artist wanted on these pages to denounce the defects of the rhetorical monumental and funerary statuary, a “form of oratory or in the greater cases of eloquence, with the task of celebrating the gods, the saints and the heroes.” In effect, some commissions accepted for commemorative and official situations had sometimes left him unhappy. The satisfaction could depend on the subject: this was the case with the “I Benefattori- Gruppo degli Sforza” (in Piazza Ospedale Maggiore in Milan) in Carrara marble in 1938-39, or with the “Tito Livio” for Padua’s Università-Liviano (1942) which he was proud of, while he considered the “Vittoria” made for the Naples Post Office to be a “pig’s dinner”. While Then he considered other “public” works, such as the reliefs for the hall of the Court of Appeal in Milan’s Palazzo di Giustizia which represented “Corporative Justice”, in Carrara marble in 1937, to be the work “of my trade”. It was also through these activities in fact that he was able to increasingly refine his technique; for example, when working on the high reliefs for the Arengario in Milan (1940-42) he produced a marble work such as “Il Toro” (“The Bull”) which foreshadows the extreme liberty of the “Scomposizione del toro” (“Decomposition of the bull”) (1943) and to the realization of that last great masterpiece, the monument to a partisan dead at thirty which he entitled “Palinuro”, also from 1943, and which is totally and incredibly free from all martial rhetoric. Other successful insights into an “expressive” form of great power included “Uomo che beve” (Man drinking”) (1933-36) and “La sete” (“Thirst”) (1934), both in Finale stone.

Il sogno 1941

Marmo nero | Black marble

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Sculture fischianti: la forma del suono È

di Marco Maria Polloniato

un dialogo tra terra ed aria, tra terreno ed ultraterreno. una tradizione millenaria veicolata attraverso una tecnica altrettanto antica, che fa muovere le mani e il pensiero per trasporre l’anima dell’uomo nelle sue opere. Dare forma ad un suono significa dominare la parte aerea e impalpabile della comunicazione, per ricondurla ad un nesso logico-visivo e materiale che passa attraverso i nostri sensi. Denis Imberti e Stefano Tasca, due amici che siglano il proprio lavoro congiunto con il nome Sprout, hanno ben chiara la necessità di reinvenzione di una materia, sorprendente e abusata quale è la ceramica. Il loro percorso artistico, cominciato nel 1995 con un altro nome (Seme) e con un altro compagno di viaggio (Mauro Quattoni), è caratterizzato da una forte connotazione filosofica di fondo, o meglio, da una consapevolezza dettata da un’indole scevra dalle facili logiche del mercato. Il loro “manifesto”, una dichiarazione d’intenti alla quale si attengono in maniera naturale, pone l’accento sulla provocatoria necessità di uscire da astrusi concettualismi. Ecco perchè le loro sculture sonore sono autentiche e vissute, sono espressione assolutamente genuina del rinnovamento che l’uomo deve portare rispetto alla tradizione per inserirsi in un presente ipertecnologico e spersonalizzato. Laddove oggi domina l’idea di una riproposta in chiave industriale di modelli resi appetibili da una creazione a tavolino, l’alternativa è da ricercare nell’uso consapevole del proprio estro creativo, nel far germogliare le esperienze di tradizioni secolari, quale, ad esempio, quella dei “cuchi”. Sculture che trovano libertà di forma riecheggiando suggestioni vicine e lontane, segni decorativi e geometrici declinati secondo modelli antichi. Opere che anche nei nomi citano luoghi della mente, della letteratura o dell’arte: “Gregor Samsa”, “Likeness family”, “don Quijote de la Mancha”, la dedicatoria “Andrea e Loris Bernardi” fino alla più recente serie “Old testament”. Non si tratta del Neo Artigianato di tipo anglosassone, teorizzato un paio di anni fa da Levine e Heimerl nel loro “Handame nation - The Rise of DIY, Art, Craft, and Design”. Perchè la franchezza e la ricerca puntuale insita nei lavori di Sprout ha come fine il «liberarsi dall’eccessiva superficialità ed ossessione di accademiche provocazioni scontate; significa reimparare, nel terreno fra arte ed artigianato, […] fra il locale e il globale, qualsiasi manifestazione antroposegnica espressa, nelle infinite varianti indivi52

Demir Altamura 2003 Sprout Arte

Ceramica e acrilico | Ceramic and acrilic

Cole Robutti 2003 Sprout Arte

Ceramica e acrilico | Ceramic and acrilic

nell’altra pagina | on the other page

Harrison Pressman 2007 Sprout Arte Ceramica e olio | Ceramic and oil

duali, dalle storie culturali dei popoli mondiali.” Esiste piuttosto una continuità con chi, insegnante nella vita e punto di riferimento “controcorrente”, ha fatto una scelta consapevole e creativa, dedicando e indirizzando le proprie aspirazioni al racconto meditato, modellato con l’argilla. Francesco Rigon, professore al liceo artistico di Padova vanta anche una concreta esperienza nel campo del design industriale in quell’unica e irripetibile stagione di inizio anni ‘70 quando fondò, con Toni Bernardi e Massimo Gosetto, il Laboratorio Giallo. A quella parentesi creativo-funzionale, ha fatto seguito l’esigenza di conoscere l’arte orientale attraverso un lungo processo di interiorizzazione. Una rieducazione alla figura ed al suo declinarsi oltre le geometrie nate dagli echi di lontana memoria della scuola di Weimar. Dalle forme geometriche della serie dei “Bottoni” ai “Grembi”, al tentativo, dagli anni Ottanta in poi, di raccontare la società nei suoi vari aspetti. Ecco quindi il ritorno ad una icona ceramica, il fischietto o meglio, il “cuco” inteso come scultura rappresentativa del contemporaneo. Se da un lato il pensiero scivola docile alla lezione di vita di Federico Bonaldi (riconosciuto esempio di coerenza), dall’altro è evidente che il germe creativo insito in Rigon non trova requie se non nella continua rilettura e reinvenzione dell’attualità. Ovviamente non è solo questo. L’aspirazione al trascendente si erge forte in molte delle opere realizzate, ma spinta dal basso, dal legame con ciò che di più sincero e semplice la terra stessa porta con sé. Ecco quindi la serie degli “Arcaici”, in cui l’avvitarsi dell’argilla in una forma primitiva e appena accennata fa da contraltare all’uso di pochi colori. La conoscenza e l’avvicinamento alle antiche culture tradizionali italiche, lascia il segno per reinserire forme e simbologie millenarie in contesti iconografici che mescolano la morte con i sogni, il primitivismo con l’attuale. Il valore delle opere di Rigon, affiancato dal parallelo percorso artistico della moglie Nicoletta Paccagnella, ha avuto importanti riconoscimenti internazionali (un suo pezzo fu acquisito nel 1992 dal Museo di Gifu, Giappone). Il filo rosso che si dipana in buona parte della sua produzione è proprio questo: una ricerca che comunica, che non si limita a proporre suggestioni estetiche, ma suggerisce un personale e spesso ironico viatico al quotidiano. SPROUT ARTE Denis Imberti – Stefano Tasca

vivono e lavorano a Nove (VI) www.sproutarte.it

Francesco Rigon

vive e lavora a Nove (VI)

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Whistling sculptures: the form of sound by Marco Maria Polloniato

Djoko Fabbray 2004 Sprout Arte

Ceramica e acrilico | Ceramic and acrilic

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I

t is a dialogue between earth and air, between the land and the beyond, a millenary tradition diffused by an equally ancient technique which makes the hands and thought move to transpose man’s soul in his works: giving form to a sound means dominating the aerial and impalpable part of communication in order to return it to a logical-visual and material nexus which passes through our senses. Denis Imberti and Stefano Tasca, two friends who sign their works jointly with the name ‘Sprout’, clearly feel the need to reinvent such a surprising and abused material such as ceramic. Their artistic itinerary, begun in 1995 with another name (Seme) and with another travelling companion (Mauro Quattoni), is characterized by a powerful basic philosophical connotation, or better, by an awareness dictated by a disposition unaffected by the easy logic of the market. Their “manifesto”, a declaration of intents that they comply with in a natural manner, places the accent on the provocation required for getting away from abstruse conceptualisms. That’s why their sonorous sculptures are authentic and lived: they are the absolutely genuine expression of the renewal that man must carry forward visà-vis the tradition in order to place himself in a hyper-technological and depersonalized present. Where the idea of a reproposal in an industrial key of models rendered appetizing by work on the drawing board dominates, the alternative is to be found in the conscious use of your own creativity, to allow the experiences of centuries-old traditions to sprout, those, for example, of the “cuchi”. Their sculptures find formal freedom by re-echoing close and far-off suggestions, decorative and geometrical signs declined according to ancient models. Works whose names also quote places of the mind, or literature and of art: “Gregor Samsa”, “Likeness family”, “don Quixote de la Mancha”, the dedications to “Andrea e Loris Bernardi” and the most recent “Old testament” series. It is not a case of the new craft movement of an Anglo-Saxon type theorized a couple of years ago by Levine and Heimerl in their “Handmade nation - The Rise of DIY, Art, Craft, and Design”. This is because the finality of the frankness and the precise research inherent in Sprout’s works is to “free ourselves from the excessive superficiality and obsession of trite academic provocations; this means relearning, on the ground between art and crafts, [...] between the local and the global, an anthropo-semantic manifestation expressed, in the infinite individual variants, by the cultural histories of the world’s peoples.” Instead, rather, there is continuity with those who, teachers in life and reference points against the grain, have made a conscious and creative choice, dedicating and addressing their aspirations to the mediated narration, modelled with clay. Francesco Rigon, professor in the Liceo Artistico in Padua, also boasts concrete experience in the field of industrial design during that unique and unrepeatable season which was the beginning of the nineteen seventies when he founded the Laboratorio Giallo along with Toni Bernardi and Massimo Gosetto. This creative-functional parenthesis was followed by the need to know oriental art through a long process of interiorization, a re-education to the figure and to its inflection beyond the geometries that spring from the distant memory of the Weimar School. From the geometrical forms of the “Bottoni” series to the “Grembi” to the attempt from the eighties onwards to tell the story of the various aspects of society. Hence the return to a ceramic icon, the whistle or, rather, the “cuco” intended as a representative and contemporary sculpture. If on the one hand our thought slides smoothly to life’s teachings from Federico Bonaldi (recognized as an example of consistency), on the other hand it is obvious that the creative seed innate in Rigon finds no rest except in the continuous rereading and reinvention of the present. Obviously it is not just this. The aspiration towards the transcendent springs up powerfully in many of the works created, but thrust upwards from below, from the link with what is most sincere and sim-

ple that the land brings with it. Hence the “Arcaici” series in which the winding of the clay in a primitive and barely hinted at form acts as the counterpart to the spare use of colour. Knowledge of and the approach to the ancient traditional Italic cultures leaves the sign for reinserting millenary forms and symbolisms in iconographic contexts that mix death with dreams and primitivism with the present. The value of Rigon’s works, flanked by the parallel artistic path of his wife, Nicoletta Paccagnella, has been highly appreciated internationally (one of his pieces was purchased in 1992 by the Gifu Museum in Japan). The live wire which threads through a large part of his production is precisely this: a search that communicates, that is not limited to making aesthetic suggestions, but suggests a personal and often ironic viaticum for the quotidian.

Angelo circense 2008 Francesco Rigon Ceramica | Ceramic

SPROUT ARTE Denis Imberti – Stefano Tasca

lives and works in Nove (VI) www.sproutarte.it

Francesco Rigon

lives and works in Nove (VI)

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ARTE ARTE CINETICA CINETICA MUSEO CIVICO “UMBRO APOLLONIO” a San Martino di Lupari (PD)

I

l Museo viene fondato nel 1981 per decisione del Consiglio comunale di San Martino di Lupari (PD) e tale delibera costituisce l’atto conclusivo di una serie di iniziative e di una intensa attività espositiva sull’arte contemporanea che aveva caratterizzato gli anni precedenti. Anima promotrice l’artista Edoer Agostani, nato nel 1923 a San Martino di Lupari e morto nel 1986, anno in cui era stato invitato alla XLII^ Biennale Internazionale di Venezia. L’indirizzo del Museo è particolarmente attento all’arte Cinetica e Programmata, una sorta di neo-costruttivismo che prende vita dal 1960 e che andrà determinando anche la specificità delle nuove acquisizioni. A suggellare l’impostazione di fondo della collezione, assolutamente unica nel panorama internazionale e apprezzata anche da personalità come Giulio Carlo Argan e Bruno Munari, contribuisce la dedicazione ad Umbro Apollonio, che con la sua attività di docente universitario, di critico militante e di direttore della Biennale di Venezia aveva divulgato e sostenuto le poetiche di questa tendenza artistica. Oltre a catalizzare l’attenzione degli artisti e degli addetti ai lavori il Museo si rivolge al mondo della scuola, proponendo didatticamente le 96 opere di 77 artisti locali, nazionali e internazionali presenti nella collezione tra cui spiccano: Marina Apollonio, Antonio Asis, Alberto Biasi, Agostino Bonalumi, Ennio Chiggio, Hugo Demarco, Lia Drei, Colette Dupriez, Nato Frascà, Ferruccio Gard, H. Jorg Glattfelder, Franco Grignani, Edoardo Landi, Julio Le Parc, Estuardo Maldonado, Attilio Marcolli, Manfredo Massironi, Giuseppe Minoretti, Marcello Morandini, François Morellet, François Morisson, Bruno Munari, Pompeo Pianezzola, Salvador Presta, Piero Risari, H. Garçia Rossi, Paolo Scirpa, Aldo Schmidt, Victor Simonetti, Françisco Sobrino, Grazia Varisco, Shizuko Yoshikawa, Jean-Pierre Yvaral, Gaetano Kanizsa.

A. Manfredi

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A. Biasi

B. Bonetti

A. Battaran

KINETIC ART

“UMBRO APOLLONIO”MUNICIPAL MUSEUM

at San Martino di Lupari (PD)

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he Museum was founded in 1981 following a decision by the town council of San Martino di Lupari (Padua) and this resolution constitutes the final deed in a series of initiatives and of intense contemporary art exhibition activities which characterized the previous years. The promoting spirit was the artist Edoer Agostani, born in 1923 at San Martino di Lupari, and deceased in 1986, the year in which she was invited to the XLII International Biennale of Venice. The Museum’s direction is particularly attentive to Kinetic and Programmed Art, a sort of neo-constructivism which came into being in 1960 and which would also inspire the specificity of the new acquisitions. A contribution to consolidating the basic formulation of the collection, absolutely unique in the international panorama and appreciated by such personalities as Giulio Carlo Argan and Bruno Munari, was made by the dedication to Umbro Apollonio who, with his activity as a university lecturer, militant critic and director of the Venice Biennale had promoted and supported the poetics of this artistic trend. As well as catalyzing the attention of artistic and experts, the Museum opens out to the scholastic world, didactically proposing the 96 works of 77 local, national and international artists present in the collection, including: Marina Apollonio, Antonio Asis, Alberto Biasi, Agostino Bonalumi, Ennio Chiggio, Hugo Demarco, Lia Drei, Colette Dupriez, Nato Frascà, Ferruccio Gard, H. Jorg Glattfelder, Franco Grignani, Edoardo Landi, Julio Le Parc, Estuardo Maldonado, Attilio Marcolli, Manfredo Massironi, Giuseppe Minoretti, Marcello Morandini, François Morellet, François Morisson, Bruno Munari, Pompeo Pianezzola, Salvador Presta, Piero Risari, H. Garçia Rossi, Paolo Scirpa, Aldo Schmidt, Victor Simonetti, Françisco Sobrino, Grazia Varisco, Shizuko Yoshikawa, Jean-Pierre Yvaral and Gaetano Kanizsa.

Museo Civico di Arte Contemporanea “UMBRO APOLLONIO” Largo Europa, 5 35018 S.Martino di Lupari +39 049 9460408 [email protected]

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Da vedere | To see

19|12|2010 - 20|03|2011

Palazzo Chiericati

A Villa Contarini la personale “Ennio Finzi. Dal nero al non colore” presenta del maestro veneziano un centinaio di opere, alcune di grande dimensione, a coprire un percorso che va dagli anni ‘50 ad oggi. Protagonista il nero, esplorato in una infinità di varianti, dall’uniformità all’emergenza segnica, dal lucido all’opaco, dalla più assoluta oscurità alle sue innumerevoli modalità di reagire alla luce sempre diversamente filtrata, catturata, intensificata, modulata, talora ricorrendo persino all’inserimento di pungenti frammenti vetrosi, esso diventa una sconfinata tastiera sulla quale avanzare sempre nuove ipotesi di superamento degli stessi confini del visibile. Del resto, Finzi ha da sempre considerato i colori prescindendo da ogni riferimento esteriore o naturalistico. ”Per me – dice - il nero è un colore estremamente allegro. Vaglielo a far capire al prossimo che il nero ti dà felicità, ti dà distensione!”. Con questa mostra, a cura di Dino Marangon e Michele Beraldo, la Regione del Veneto e il Gruppo Euromobil consolidano il progetto di proporre, a cadenza annuale, un grande artista veneto vivente, in un ideale percorso che metta in evidenza le maggiori personalità artistiche operanti a Venezia e in Terraferma.

Lascito del marchese Giuseppe Roi alla Pinacoteca di Palazzo Chiericati Presentato il 19 novembre scorso a Vicenza il Lascito del march. Giuseppe Roi alla Pinacoteca civica. E’ intervenuto Luca Massimo Barbero, Direttore del MACRO di Roma. Con i Musei vicentini Giuseppe Roi, scomparso nel 2009, ha avuto sempre un profondo rapporto, testimoniato dall’istituzione nel 1988 di Fondazione a suo nome a sostegno dell’attività degli istituti. La collezione donata spazia dal classico al contemporaneo e comprende opere di Pisanello, Maffei, Tiepolo, Canaletto, Boldini, Picasso, De Pisis e Morandi. Donati anche libri e oggetti d’arte. Legato a Giuseppe Roi anche il recente restauro di tre seggioloni vescovili in noce del XVII sec. della Pinacoteca, offerto dalla CVR di Donà & Groppo, già ditta di fiducia del marchese. Bequest of the Marquis Giuseppe Roi to the Palazzo Chiericati art gallery The Bequest of the Marquis Giuseppe Roi to the city art gallery was presented on 19 November last in Vicenza. Speakers included Luca Massimo Barbero, Director of MACRO, Rome. Giuseppe Roi, who died in 2009, always had a profound relationship with Vicenza’s museums, as witnessed by the establishment in 1988 of the foundation in his name supporting the activities of the institutions. The bequeathed collection ranges from the classical to the contemporary and includes works by Pisanello, Maffei, Tiepolo, Canaletto, Boldini, Picasso, De Pisis and Morandi. The donation also includes books and works of art. The recent restoration of three XVIII century walnut high chairs from the Museum, offered by Donà & Groppo, one of marquis’s preferred companies, is also linked to Giuseppe Roi.

Palazzo Chiericati

Piazza Matteotti, 37/39 36100 Vicenza +39 0444 222811 www.museicivicivicenza.it

Ennio Finzi

“Ennio Finzi. Dal nero al non colore” (“From black to non-colour”) at Villa Contarini presents around one hundred works by this Venetian master, some of them on a large scale, covering a path that runs from the fifties to the present day. Black is the star, explored in an infinity of variants, from uniformity to the emergence of the sign, from lucid to matt, and from the most absolute obscurity to its numberless ways of reacting to the light. Continuously filtered, captured, intensified and modulated differently, sometimes even with the inclusion of sharp glass fragments, black becomes a boundless keyboard on which to constantly propose new hypotheses for going beyond the very boundaries of the visible. In any case, Finzi has always looked on colour separately from every exterior or naturalistic reference. “For me,” he says, “black is an incredibly lively colour. Go and make your neighbour understand that black brings happiness, relaxation!” With this exhibition, curated by Dino Marangon and Michele Beraldo, the Veneto Region and the Euromobil Group consolidate the project to propose a great living Veneto artist once a year in an ideal path which highlights the greatest artistic personalities at work in Venice and the mainland.

Villa Contarini

March. Giuseppe Roi

Via Camerini, 1 35016 Piazzola sul Brenta (PD) Tel. +39 049 8778272 www.villacontarini.com

18|12|2010 - 27|03|2011 Il Mart presenta la mostra “Modigliani scultore” , un evento ideato e curato da Gabriella Belli, Flavio Fergonzi, Alessandro Del Puppo, con il supporto di un comitato scientifico composto da Anna Ceroni, Eike Schmidt, Kenneth Wayne. Tra il 1911 e il 1913 Amedeo Modigliani abbandona la pittura e si dedica alla scultura. Sono gli anni in cui l’artista mette a punto un’inedita sintesi fra elementi della tradizione e originali accenti figurativi. Come pochi altri protagonisti delle avanguardie artistiche del ‘900, l’artista livornese( 1884-1920) coglie le suggestioni della scultura arcaica, medioevale e rinascimentale italiana e poi la scoperta dell’arte orientale e tribale per dare avvio ad un rivoluzionario percorso creativo. Oggi di questi capolavori, relativamente poco conosciuti, individuati in un totale di 25 e ristudiati da Ambrogio Ceroni nel 1965, solo 15 appartengono a collezioni pubbliche, mentre le restanti sono disperse o conservate presso inaccessibili collezioni private. La mostra è accompagnata da un imprescindibile catalogo con testi di Anna Ceroni, Ilaria Cicali Alessandro Del Puppo, Flavio Fergonzi Brigitte Léal, Eike Schmidt, Kenneth Wayne. The Mart presents the exhibition, “Modigliani scultore”, an event conceived and curated by Gabriella Belli, Flavio Fergonzi and Alessandro Del Puppo with the support of a scientific committee composed of Anna Ceroni, Eike Schmidt and Kenneth Wayne. Between 1911 and 1913 Amedeo Modigliani abandoned painting and dedicated himself to sculpture. These were the years during which the artist refined an original synthesis of elements from the tradition and original figurative accents. Like few other stars of the artistic avant-gardes of the twentieth century, the Livorno artist (1884-1920) grasped the evocations of archaic, medieval and Italian Renaissance sculpture and then the discovery of the oriental and tribal art to initiate a revolutionary creative path. Today, only 15 of these relatively unknown masterpieces, of which 25 were restudied by Ambrogio Ceroni in 1965, belong to public collections, while the others are dispersed or held in inaccessible private collections. The exhibition is accompanied by an indispensible catalogue with texts by Anna Ceroni, Ilaria Cicali Alessandro Del Puppo, Flavio Fergonzi Brigitte Léal, Eike Schmidt and Kenneth Wayne.

Amedeo Modigliani

Mart

Corso Bettini, 43 38068 Rovereto (TN) Infoline +39 800 397760 www.mart.trento.it

FALSAREA Falsi, falsari, equivoci e travisamenti nell’arte Fanno ancora testo, quando parliamo di “falsi” nell’arte le parole di uno dei più grandi storici dell’arte, Cesare Brandi, che affermava che “il falso non è falso finché non viene riconosciuto per tale non potendosi infatti considerare la falsità come proprietà inerente all’oggetto”. Oggi, a distinguere l’originale, il vero da una contraffazione, sono utilizzate discipline che si avvalgono di tecnologie avanzatissime. Ma in passato spesso è accaduto che “patacche” venissero scambiate per opere autentiche e di gran valore. Fin dall’antichità già erano all’opera falsari che spacciavano copie di marmo per autentici Fidia e nel Rinascimento gli artisti ma anche i falsari “gareggiavano” con la bravura degli antichi, spesso non lasciando troppo margine tra un restauro, un’imitazione, una ricostruzione o un vero e proprio soggetto creato ex novo e spacciato per antico. Varie altre “imitazioni” vengono realizzate successivamente, fino al XX secolo con picchi di perfezione mai prima raggiunti, come per le finte sculture di Modigliani, “ritrovate” a Livorno nell’estate del 1984 da un gruppo di ragazzi che rese emblematico il problema VERO/FALSO. Già dalla seconda metà dell’Ottocento, comunque, si erano andate affermando personalità di falsari scientificamente attrezzati e addirittura specializzati: ad esempio Alceo Dossena con le sue sculture “greche”, Giovanni Bastianini che eseguiva tavole dipinte del ‘300 e ‘400, Federico Joni autore di dipinti senesi del Quattrocento. Famosi falsari degli anni Ottanta e Novanta furono una coppia di inglesi che eseguirono a regola d’arte numerosi Picasso, Matisse, Chagall, Dubuffet, Giacometti facendo persino una donazione alla Tate Gallery di Londra e che finirono in carcere nel 1999, dopo essere riusciti a mettere insieme una fortuna.

Kouros

FALSAREA Fakes, counterfeiters, equivocations and misrepresentations in art When we talk about “fakes” in art, the words of one of the greatest art historians, Caesare Brandi still ring true when he stated that “a fake is not a fake until it is recognized as such, as falsity cannot in fact be considered to be an inherent property of the object”. Today highly advanced techniques are used to distinguish the original, the real from the counterfeit, but in the past worthless objects were often exchanged for authentic and highly valuable ones. In antiquity there were already counterfeiters who peddled marble copies as authentic works by Phidias and during the Renaissance artists but also counterfeiters competed with the skill of the ancients, without leaving a lot of distinction between a restoration, an imitation, a reconstruction or a real subject created ex novo but passed off as antique. Various other “imitations” were created subsequently, right up to the twentieth century with peaks of perfection never achieved before, including the fake Modigliani sculptures “rediscovered” in Livorno in the summer of 1984 by a group of schoolboys which became emblematic of the GENUINE/FALSE problem. Already from the second half of the nineteenth century scientifically equipped and even specialized counterfeiters were establishing themselves: for example, Alceo Dossena with his “Greek” sculptures, Giovanni Bastianini who created thirteenth and fourteenth century painted panels and Federico Joni, author of Quattrocento Sienese paintings. Famous counterfeiters for the Nineteenth and Twentieth centuries include and English couple who produced countless perfect works by Picasso, Matisse, Chagall, Dubuffet, and Giacometti and even made a donation to London’s Tate Gallery and ended up in prison in 1999, after managing to make a fortune.

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le5venice

Spazio Anna Breda

le5venice contemporary art gallery occupa un prestigioso spazio affacciato sul suggestivo Campo San Fantin e sul Teatro La Fenice. Originariamente sede dell’antica Zecca dello Stato di Venezia, successivamente destinato a farmacia, lo spazio mantiene tuttora la struttura originale, con i pavimenti in marmo intarsiato e gli splendidi arredi ottocenteschi in legno, prezioso gioiello all’interno del quale si colloca la collezione di opere e oggetti proposta dalla galleria. L’esposizione dispone inoltre in uno spazio di 100 metri quadri nell’adiacente calle Minelli, distribuito su tre sale interne e due cortili privati, splendida cornice per vernissage ed eventi in galleria con uno stile tutto “le5venice”. La galleria è specializzata in arte contemporanea e fotografia e da Settembre 2010 esclusivo riferimento veneziano dell’Atelier “Colomba Leddi”di Milano. Dal 1° Dicembre 2010 presenta la sua ultima creazione pr3sent. Heike Krebs, Francesca Rossi, Lisa Vanzetto. Tre sale, tre artiste, tre gesti delicati e composti.

Le opere di Sonia Ceccotti nascono dalla gestualità quotidiana dell’artista che sceglie di reinterpretare e quindi di riciclare, attuando una rivalutazione estetica, il materiale solitamente utilizzato per imballare le tele, così che esso stesso diventi opera. Sensuali e mai volgari, i ritratti della Ceccotti sono altresì esercizio stilistico dedito a evidenziare la padronanza del segno su di una superficie incostante come il cartoncino ondulato. L’artista ha riscosso per i suoi lavori ottimi consensi di critica partecipando, tra gli altri, a Premio Arte Laguna e alla Triennale di Milano.

In Galleria | In the Galleries

Venezia 01|12|2010 - 09|01|2011

le5venice contemporary art gallery occupies a prominent space in Campo San Fantin, with windows overlooking the Teatro La Fenice. Originally the site of the ancient Zecca dello Stato in Venice, then put a pharmacy, the space still retains its original design, with inlaid marble floor and beautiful old wooden furniture, precious jewel in which you have a collection of objects and works proposed by the gallery. The exhibition also has an area of 100 square meters in the adjacent Calle Minelli, distributed in three rooms and two charming courtyards, stunning setting for gallery openings and events with a style all le5venice. The Gallery is specializes in contemporary art and photography and, from the month of September 2010, relates the only venetian “Atelier Colomba Leddi” Milan. From December 1st 2010 the gallery present his last creation pr3sent. Heike Krebs, Francesca Rossi, Lisa Vanzetto. Three rooms, three women, three kindness and compounds gestures.

le5venice

Campo San Fantin, San Marco 1891 30124 Venezia Tel. + 39 041.2960120 www.le5venice.com [email protected]

Padova

Sonia Ceccotti

The works of Sonia Ceccotti spring from everyday gestures of the artist who makes decisions by actuating an aesthetic re-evaluation in order to reinterpret and therefore recycle the material normally used for packaging canvasses so that it become an artwork itself. Sensual and never vulgar, Ceccotti’s portraits are also stylistic exercises dedicated to highlighting the mastery of the sign on such a fickle material as corrugated cardboard. The artist has won great appreciation from the critics for the excellence of her works, including the Premio Arte Laguna and at the Milan Triennale.

Spazio Anna Breda

Via S. Francesco, 35 35121 Padova Tel. / Fax +39 049 8774401 www.spazioannabreda.com [email protected]

Galleria IL Melone Rovigo

Fabrizio Molinario

Fabrizio Molinario vive e lavora a Novara, sua città natale. Da molti anni coltiva la passione per l’arte. Nella sua pittura gestuale e primitiva, luce e colore delineano una nuova dimensione spaziale. Le sue opere, dai colori brillanti e assoluti, e dalle forme molto semplici, bidimensionali, rappresentano antichi soldati pretoriani, gladiatori, toreri, ma anche ciclisti, tuffatori, paracadutisti, piloti, giochi di squadra. L’artista rappresentando prove di coraggio, di forza e di abilità riesce a trasmettere all’osservatore la tensione che precede ogni sfida. L’uomo è chiamato a confrontarsi con i propri limiti, le proprie paure, la propria capacità di rapportarsi con il mondo.

Fabrizio Molinario lives and works in Novara, the city of his birth. He has been cultivating his passion for art for many years. In his gestural and primitive painting, light and colour delineate a new spatial dimension. His works, with their brilliant and absolute colours and with very simple and 2-dimensional forms depict ancient praetorian soldiers, gladiators and matadors, but also cyclists, divers, parachutists, pilots and team games. By depicting trials of courage, strength and skill, the artist manages to transmit the tension that precedes every challenge to the observer. Man is called on to tackle his own limits, his own fears and his own ability to relate to the world.

Galleria Il Melone

Via Oberdan, 25/31 45100 Rovigo Tel. +39 0425 30811 www.galleriailmelone.com i n f o @ galleriailmelone.com

Galleria Flavio Stocco

Perl’A Art Gallery

Galleria Ghelfi

La Galleria Flaviostocco presenta una personale di Raffaele Rossi(Alba 1956). Domenica 16 Gennaio alle 18.30 sarà aperta la mostra con un intervento critico di Dino Marangon.L’artista riunisce un gruppo di opere sceltissime che permetterà al visitatore la scoperta del mondo di Rossi attraverso temi come gli Argonauti, I Dogi, Cavalieri e le sacre coppe,entrando nell’esoterismo attraverso l’Alchimia, la “trasmutazione dei metalli” e l’antroposofia. Le opere sono affreschi, affascinanti e di grande tecnica, infatti Rossi ha un particolare amore per la calce e gli intonaci e il suo lavoro è caratterizzato dall’uso della polvere di marmo, del cocciopesto, delle sabbie naturali e alcune colorazioni ottenuta dall’ossidazione dei metalli.

Tema costante delle opere di Maria Baldan è la natura. Il cielo, la terra, la luna, l’acqua, gli alberi e le foglie, i fiori e i fili d’erba, i sassi, la neve, … Maria li trasforma in spazio poetico, nel senso che si lascia incantare dalla natura e la metabolizza nel proprio sentire. Nascono sentimenti che traduce con magistrale essenzialità in composizioni che nella loro sintesi mantengono una forza evocativa assoluta, come può esserlo, appunto, il verso di una lirica. Maria è sostanziale anche nella scelta dei colori. Il blu innanzi tutto, che per lei è il colore che connota tutta la sua esistenza, dalla sfera del pensiero a quella emotiva, e poi il bianco il nero il rosso. Sono colori stesi per ampie campiture, cui si accompagna la particolarità di avvalersi di metalli che assumono la valenza sia di elemento coloristico-formale, reso prezioso dalla levigatura e negli accostamenti, sia di elemento segnico, quando l’artista utilizza il tondino sagomandolo variamente; in entrambi i casi con esiti di grande finezza.

Il pittore friulano Guido Coletti può essere considerato un “figlio d’arte” nel senso che fin da ragazzino guardava lavorare e manipolava lui stesso la materia dell’attività paterna, la pasta del pane, creando un’infinità di forme. Il passo verso la scultura e l’arte è stato soltanto un cambiamento di impiego dei materiali: dal cemento, ai pezzi di motore e ferro, alla sperimentazione di polveri piriche sopra tele precedentemente trattate con pigmenti colorati. Una sua personale è presente a Vicenza, nella Galleria Tino Ghelfi in contra’ Pescherie Vecchie, dal 9 dicembre 2010 alla prima settimana del 2011.

Castelfranco Veneto (TV) 16|01|2011 - 02|02|2011

Raffaele Rossi

Galleria Flaviostocco presents a one-man show by Raffaele Rossi (Alba 1956). The exhibition will be opened on Sunday 16 January at 6.30 p.m. with an address by the critic, Dino Marangon. The artist brings together a series of carefully selected works which will allow the visitor to discover Rossi’s world through themes such as the Argonauts, the Dogi, the Knights and Holy Grails, and enter into esotericism through alchemy, the “transmutation of metals” and anthroposophy. The works are fascinating and highly skilled frescos as Rossi has a particular love for lime and plaster and his work is distinguished by the use of marble powder, fragmented pottery, natural sands and various colourings obtained from the oxidation of metals.

Venezia

Maria Baldan always takes inspiration from nature: for her nature predominates all. The sky, the earth, the moon, the trees, the stones, the snow. Maria transforms all these into poetry and it becomes the truth for her. She permits the truth of nature to permeate her and it flows out into her work. Maria is decisive also when she chooses the colours: first the blue that denotes her existence, that moves her and also moves her to love, to think, an to work. And then there’s the white, black and red. She applies widely the foundation colour, then superimposes various materials, making refined and subliminally poetic works.

La Galleria

Vicenza

Venezia 10|09|2010 - 14|05|2011

Guido Coletti

The Friuli painter, Guido Coletti, can be considered to be have been born to the trade as right from his childhood he watched and he himself manipulated the material of his father’s business, bread dough, and created an infinity of forms. The step to sculpture and art only entailed a change of use of the materials from cement to pieces of engines and iron, to the experimentation of gunpowder on canvasses previously treated with coloured pigments. He is holding a one-man show in Vicenza in the Galleria Tino Ghelfi in Contra’ Pescherie Vecchie, from 09 December 2010 until the first week in 2011.

Patrick Mimran

La Galleria ospita l’artista francese Patrick Mimran, con una mostra dedicata alle fotografie dei suoi celebri Billboard Projects. Il progetto, che è cominciato nel 2001 a Chelsea (NY) e ha poi trovato spazio in altre grandi città come Tokio, Miami, Roma e Venezia, consiste nell’affissione di grandi cartelloni pubblicitari sui quali l’artista firma brevi riflessioni e sentenze lapidarie che mettono in evidenza, con acuta ironia, i punti critici del mondo dell’arte. Oltre a giocare con il contesto urbano e inserire commenti inaspettati che confondono lo spettatore, le opere di Mimran producono originali interazioni con il processo stesso della comunicazione e le sue strategie.

La Galleria hosts the French artist Patrick Mimran, with an exhibition of photos from his famous Billboard Projects. The project, which started in 2001 in Chelsea (NY) and took place in other capital cities like Tokyo, Miami, Rome and Venice, is based on the installation of large banners where the artist write and sign ironic statements on art world. Besides playing with the urban context and introducing unexpected comments that confuse the spectator, Mimran’s works also produce original interactions with the process of communication itself and with its strategies.

Maria Baldan

Galleria Flaviostocco

Borgo Pieve 21 31033 Castelfranco Veneto (TV) Tel. / Fax +39 0423 495661 www.flaviostocco.it [email protected]

Galleria Perl’A Art Gallery Salizada San Samuele, San Marco 3216 30124 Venezia Tel. +39 041 2413218 www.perlagalleryvenice.it [email protected]

La Galleria Galleria Ghelfi

Contrà Pescherie Vecchie, 29 36100 Vicenza Tel. +39 0444 324476 [email protected]

di Dorothea van der Koelen San Marco 2566 (Calle Calegheri) 30124 Venezia Tel. +39 0415207415 www.galerie.vanderkoelen.de [email protected]

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Fondazione Claudio Buziol

Associazioni | Associations

Venezia

Le attività della Fondazione Claudio Buziol, nata nel 2006 in memoria del fondatore di Fashion-Box Replay, spaziano dall’organizzazione di mostre, eventi, lecture e workshop, a programmi di “artist in residence”; dalle collaborazioni con altre istituzioni nazionali ed internazionali, al sostegno di progetti artistici personali e di ricerca, secondo un approccio multisdisciplinare che tende a confondere e sfumare i confini tra le diverse forme di espressione: arte, moda, design, video, musica, scrittura, grafica, fotografia, interactive, danza.

The Fondazione Claudio Buziol, created in 2006 in memory of the founder of Fashion-Box Replay, is active in the organisation of exhibitions, events, lectures and workshops as well as “artist in residence” programs. It works with other national and international institutions supporting personal artistic projects and research taking a multidisciplinary approach, smudging the boundaries between a whole range of artistic expression forms: art, fashion, design, video, music, writing, graphics, photography, interactive art and dance.

Startup

Dolo (VE)

L’associazione Startup nasce dalla volontà di un gruppo di architetti veneti di promuovere progetti che coinvolgano diversi soggetti e professionalità, con l’obiettivo di creare un metodo che porti, a seguito di un’attenta analisi del tessuto urbano, delle sue peculiarità e delle sue esigenze, all’individuazione di “luoghi chiave”, per svelarne attraverso una concreta progettualità nuove e nascoste potenzialità. Ogni intervento nasce dalla stretta interazione tra artista e architetto, con l’obiettivo di immaginare una nuova città. Una città diversa. Contemporanea. La sperimentazione sul campo iniziata nel 2008 col progetto “Castelfranco Veneto città d’arte.Contemporanea” e l’opera Borrowing You di Arthur Duff, è proseguita nel 2009/2010 con il progetto “transizionitransitions”. The Startup association sprang from the desire of a group of architects from the Veneto to promote projects that would involve various people and professional skills, with the aim of creating a method that would make it possible to pinpoint “key areas” - after a close analysis of the urban fabric, its particularities, and its needs - in order to reveal new and hidden potentialities through concrete proposals. Every planning intervention springs from the close interaction of artists and architects, with the aim of imagining a new and different city: a contemporary one. Experimentation in the field began with the “Castelfranco Veneto città d’arte. Contemporanea” project while Arthur Duff’s work “Borrowing You”, continued in 2009/2010 with the project “transizionitransitions”.

Fondazione Claudio Buziol

Palazzo Mangilli - Valmarana Cannaregio 4392 30121 Venezia Tel. +39 041 5237467 www.fondazioneclaudiobuziol.org [email protected]

Startup

Via Cairoli, 113/a 30031 Dolo (VE) Tel. +39 041 5101422 Fax +39 041 5128255

Fondazione March Padova

Quest’anno fondazione march per l’arte contemporanea propone tre principali iniziative: Mobiquity: all’interno del Festival delle Città Impresa, per la seconda edizione di Art&Co., il progetto è volto a connettere arte, impresa e territorio sul tema della mobilità; CameraVideo: festival itinerante di videoarte giunto alla quarta edizione, indaga le modalità di sperimentazione legata al video e al suo rapporto con il cinema; Cos’è il contemporaneo? 4: ciclo di incontri sulle arti contemporanee, invita le nuove figure professionali di tale ambiente a relazionarsi con studenti di scuole e università.

This year fondazione march per l’arte contemporanea proposes three main initiatives: Mobiquity: within the framework of Festival delle Città Impresa, for the second edition of Art&Co., the project is aimed to connect art, enterprise and territory on the idea of mobility; CameraVideo: itinerant festival of videoart at its fourth edition, it investigates the ways of experimentation connected to video and its relationship with cinema; Cos’è il contemporaneo? 4: cycle of lectures about contemporary arts, it invites new professional figures of this world to relate with students of schools and universities.

Fondazione March

Via Armistizio, 49 35142 Padova Tel. +39 049 8808331 www.fondazionemarch.org [email protected]

Larterìa Verona

Larterìa è un’associazione che promuove la Fotografia, composta da un gruppo di fotografi di età, formazione ed approcci diversi. L’obiettivo è l’avvicinamento alla fotografia intesa come forma d’arte evoluta. Abbiamo già all’attivo collaborazioni importanti: il progetto   fotografico “Young Days”, esposto al Centro Internazionale di Fotografia “Scavi Scaligeri”; il progetto video “PAST, PRESENT, FUTURE. The Making Of” commissionato da UniCredit e Fondazione Cariverona. L’attività prosegue proponendo progetti orientati all’ambito sociale e con l’intento di organizzare letture di portfolio e workshop.

Larterìa is an association for the social promotion of photography. It consists of a group of photographers differing in age, training, and approach. Its aim is to bring people into contact with photography as an evolutionary form of art. We have already taken part in important collaborative activities: the “Young Days” photo project, exhibited in the Scavi Scaligeri International Photography Centre; and the “PAST, PRESENT, FUTURE. The Making Of” video project commissioned by the Unicredit bank and the Fondazione Cariverona. Larterìa’s activity is mainly focussed on developing social projects and organizing workshops.

Unità di Crisi

Associazione Culturale Spiazzi

Interzona

Unità di Crisi è un collettivo composto da grafici, teorici della comunicazione visiva, architetti, docenti che vuole occuparsi del fenomeno della crisi globale e permanente, con l’obiettivo di individuare delle situazioni specifiche di emergenza, e intorno a queste organizzare delle attività di ricerca che saranno poi documentate e raccolte in una serie di pubblicazioni. La prima pubblicazione, krisis | identities, riguarda la crisi delle modalità di rappresentazione dell’identità ed è frutto della collaborazione con teorici della comunicazione, artisti, illustratori, designers e scrittori.

A partire dai progetti, realizzati o in corso, dell’associazione Spiazzi e in particolare del gruppo SpiazziVerdi, gli obiettivi sono molteplici: avviare la trasformazione di alcune aree della città attraverso incontri di progettazione partecipata per realizzare orti, giardini e luoghi di benessere, dove lavorare, produrre prodotti alimentari e trascorrere il tempo libero, condividere competenze ed esperienze con laboratori di autoproduzione; costruire relazioni tra le persone coinvolte, veneziani e visitatori, a partire dallo scambio di sementi e pratiche alternative di cura di beni comuni, per quella città che vive e lavora, al di là dei circuiti turistici e oltre la commercializzazione degli spazi fisici e culturali.

Dal 1993 l’Associazione Culturale Interzona svolge la propria attività entro l’area produttiva dismessa degli ex Magazzini Generali di Verona. Dapprima nella Stazione Frigorifera Specializzata, dalla fine del 2006 si è trasferita nel Magazzino 22. Ristrutturato dalla Fondazione Cariverona, la nuova sede si articola in più sale per un totale di 1500mq. L’idea che sta alla base del progetto Interzona è quella di dar vita ad un luogo dove sia possibile fondere cultura e aggregazione, utilizzando modelli professionali di gestione indipendente. Interzona tessera ogni anno oltre 6000 soci, appassionati di musica, cinema, teatro e arte. Per maggiori informazioni www.izona.it

Venezia

Unità di Crisi is a research unit of graphic designers, theoreticians of visual communications, architects, and teachers focused on the phenomenon of global and permanent crisis. Its main purpose is to individuate specific emergency situations and to organize around them some research activities that will then be recorded and collected together in a series of publications. The first one, krisis | identities, deals with the crisis of the representation of identity and is the outcome of a collaboration between communications theoreticians, artists, illustrators, designers, and writers.

Unità di Crisi

Larterìa

www.larteria.com [email protected]

Giudecca 620 (Chiostro di SS. Cosma e Damiano), interno 49, 30133 Venezia www.krisismagazine.com [email protected]

Venezia

Starting from the projects, already completed or currently underway, of the Spiazzi Association – and in particular of the SpiazziVerdi group, the objectives are numerous: to promote the transformation of areas in the city through collective citizen participated design meetings in order to create gardens and quality places where one can work, produce food products and pass one’s free time, to share skills and experiences through laboratories dedicated to autonomous production, to build relationships between the people involved, both Venetians and visitors, starting from the exchange of seeds and alternative practices, for the care of collective resources by that part of the city which lives and works beyond the touristic circuits and the commercialization of physical and cultural spaces.

Associazione culturale SPIAZZI Castello 3865 30125 Venezia Tel. +39 041 5239711 www.spiazzi.info [email protected]

Verona

Since 1993 Interzona has been in operation at the ex Magazzini Generali area in Verona, a disused production district. First situated in the Specialized Refrigerator Section, at the end of 2006 Interzona left its old address and moved to the nearby Magazzino 22. This new base, renovated by Cariverona bank foundation, includes a series of rooms covering a total area of 1500m². The essential idea behind the Interzona project has always been to create a well-organised environment that provides culture and fun, in the field of independent art . Interzona is a non profit making organization with an annual membership of over 6000. More info www.izona.it

Interzona

Magazzino 22 Via Scuderlando, 4 37135 Verona Tel. +39 045 2021005 www.izona.it [email protected]

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Belluno

Torchio Thiene

Centro Culturale Ossidiana

Fondata nel 1970 da Armando Martini, “Torchio Thiene” è una delle stamperie venete maggiormente attive nel campo della stampa e della ricerca calcografica contemporanea, dove importanti artisti hanno realizzato le loro opere calcolgrafiche; tra questi Alan Frederick Sundberg, Augusto Murer, Emilio Vedova, Tono Zancanaro. Promuove mostre a carattere didattico, corsi base per principianti e di specializzazione per docenti di Educazione Artistica, spaziando dalle tecniche tradizionali a quelle sperimentali ed innovative, sotto la guida del maestro stampatore Armando Martini.

“Ossidiana, Centro Culturale e di Espressione”, è scuola di pittura e disegno dal 1992, sotto la direzione di Toni Vedù. La didattica comprende svariate discipline e insegnamenti tecnici: le tecniche pittoriche, il disegno, l’illustrazione e il fumetto. Accanto a Toni Vedù, gli storici fondatori dell’associazione, Franca Pretto e Gianni Gastaldon, hanno affidato gli insegnamenti alla professionalità di artisti come Federico Pillan, Mirta Caccaro, Ivo Mosele, Marco Benetti, Marina Marcolin, Andrea Rossetto. Ossidiana promuove sensibilizzazione e formazione anche in altri settori culturali.

Thiene (VI)

Vicenza

Laetitia Calcagno

GaBLs è un progetto di giovane arte contemporanea, nato nel 2008 a Belluno. Suo obiettivo la generazione di un centro di diffusione artistica d’epicentro dolomitico, che inneschi processi estroversi, amplificando le risorse di creatività intelligente e ponendole in rapporto diretto, di risonanza, con altri motori poietici. La relazione con lo spazio in generale, e con l’ambiente montano in particolare, irto d’emergenze, contrasti, potenze, levità, è uno degli aspetti centrali nell’azione del gruppo.

Founded in 1970 by Armando Martini, “Torchio Thiene” is one of the most active presses in the field of contemporary printing and engraving and many leading artists have realized their engraved works here, including Alan Frederick Sundberg, Augusto Murer, Emilio Vedova and Tono Zancanaro. It promotes exhibitions of a didactic nature, basic courses for beginners and specialist ones for art teachers, ranging from traditional techniques to experimental and innovative ones, under the guidance of the master printer, Armando Martini.

GaBLs is a project of young contemporary art, born in 2008 in Belluno. Its aim is to generate a center for the dissemination of art with its epicenter in the Dolomites, which triggers outgoing processes, by amplifing the resources of intelligent creativity and by placing them in direct, resonant, relationship with other poietic engines. The connection with the contest in general, and with the mountain environment in particular, spiked with emergencies, conflicts, power, lightness, is one of the main aspects of the activity of the group.

GaBLs

Via Tiziano Vecellio, 105 32100 Belluno Tel +39 043730685 - 3381492993 www.gabls.it [email protected]

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Ossidiana, Centre of Culture and Expression, has been a centre of painting and drawing since 1992, under the direction of Toni Vedù. Teaching covers a variety of disciplines and technical skills: painting techniques, drawing, illustration and comics. Alongside Toni Vedù, the historical founders of the association, Franca Pretto and Gianni Gastaldon, have entrusted the teaching activities to the professionalism of artists such as Federico Pillan, Mirta Caccaro, Ivo Mosele, Marco Benetti, Marina Marcolin and Andrea Rossetto. Ossidiana promotes awareness and training in other cultural sectors too.

Tono Zancanaro

Torchio Thiene

Villa Cà Beregane, 3 36016 Thiene (VI) Cell +39 3490612144 [email protected]

Ossidiana

Strada di Saviabona, 356 36100 Vicenza Tel +39 0444301167 www.ossidiana-time.net [email protected]

Amici di AreaArte | AreaArte’s friends

GaBLs

Daniela Vettori Vicenza

La mia passione per l’arte, pittura e scultura, nasce a Roma, mia città natale, e lì si affina con gli studi artistici. A Vicenza inizio la mia ricerca personale della lavorazione dell’oro e dell’argento, reinterpretando antiche tecniche. I miei strumenti sono il fuoco che trasforma e la cera con cui plasmo quello che poi diventerà il gioiello, assieme alle pietre naturali più inconsuete. Nel 1981 apro il mio laboratorioatelier in via Paolo Lioy 9-13, nel cuore di Vicenza. La mia peculiarità è saper esaltare la personalità delle mie clienti, creando per ognuna un gioiello unico, appagante.

Pauly Gallery

Panto Textile Art

Roberto Callegari

Da oltre un secolo Pauly è simbolo di tradizione, arte e lusso. Niente è cambiato nei gesti dei maestri vetrai a cui ancora oggi è affidata la produzione di opere uniche. Oggetti di lusso che si caratterizzano per l’autenticità l’originalità la bellezza e la qualità. Arte e vetro materia e creatività sono le parole che racchiudono la filosofia Pauly. Non solo oggetti di uso quotidiano ma opere d’arte sviluppate in un connubio unico tra tecniche di produzione tradizionali e arte moderna. Una continua contaminazione di storia e cultura che ha come protagonista assoluto il vetro.

Osservare e toccare un antico tappeto del Tibet vuol dire lasciarsi trasportare in una dimensione non solo estetica, ma contemplativa e ci si sente invasi da una profonda sensazione di quiete interiore. Ammirando questo spettacolare esemplare pubblicato in foto si provano intense sensazioni; attribuibile alla fine del Settecento, ha un candido campo a fondo beigè dove si stagliano dei medaglioni stilizzati a collare di nubi, color verde acqua, che ospitano al loro interno la simbologia del nodo infinito. Presso la Galleria Panto Textile Art si può ammirare questo raro esemplare, così come molti altri pregiati ed antichi tessuti e tappeti.

L’estrosa famiglia Callegari festeggia un secolo di tradizione segnato dall’amore per il viaggio, l’arte e la conoscenza del mondo. La spinta innovatrice della terza generazione sfocia nel concept di Galleria Davila 8: un luogo di contaminazione di stili ed armonia di dissonanze frutto dell’incontro tra gioielli, arte e ricerca. Eccellente esempio di creazione sartoriale che applica lo studio di materiali innovativi alla manifattura artigianale, è la farfalla: una struttura ultrasottile in fibra di carbonio e zirconio nella quale sono incastonati diamanti taglio a rosa e rare perle Conch.

Venezia

Since more than a century Pauly is the symbol of luxury,art and tradition. Movements,touches and talent of our glass masters, that still nowadays manifacture our unique works, have remained the same throughout the decades. Our luxury collection rappresents the ultimate dream for beauty,unicity and authenticity. Art and glass, substance and quality are the 2 strategic binomials for Pauly’s philosophy. Not only we manifacture useful items for everyday use but also masterpieces that are the fusion of tradional manifacture and modern art creating in such a way a new concept in which glass plays the main role.

Via Paolo Lioy, 13 - 36100 Vicenza Tel. +39 0444 323855 www.danielavettori.com [email protected]

Padova

Callegari just celebrated a century of heritage and tradition. The family has always been inspired by a deep love for travels, art and knowledge. Callegari’s third generation revolutionary idea of matching different jewelry styles turned Galleria Davila 8 into a space dedicated to research and artistic trends. The taylor-made piece called Butterfly is an excellent example of how a superb craftsmanship can be applied to innovative materials: rose cut diamonds and rare Conch pearls are mounted on an extremely agile structure of carbon fiber and zirconium.

Examining and touching an old Tibetan rug means letting yourself be carried away into a dimension which is not just aesthetic but also contemplative and you feel yourself being overcome by a profound sensation of internal calm. When you admire this spectacular example published in the photo you experience intense sensations: attributable to the end of the eighteenth century, it has a bright beige background on which stylized water-green medallions with collars of clouds stand out and contain the symbolism of the infinite node within them. This rare specimen can be admired at the Galleria Panto Textile Art along with many other precious ancient fabrics and rugs.

My interest in art, painting and sculpture developed in Rome, where I was born, and was refined during my artistic studies. In Vicenza I began my personal research in the working of gold and silver, re-elaborating ancient techniques. The ‘tools’ I use are fire, which transforms matter, and wax, with which I produce jewels, together with unusual natural gemstones. In 1981, I opened a craftwork atelier in via Paolo Lioy in the historic centre of Vicenza. My particular approach includes the individual attention I offer all of my clients, for whom I create unique pieces of jewellery that will suit their personality and style.

Daniela Vettori

Treviso

Compagnia Vetraria Muranese Fondamenta Vetrai, 43 30141 Murano (Ve) Tel. +39 041 736843 www.compagniavetraria.com

Panto Textile Art

Via Canoniche, 8 31100 Treviso Tel. +39 336760220 www.pantotextileart.com [email protected]

Roberto Callegari

Via San Fermo angolo Via Davila 35121 Padova Tel. +39 049 8763131 www.robertocallegari.com [email protected]

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CONTRIBUISCI ALLA RICERCA ABBONATI AD AREAARTE Abbonamento annuale € 32,00 (4 numeri) Ad ogni abbonamento, € 12,60 andranno a favore delle Fondazioni e Associazioni sostenute da AreaArte Collegati a www.areaarte.it Seleziona “abbonamento” e compila il form Per informazioni scrivi a: [email protected]

LA CULTURA DIVENTA SOLIDARIETÀ

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CULTURE BECOMES SOLIDARITY

AREAARTE INVERNO | WINTER 2011

Direttore responsabile | Editor Giovanna Grossato Redazione | Editorial staff Serena Baccaglini Anna Livia Friel Giovanna Grossato Giuseppe Viviano Testi | Texts by Alessandro Benetti Christophe Boïcos Tazio Cirri Gianluca D’Incà Levis Anna Livia Friel Giovanna Grossato Silvia Neri Marco Maria Polloniato Fotografie | Photos Maurizio Adamo Roberto Mascaroni Matteo Sandi

Sommario Contents

L’arte contemporanea The contemporary art di | by Giovanna Grossato

Ulrich Egger:

Estetica urbana Urban Aesthetic di | by Anna Livia Friel

4 10

Silvano Tessarollo: I’m waiting for paradise I’m waiting for paradise di | by Tazio Cirri

14

Marco Zanta:

La costruzione del tempo The construction of time di | by Alessandro Benetti

20

David Loeb:

Un visionario realista americano A visionary american realist di | by Christophe Boïcos

24

Marika Vicari:

Lo sguardo in cammino A gaze on the trail di | by G. G.

28

Fabiano De Martin Topranin: Campi d’introspezione scultorea Fields of introspection in sculpture di | by Gianluca D’Incà Levis

32

Sonia Ros:

Storie svelate Stories revealed di | by Silvia Neri

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L’ottocento elegante Elegant ottocento

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Web designer VG7

Arturo Martini:

La scultura lingua viva Sculpture, a living language di | by Giovanna Grossato

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Stampa | Printing Grafiche Antiga Spa



Sculture fischianti: la forma del suono Whistling sculptures: the form of sound di | by Marco Maria Polloniato

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Arte cinetica Kinetic art

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Da vedere To see

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In galleria In the galleries

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Associazioni Associations

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Amici di AreaArte AreaArte’s friends

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Copertina di Carlo Domeniconi Cover by Carlo Domeniconi

Traduzioni | Translations John Bleasdale Michael Friel Public relation Paola Ferretti Progetto grafico | Graphic layout Carlo Martini

Via delle Industrie, 1 31035 Crocetta del Montello (TV) Tel +39 04236388 - Fax +39 0423638900 www.graficheantiga.it [email protected]

Editore | Editor Martini Edizioni Villa Ca’ Beregane, 3 36016 Thiene (VI) www.martiniedizioni.net [email protected]

Anno 2. Numero 4. Registrazione: Tribunale di Vicenza n. 1214 del 19 gennaio 2010 © 2010 Martini Edizioni, Thiene (VI)



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